“Annette”

¿Qué tal,cinéfilos? Comienzo septiembre por aquí con crítica de Annette de Leos Carax, drama/ópera rock con Marion Cotillard, Adam Driver y un magnífico y sorprendente Simon Helberg (muy alejado de Big Bang Theory) ofreciendo grandes interpretaciones y dando el do de pecho con las canciones del grupo Sparks.

Encargada de abrir el pasado festival de Cannes y disponible en Filmin a partir de noviembre, no dudo en afirmar que se trata de mi película favorita del verano, e incluso del año, por el momento.

Annette

“Annette” es todo un perturbador despliegue audiovisual que consigue no dejar indiferente al espectador, una propuesta arriesgada no apta para todos los paladares que mezcla la belleza y lo grotesco en una crítica crítica al mundo del espectáculo y a la masculinidad tóxica. Inclasificable la mezcla de sensaciones que nos produce su visionado y todo lo que la película da que pensar cuando la maduramos.

En la línea de la locura de la parte de Kylie Minogue en “Holy Motors”, el director (gracias a una magnífica banda sonora como hilo conductor) logra desafiarnos y grabar escenas en nuestra nuestra memoria. Ya desde el comienzo con ese “So may we start?”, con ruptura de la cuarta pared, nos sumergimos y dejamos llevar por la trama, con untono grandilocuente y teatral,interludios informativos y un gran uso del color verde en los momentos clave.

En un Los Ángeles lleno de luces de neón, presenciamos como las vidas de Henry McHenry, un monologuista conductor Ape of God, y Ann (cantante de ópera de fama mundial) dan un vuelvo al nacer su misteriosa hija Annette, entre celos,muertes,engaños, me too y explotación infantil en el show business.

Además de sacar oro de un gran cast, es de alabar en la dirección de Carax el buen gusto en los movimientos de cámara, con la iluminación y los fundidos de negro, y el recurso metafórico de dar más vida y sentimientos a un objeto inanimado (como es una marioneta) que empatia y emociones a los personajes de carne y hueso.

En definitiva,  Annette es toda una experiencia metaartistica que ha polarizado al público, deslumbrando y perturbado por igual durante más de dos horas de metraje. Entrad en el juego y os cautivará, aunque no seáis demasiado adeptos del musical.

VALORACIÓN:8.

Bueno

Lo mejor

Escenas bellas e impactantes (el cunnilingus de “We love each other so much”, principio y final apoteósicos) y Baby Annette.

Lo peor

Que la película quiera ser más de lo que es.

“Cuestión de sangre”

¿Qué tal, cinéfilos? Ya va acabando agosto al fin y vamos con una de las mejores opciones de la cartelera veraniega.

Hoy os traigo critica deCuestión de sangre (Stillwater), película de Tom McCarthy (La voz más alta y Spotlight) con Matt Damon,Abigail Breslin y Camille Cottin estrenada el pasado 13 de agosto. El guión es de Thomas Bidegain,Noé Debré,el propio McCarthy y Marcas Hinchey, la fotografía fe Masanobu Takayanagi y la música deMychael Danna.

Esta historia de padre coraje, entre el thriller y el drama, adapta libremente el caso de Amanda Knox, con ciertas licencias en el crimen y en el final.

Cuestión de sangre (Stillwater)

El protagonista es Bill Baker (Matt Damon) ,un operario del sector petrolífero que viaja a Marsella para ver e intentar liberar a su hija de prisión. Tras un juicio mediatizado por ser mujer, extranjera y lesbiana,no será nada fácil demostrar la inocencia de Alison (Breslin), que afirma no haber cometido el crimen que acabó con la vida de Lina, una joven de otra cultura y estatus que conoció al irse a estudiar al país galo .

Cumplidos cinco años de los nueve de condena, un rumor hará que Bill, un padre no muy loable hasta entonces, decida trasladarse a Marsella y dar un giro a la investigación. Esta decisión moral nos regalará los mejores momentos de la película, con las escenas entre padre e intentado reconducir su distanciamiento y altibajos.

En esta guerra judicial Estados Unidos y Francia, un posible votante de Trump como Baker se encuentra con Virginie y Maya (una actriz de teatro y su pequeña hija,forofa del Olympique), quienes serán claves en para trama y le ayudarán a crecer compañía persona.

Cuestión de sangre alarga lo que quiere contarnos en un excesivo metraje de 2h 20 minutos,pero el devenir del proceso judicial enganchan al espectador, con las miradas y conversaciones de la relación paternofilial. El giro del clímax final y el sentido del desenlace dan a la película en un tono más cálido y emotivo entre tanta rudeza del personaje.

Respecto al reparto,Matt Damon hace suyo un personaje arquetípico pero complejo que se busca a si mismo liberándose del rencor y los errores del pasado.

En definitiva,una muy notable película para acabar el periodo estival reflexionando sobre el sistema y el concepto de justicia.

“A classic horror story”

¿Qué tal,cinéfilos? Menos mal que ya queda menos para acabar agosto. Tras una semana de descanso, volvemos con critica de “A classic horror story”, una suerte de mezcla de “La matanza de Texas” y “Midsommar” dirigida por Roberto De Feo y Paolo Strippoli y estrenada el pasado 14 de julio en Netflix.

Protagonizada por Matilda Anna Ingrid Lutz (Elisa), Francesco Russo (Fabrizio) o Will Merrick (Mark), el guión está firmado por los directores,Lucio Besana y Roberto de Feo entre otros, la fotografía es de Emanuele Pasquet y la música se Massimiliano Mechelli.

La trama gira en torno a cinco jóvenes que, en su viaje en autocaravana, irán a parar a una casa rural en un recóndito paraje del bosque del sur se Italia,como si de “Posesión infernal” se tratara. Entre el suspense ,el folk horror, “Scream” y el gore de Tobe Hooper (hay escenas muy violentas), los protagonistas lucharán por salvar sus vidas.

La trama arranca presentando a los cinco personajes con los clichés del género (el soberbio y cabreado,el líder del grupo, el “pardillo”) , y tiene elementos repetitivos y de refritos de lo hemos visto en el género: la película no es nada novedosa ni se toma en serio, pero no es tan aburrida y predecible como algunos productos de terror reciente (con un giro que explica el precipitado final y juega con la inteligencia de un espectador que lo ha intentado prever).

Durante su poco más de hora y media de metraje, no se le puede pedir más para una tarde de verano que que nos enganche y a veces nos agarremos al sofá, con más misterio y atmósfera que terror en sí (algo trillado, pero sin abusar de los jumps scares con música a todo trapo). El uso del sonido en las escenas más violentas acentúa un realismo que llega a veces a paralizar y a revolver el estómago del espectador,con canciones italianas de fondo.

La escenografía de Emanuele Pasquet deja estampas impactantes y una oscuridad para conectar con la historia, mientras los movimientos inmersivos de cámara nos llevan por el viaje.

Más allá de la tortura que sufren los peesonajes, como fallo de la prlícula, el guión se La clásica historia de terror (A Classic Horror Story) apenas se para a desarrollarlos y hacernos empatizar con ellos, solo los explora y construye en ciertas escenas de relleno. Eso sí, los actores cumplen con su cometido y aportan ciertos matices con interpretaciones muy naturales (mención especial a Matilda Ana Íngrid Lutz y Francesco Russo).

Además, también hay cierto espacio para la reflexión y la crítica social con respecto al morbo de la violencia gráfica y explícita en el cine.

En definitiva, La clásica historia de terror (A Classic Horror Story) es un terrorífico y desasosegante relato que casi triunfa en su intