“El fotografo de Mauthausen” y “Carmen y Lola”

Que tal cinéfilos? Hoy vamos con una doble sesión de cine patrio: en primer lugar, vamos con la critica de “El fotógrafo de Mauthausen”, dirigida por Mar Targarona y protagonizada por Mario Casas, Alain Hernández y Stefan Weinert.

Los que esten mas documentados en la Segunda Guerra Mundial y hayan ahondado en el archivo histórico de españoles en los campos de concentración nacioalsocialistas en Alemania, olvidados por la dictadura seguro conocerán la historia de Francesc Boix, preso que – ayudado por un grupo de prisioneros españoles de la organización clandestina del campo de concentración de Mauthausen-arriesgo su vida para escapar y demostrar al mundo la crueldad del nazismo a través de sus desgarradoras instantaneas.

Fue dicho material fotográfico el que hizo de Boix el único testigo español en los juicios de Nuremberg en 1946.

La directora Mar Targarona ( “Secuestro”) dirige este relato real, llevandolo a la gran pantalla sin demasiado presupuesto, pero con un gran diseño de producción ( cortesia de de Rosa Ros), el cual permite recrear fielmente el contexto histórico, quedando bien documentando el horror del nazismo también gracias a la lúgubre fotografía de Aitor Mantxola.

Aun con una cuidada ambientación y tan interesante trama, la película desaprovecha su oportunidad de angustiar y remover aun mas al espectador, pues es algo inconsistente de ritmo, recreándose demasiado en algunas escenas – con personajes secundarios que poco aportan, como los de Alain Hernández y Macarena Gómez– y no desarrollando otras.

Al contrario de peliculas de la misma tematica, como La lista de Schindler, se echa de menos en este caso la conexión emocional con los personajes y ahondar en las motivaciones de los antagonistas, para “justificar” las atrocidades que nos narran. Algunos de ellos son bastantes superficiales.

En cuanto a interpretaciones, no era yo muy fan de Mario Casas, aquí tiene un interesante papel protagonico con el que cumple y se sale de su zona de confort, ayudado por la inevitable transformación fisica para darle mas credibilidad a su Boix. Sin embargo, ni un trabajo actoral adecuado tiene la fuerza estremecedora de las fotos del final de los créditos, que nos dejan con el nudo en el estomago que no ha provocado la película.

El trabajo de Casas y el apartado técnico si consiguen por tanto trasladarnos a la atmosfera de tensión y terror de la tragedia y adentrarnos en la historia, intentando entender como Boix intento frenar y escapar del genocidio a través del arte de la fotografía.

En definitiva El fotógrafo de Mauthausen no es del todo la película que cabria esperare, desgarradora a la par que redonda, pero si hace un esfuerzo por construir un relato veraz de la figura de Boix y aportar una interesante propuesta dentro del cine español.

Valoración

El fotógrafo de Mathausen es un correcto drama histórico, pero se queda corta.

Lo mejor

La puesta en escena y la dirección artística.

Lo peor

No llega a emocionar.

A continuación, vamos con “Carmen y Lola”, de la directora ganadora del Goya Arantxa Etxevarria. Se trata de una película que, por su temática racial y LGTBI, levanto tal revuelo que fue retirada de la muestra de cine de mujeres de Pamplona por las protestas de una asociación feminista gitana, que alegaba los cliches de una película muy sencilla en su trama, pero con el valor añadido de introducir temas tabú hasta ahora para el cine español.

Si bien en los pasados Goyase reinvicaba el papel , no solo de la mujer en la industria, sino también el de las minorías raciles y culturales, Carmen y Lola fue considerada un flaco favor hacia la raza cale, por mostrar a los típicos gitanos de mercadillo, fiestas familiares y ultra religiosos, con las adolescentes protagonistas que siguen la tradicion cultural familar en una sociedad herméticamente patriarcal, en la que a la discriminación de ser mujer se le une la de ser gitana.

La directora ha buscado denunciar esta realidad con la película, pero generaliza esto a todo el mundo gitano, cuando el machismo y la homofobia no son solo cuestión de raza y cultura.

Es cierto que Carmen y Lola se recrea en los cliches, que la trama es muy simple y con secundarios desaprovechados como para aportar algo mas a la típica historia de amor lésbico adolescente. Una de las chicas es la que le lleva a la otra a descubrir y reconocer su sexualidad, que esconderá a la sociedad hasta el giro de los acontecimientos.

Cierto es que no se le puede pedir mas a una película sin actores profesionales, que el valor en este caso de tratar temas casi inexplorados por el cine español. “Carmen y Lola” tiene cliches y es una pequeñísima producción, pero se deja ver para abrir el debate sobre la representación de las minorías y como se trata en la película, y este puede ser bastante enriquecedor.

Hasta la proxima😘😘

“Serenity” y “The sister brothers”

Que tal cinefilos? En primer lugar, vamos con “Obsesión” (“Serenity”), escrita y dirigida por Steven Knight y protagonizada por los oscarizados Matthew McConaughey y Anne Hathaway, Diane Lane y Jason Clarke.

La película narra el oscuro pasado de Baker Dill (Matthew McConaughey), un capitán de barco pesquero que vive en una pequeña isla del Caribe , a la que regresa para afrontar un giro radical en su vida: el reencuentro con su ex mujer Karen (Anne Hathaway), quien le pide ayuda para ella y su hijo en común.

Con una historia imprevisible hasta su inaudito desenlace, repleta de giros de guion y oscilando entre el thriller-suspense-drama, bien es verdad que la película nos sorprende ( el final me dejo con la boca abierta), pero el tráiler nos vendia algo mucho mejor de lo que realmente es, pues lo interesante de la película se vuelve totalmente incoherente en la segunda mitad.

Siquiera el magnifico reparto puede salvar una película fallida, con la química de Insterstellar desperdiciada en la estupenda pareja McConaughey/Hathaway- pues la relación entre el ex matrimonio podría haber dado mucho mas juego- , un Jason Clarke genial como villano y Diane Lane correcta pero con un brevísimo papel.

Tampoco el buen hacer en el apartado tecnico, con un magnifico trabajo de efectos especiales y fotografía ( con bellísimos planos y escenas con vistas al mar) logran suplir los agujeros de guion de lo que podrá haber sido una gran película.

En resumen, “Serenity” es de estas películas en las que cuesta entrar pero que te atrapa cuando le coges el ritmo, solo que el interés se disipa en un relato demasiado inverosímil, simplemente disfrutable por sus actuaciones y como pasatiempo para pasar un rato de cine.

Nota: 5.

A continuación, vamos con un western premiadísimo en festivales, coproducido por España -a través de Apache Films y con participación también de Atresmedia- y mayormente rodado en localizaciones patrias (Huesca, Navarra y Almería) . Se trata de “The Sister Brothers”, ganadora en Venecia del León de Plata a mejor director.

En 1850, los hermanos pistolero Sisters, el matón Charlie (Joaquin Phoenix) y el mas racional Eli (John C. Reilly) , vagan por el el viejo Oeste para cumplir una misión: el Comodoro les ha encargado ir a por John Morris (Jake Gyllenhaal) , compinchado con el inventor Warn (Ahmed) para lograr la formula del oro. Así, el equipo familiar deberá hacer frente a las constantes pruebas físicas e intelectuales por el camino.

Este western ,basado en la novela homónima de Patrick Dewitt, con cuatro actores esplendidos reacios a los blockbusters y un director francés, sorprendio para bien con los aplausos en el Festival de Venecia, con premio a mejor director para Jacques Audiard.

La película nos muestra el lado mas humano de los cowboys del viejo Oeste, con unos vaqueros con poca higiene personal pero movidos por sus sentimientos de ambición, confianza y venganza hacia el enemigo y el amor a la familia.

El guion resulta muy interesante e inteligente, estando – como la direccion- a cargo del propio Audiard , que saca lo mejor de los actores y los paisajes, con su director de fotografía Benoit Debie y música de Desplat.

En cuanto al reparto, era inevitable verla al aparecer mi actor favorito ( uno mas de los inusuales personajes de mi amado Joaquin Phoenix, que – con permiso de Daniel Day Lewis- me viene cautivando desde Gladiator) , un entregado y que también me ecncanta Jake Gyllenhaal – que repite con Ahmed tras “Nightcrawler”- y el mas destacable John C. Reilly, productor de la peli junto con su esposa, y quien desempeña el personaje con mas provecho y que mas evoluciona en una interpretación que bien merecia premios.

Lo mejor de la pelicula es que es un western muy especial y con buen ritmo en sus dos horas, algo mas lento hacia la segunda mitad para estallar en un salvaje epilogo con moraleja: la vida era aun mas difícil en un Oeste donde el dinero y la ambicion lo son todo y nadie es lo que parece., Este western hace que el lejano Oeste nos parezca mas cerca que nunca
Nota: 7

Hasta la proxima😘😘

“Mula”

Que tal cinefilos?Tras “El Francotirador”,Clint vuelve con un gran reparto y sus habituales para contar una historia basada en hechos reales.

Comenzando con los planos del campo de lirios del florista protagonista, su personal ritmo narrativo y musica de orquesta, comienza la que podría ser la despedida del cine de Clint Eastwood, un maestro del séptimo arte que, en esta ocasión, nos trae la historia real de Earl Stone., un veterano de la guerra de Corea a quien la dedicación al trabajo le trae la separación de su esposa Mary.

Enfrentando con su familia y con su negocio a pique y embargado por las nuevas tecnologías y modelos de mercado, Earl se vera inmerso en una nueva vida con la que seguir adelante: un hecho fortuito le convertirá en mula, dejándonos memorables escenas canturreando mientras hace kilómetros bajo las ordenes de los carteles.

Un buen dia, a Earl le ofrecen, dada su elevada edad para pasar desapercibido y su experiencia al volante, hacer una primera entrega de un paquete de drogas, tarea que repetirá hasta convertirse en el transportista El Tata, como le apodaran los narcos liderados por el personaje de Andy Garcia.

Nick Schenk, guionista de “Gran Torino” o “El juez”, sigue la línea habitual de sus trabajos ( con escenas mordaces y sarcásticas como la de las “moteras bolleras”) , reflejando como el narcotráfico pone fin al sueño americano a través de los doce portes de Earl, a la par que haciendo una critica de la dependencia tecnológica de la era difital en que vivimos.

Sin duda, la experiencia de Earl Stone bien vale como moraleja sobre el valor del dinero, que para Earl no podrá comprar el tiempo perdido que no ha podido pasar con su familia, porque “el tiempo es efímero y único”. “Mula” es el reverso de “Gran Torino”: frente al pesimista Walt Kowalski , Earl Stone buscara redimirse retomando el contacto con su familia y dedicando el dinero del trasporte de la droga a rehabilitando el club de veteranos de guerra o a pagar parte de la boda de su nieta Ginny (Taissa Farmiga, quien me recuerda enormemente a su hermana Vera).

La veteranía como actor y narrador de Eastwood nos trae una especie de fabula algo agridulce, en lo que bien podria ser su testamento, pues “Mula” es una pelicula madura y emocional, donde Eastwood se entrega por completo y que bien valdría una despedida al estilo de la de Robert Redford. ”

Mula” no cuenta nada demasiado original, pero su mensaje sobre las segundas oportunidades en la vida llega directo y cala en el espectador, haciendo reflexionar tras su visionado, en escenas como las que comparte con unas estupendas Dianne West y la propia hija de Eastwood como ex mujer e hija de Earl, o con Bradley Cooper como el policia encargado de detenerle.

Sin duda, “Mula” es el Eastwood mas humano desde hace tiempo, y el maestro Clint nos seguirá atrayendo con cualquier cosa que haga.

“¿Podras perdonarme algun dia?” y “La sociedad literaria y el pastel de piel de patata’

Que tal cinéfilos? Hoy os traigo critica de dos peliculas relacionadas con la literarura. En primer lugar, vamos con ¿Podrás perdonarme algún día? (Can You Ever Forgive Me?), dirigida por Marielle Heller y protagonizada por los nominados al Oscar Melissa McCarthy y Richard E. Grant. Era una de las nominadas a los Oscar que tenia pendientes, aunque haya pasado algo desapercibida.

¿Podrás perdonarme algún día? tiene las interpretaciones como fuerte: el peso de la película se apoya en una magnifica Melissa McCarthy, que nos muestra su vis dramática y esta acompañada por secundarios de lujo como Richard E. Grant y Dolly Wells. quienes tienen gran química con ella y aprovechan al máximo sus personajes.

Lee Israel es una prestigiosa escritora superventas que, tras alcanzar las mieles del existo con las biografías de Katharine Hepburn, Tallulah Bankhead, Estée Lauder o la periodista Dorothy Kilgallen, pasa al olvido con su alcoholismo y el rechazo de las editoriales.

Así, la protagonista esta en horas bajas hasta que un día, por casualidad, descubre una carta mecanografiada dentro de un libro de la biblioteca e intenta venderla. Sin embargo, la carta no recibe ningún interés. por lo que la escritora decide falsificar cartas de escritores y celebridades fallecidas con el fin de pagar el alquile para pagar el alquiler y la veterinaria de su gato, dándole su propio toque de imaginación a la correspondencia.

Cuando esta artimaña comienza a ser sospechosa, Israel roba y vende las verdaderas cartas de los archivos instigada por su leal amigo Jack Hock sin conocer la investigación del FBI.

Bien es verdad que podemos empatizar con Lee pese a su reprochable conducta, compartiendo con ella su amor por los libros y la visión cruel de la fama que da la película. Además, el guion trata con mucho tacto ciertos temas como la homosexualidad y humaniza a Lee Israel, sin llegar a la condescendencia de que es la sociedad quien debe adaptarse a ella y no al reves, reafirmando su propia identidad personal frente a las reglas sociales.

NOTA: 7

Lo mejor

Melissa McCarthy y Richard E. Grant.

Lo peor

Es fácil que pase desapercibida.

“Van Gogh, a las puertas de la eternidad”

Que tal cinefilos? Despues de “Loving Vincent”, y habiendo visto parte de la obra de uno de mis pintores favoritos el MET, Orsay y su propio museo en Amsterdam, he aprovechado este fin de semana para disfrutar de una de las peliculas de los Oscar, con nominacion para Willem Dafoe: “Van Gogh, a las puertas de la eternidad”.

¿Qué visualizaba Van Gogh antes de pintar?, ¿hasta qué punto la vida y el espíritu del artista se ven reflejados en su obra, en sus cuadros, en sus pinceladas?, ¿qué hubo detrás de la creativa mente del pintor? Puede que encontremos la respuesta en la siguiente frase de la película: “Cuando pinto dejo de pensar y siento que soy parte de todo fuera y dentro de mí”.

En Van Gogh, a las puertas de la eternidad (At Eternity’s Gate, Julian Schnabel, 2018) , intentamos acercarnos a la turbulenta vida de Vincent(Willem Dafoe) y su peculiar, particular y subjetiva visión del mundo , que plasmara en su arte. El ritmo de la película es pausado e intimista para que veamos todo desde la propia óptica del protagonista, cuya subjetividad influirá evidentemente en esos cuadros a través de los cuales buscara trascender para la eternidad.

Van Gogh pinta sus propias percepciones de lo que observa y su sufrimiento personal, dedicando a pintar unos diez años de los treinta y siete que vivió, lo que únicamente hizo cuando se lo permitieron su enfermedad mental y sus demonios y conflictos internos.

“Dios está en la naturaleza y la naturaleza está en Dios”, afirma el lado mas espiritual del pintor.

El filme de Schnabel se centra en la estancia en Arlés de Van Gogh, asi como en el sanatorio de Sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, como momentos donde se forjaron las leyendas en torno a su oreja y su muerte.

Van Gogh quiso ser pastor, pero finalmente busco la espiritualidad en el extasis del proceso creativo, donde la pintura era lo único para y por lo que existía. Schnabel trata de equilibrar aquí el aspecto autobiográfico con la fuerza de la imagen, en un debate como el de Van Gogh genio excéntrico marginado de la sociedad y el Van Gogh genio creativo que conmociona con sus pinceladas de realidad.

Entre los datos objetivos de la vida del artista y el prisma subjetivo del punto de vista del propio protagonista, solo los inexplicables movimientos de cámara – con unos planos que marean ligeramente, que quizás sean una analogía a la atormentada mente del artista- nos sacan de la exploración de la conciencia de Van Gogh, que pinta frenéticamente aquellos campos de trigo y girasoles desde los cuales admira la propia naturaleza reflejada en sus cuadros.

El director Schnabel y el guionista Carrière buscan alejarse del biopic aséptico y al uso para centrarse en la búsqueda de la eternidad de Van Gogh. quien persiguio que sus cuadros trascendieran al espacio y el tiempo, entre los momentosd mas oscuros de su vida, como la pobreza, la enfermedad y la huella de su voluble relación con su hermano Theo. “Hay tanto que ver. Cada vez que miro veo algo que nunca había visto antes. La esencia de la naturaleza es la belleza” dice el pintor.

Van Gogh, a las puertas de la eternidad puede resultar algo reiterativa formalmente, con esas escenas y esos tonos amarillos oscuros y amarillos que simbolizan el delitio del artista, que se funde con la naturaleza como expresión de su propio ser en la pintura.

“La existencia no puede existir sin la razón” afirma Van Gogh, refiriéndose a la razón de la lucidez y la capacidad para retratar la realidad de la propia naturaleza.

“Pensé que un artista tenía que pensar en enseñar el mundo, ahora solo pienso en mi relación con la eternidad”, y esas palabras son las que el cineasta, guionista y también pintor Schnabel procuran aplicar como mensaje de la película. «Cuando me enfrento a un paisaje llano, no veo nada más que la eternidad ¿Soy el único que la ve?» se pregunta el pintor, al que tanto marco la presencia de un Paul Gauguin (Oscar Isaac) que le reprocha la calidad de su pintura, la cual le parece hecha de arcilla.

“La gente irá a los museos a ver cuadros de gente, no para ver a la gente que fue pintada”. ¿ Vemos nosotros el cuadro de una persona o una persona en un cuadro? “Van Gogh, a las puertas de la eternidad” es un sobrio e intimista biopic que busca ser también expresión del arte con su fotografía, y que parecio muy interesante pese a su ritmo algo irregular, dada la fuerza de las escenas entre Dafoe y Mikkelsen o Isaac, ( con perdón de Rami Malek, pienso que Dafoe era merecido candidato al Oscar en si cuarta nominación y la primera como actor principal). Sin duda, Dafoe es el corazón y motor de la película y tiene aptitudes interpretativas sobradas para sobresalir en uno de sus mejores papeles.

Nota fina

Oscar 2019.

Que tal cinéfilos? Como es tradición, vamos con un repaso a la crónica y la alfombra roja que nos ha dejado la 91ª edición de la gran noche de Hollywood, los Oscar.

A ritmo de “We Will rock you” daba comienzo en el Teatro Dolby de Los Ángeles una ceremonia marcada por la ausencia de maestro de ceremonias (primera vez en 30 años) y por la diversidad racial: lejos de los#OscarSoWhite, los dos actores secundarios premiados (Regina King y Mahersala Ali) son de color.

Con un Spike Lee, ganador al Oscar a mejor guión adaptado por ‘Infiltrado en el KKKlan’ y contrario al premio de “Green Book”, uno de los momentos mas inolvidables fue sin duda el dueto de Bradley Cooper y una Lady Gaga con colgante de Audrey Hepburn interpretando la vencedora ‘Shallow”, derrochando quimica y mostrando por que este ha sido el único premio de ‘Ha nacido una estrella’.

Siendo Rami Malek ganador bajo la orgullosa mirada de Brian May y el triunfo de Cuaron ( dedicado a las actrices Yalitza Aparicio y Marina de Tavira), todo iba según lo previsto hasta que una también mercedora frustro las esperanzas de Glenn Close de romper su maldición del Oscar en su séptima nominación, como me hubiera gustado por su impresionante papel en “La buena esposa”. Así, la protagonista de “La Favorita” supuso el único reconocimiento a la cinta de Lanthimos, pues era de esperar que Stone y Weisz no fueran premiadas.

Como representacion española, se quedo de vacio Madre’, el corto de Rodrigo Sorogoyen, pero acudieron José Andrés, Ariadna Gil y Javier Bardem.

Julia Roberts dio el premio a “Green Book” en una noche donde las películas nominadas se han repartido las estatuillas doradas, quedando el siguiente palmares:

LISTA COMPLETA DE GANADORES
Mejor película: ‘Green BookMejor actor protagonista: Rami Malek por ‘Bohemian Rhapsody’
Mejor actriz protagonista: Olivia Colman por ‘La favorita’
Mejor actor de reparto: Mahershala Ali por ‘Green Book’
Mejor actriz de reparto: Regina King por ‘El blues de Beale Street’
Mejor director: Alfonso Cuarón por ‘Roma’
Mejor cortometraje: ‘Skin’
Mejor película de animación: ‘Spiderman: Into de Spider-Vers’
Mejor fotografía: ‘Roma’
Mejor diseño de vestuario: ‘Black Panther’
Mejor película documental: ‘Free Solo’
Mejor cortometraje documental: ‘Period. End of Sentence’
Mejor montaje: ‘Bohemian Rhapsody’
Mejor película extranjera: ‘Roma’ (México)
Mejor maquillaje y peluquería: ‘El vicio del poder’
Mejor música original: ‘Black Panther’
Mejor canción original: ‘Shallow’ por ‘Ha nacido una estrella’
Mejor diseño de producción: ‘Black Panther’
Mejor corto de animación: ‘Bao’
Mejor edición de sonido: ‘Bohemian Rhapsody’
Mejor mezcla de sonido: ‘Bohemian Rhapsody’
Mejores efectos especiales: ‘First Man’
Mejor guión adaptado: Charlie Wachtel y David Rabinowitz y Kevin Willmott y Spike Lee por ‘Infiltrado en el KKKlan’
Mejor guión original: Nick Vallelonga, Brian Currie y Peter Farrelly por ‘Green Book’
Este es el recuento final de la noche:
‘Bohemian Rhapsody’ – 4 premios
‘Green Book’ – 3 premios
‘Roma’ – 3 premios
‘Black Panther’ – 3 premios
‘BlacKkKlansman’ – 1 premio
‘Ha nacido una estrella’ – 1 premio
‘El vicio del poder’ – 1 premio
‘La Favorita’ – 1 premio
‘If Beale Street Could Talk’ – 1 premio
‘Free Solo’ – 1 premio
‘Spider-Man: Into the Spider-Verse’ – 1 premio
‘Bao’ – 1 premio
‘Period. End of Sentence’ – 1 premio
‘First Man’ – 1 premio
‘Skin’ – 1 premio.

Charlize Theron siguió reinando un año más por su elegancia y sencillez en una gala en la que también destacaron por su elección Reina King, Marta Nieto o Jennifer López. Entre las que peor eligieron sus modelos destacan Gemma Chan, María Menounos o Laura Marano.

Un vestido de Dior azul celeste de cuerpo sirena con hombros marcados y gran escote en la espalda colocaba a Charlize Theron un año más en el “top” de las más elegantes de la gala

Lady Gaga brilló con luz propia con un imponente vestido negro con volumen en la cadera de Alexander McQueen y un collar de diamantes de Tifanny’s.

Regina King, ganadora del Oscar a Mejor actriz de reparto, destaco con un vestido blanco de Oscar de la Renta.

También me gustaron los flecos de Irina Shayk, Amy Adams ( salvo el color blanco) y Helen Mirren y Julia Roberts de rosa, y la sobriedad de Allison Janney. Igualmente maravillosa Cate Blanchett.

o me convencio el vestido de Emma Stone, firmado por Louis Vuitton, ni tampoco los de sus compañeras de pelicula.

PEOR VESTIDAS
Entre los “looks” menos acertados destacan Laura Marano o Gemma Chan. Tampoco acerto una Glenn que creia vestida para ganar.

En cuanto a ellos, muy guapos Chris Evans, James McAvoy, y los nominados Bradley y Rami Malek, que protagonizaron de los momentos mas románticos de la ceremonia con Lucy Boynton e Irina Shayk.

Esto ha sido todo amigos, espero conocer vuestras impresiones de los Oscar =) espero recompensa para amy adams y joaquin phoenix en 2020

“El blues de Beale Street” y “KKKLAN MAN”

Que tal cinefilos? Vamos con dos criticas de pelis de Oscar.

Tras ganar-sorpresiva, pero merecidamente- el Oscar a mejor película con su segundo trabajo, Moonlight’, Barry Jenkins continua reivindicando la campaña #OscarsSoWhite para que la Academia reconozca a actores y directores de color, y parece que el cine afroamericano se ha hecho su sitio en los Oscars: tres nominaciones ha conseguido ‘El blues de Beale Street’, que reafirma la calidad y el talento de Jenkins.

Adaptando parcialmente la novela “Blues de Beale Street’, de James Baldwin(“Remember This House’, llevada al cine como ‘I Am Not Your Negro’) , ‘El blues de Beale Street’nos lleva al Harlem de los setenta para narrarnos el drama romántico del romance entre Clementine ‘Tish’ (KiKi Layne) y Alonzo ‘Fonny’ (Stephan James), dos vecinos amigos de la infancia que se enamoran felizmente, hasta que Fonny es acusado de violación justo cuando Tish descubre que está embarazada. Tish pedirá ayuda a su madre, Sharon (Regina King), para sacarle de la cárcel.

La película emplea constantemente la voz en ‘off’ de Tish como recurso narrativo para adentrarnos en la historia, y conocer de primera mano la intensidad de su primer amor con Fonny. También los movimientos de cámara y los primeros planos de los protagonistas interpelan al espectador y le llevan a la burbuja espacio-temporal en que se sienren los enamorados, que viven su amor con una ternura lejana a la hostilidad del entorno del Harlem de los 70, la cual les marcara para siempre.

La trama sigue una estructura no lineal que nos lleva del romance a los estragos del racismo y la lucha social de clases, con momentos fuera de la narración de Tish, como cuando Fonny explica a su amigo Daniel (Brian Tyree Henry) lo que es ser negro en la cárcel, cuando este también será acusado de violación y pasara por prisión.

En escenas como esa es donde la película explota el drama social, pero sin convertir Jenkins la película en un ‘thriller’ judicial como “Philadelphia”, manteniendose el director fiel a su estilo. Jenkins conoce el manejo del melodrama romántico, evitando – al igual que en ‘Moonlight- el exceso de drama ( amor vs. racismo) o de condescendencia del “happy ending”(“el amor gana”), con un ritmo acertado pero algo lento, que explota de emoción en la escena final.

En definitiva, las dos horas que tensa el drama de El blues de Beale Street son un ejercicio de sensibilidad extrema con la mirada de la América negra en los años 70, que conmociona y emociona pudiendo llegar hasta el nudo en la garganta.

A continuación, vamos con “Infiltrados en el KKKLAN”, ganadora del Gran Premio del Jurado de Cannes también dirigida por un afroamericano, Spike Lee, e interpretada por John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier, Ryan Eggoldy y Corey Hawkins.

La acción nos situa en la lucha de derechos civiles de la America de principios de los años setenta, cuando Ron Stallworth se convierte en el primer detective negro del departamento de policía de Colorado Springs, con el escepticismo de los altos cargos, para lleval infiltrarse en las catacumbas del Ku Klux Klan, el policía negro Rob

El propio Lee participa en el guion, y sabe adonde quiere llevarlo para realzar y sacar el máximo partido al mensaje de denuncia social de la película, con un efectivo epilogo que expone la amenaza que aun hoy dia supone el KKKLAN.

Sin embargo, ‘Infiltrado en el KKKlan’ tambien funciona como entretenimiento por lo disfrutable de su visionado, ya que Lee rebaja por momentos la intensidad de la trama para dar un respiro al espectador, con momentos que no llegan a la comedia pero si que provocan algunas risas y permiten no distraer la atención y engancharnos a la película.

El actor John David Washington logra que queramos acompañar a su personaje en su periplo policial, y en su interpretación sabe sacar partido hasta de las escenas mas convencionales, como el ingreso en el cuerpo o el racismo de algunos compañeros. En definitiva, el carisma del interprete hace que su personaje capte la atención, con el perfecto comtrapunto del nomnado al Oscar Adam Driver.

Y es que Stallworth se ve debate y esta en el dilema entre su vida como agente de policía -impagable la primera conversación con el KKK -y su vida personal, pues los policiales eran recibidos con hostilidad por los movimientos afroamericanos.

Lee aprovecha el mas minimo detalle para plasmar el racismo de la epoca, que tambien salpica al policía interpretado por Adam Driver, un judío demssiado preocupado por su religión.

De esta forma, ‘Infiltrado en el KKKlan’ logra a la vez entretener y hacer denuncia social, añadiendo elementos de suspense para dar emoción al epilogo, y todo ello con un gran trabajo del reparto., sin caer en la caricatura del cuerpo policial.

En definitiva, ‘Infiltrado en el KKKlan’ es una gran película que logra lo que quiere y funciona bien a nivel global, pese a que le falte ese algo para llegar a ser una imprecindible obra maestra, lo que no quita que supere a otras candidatas a mejor película.

Esperando vuestras opiniones, hasta la proxima cinefilos!😘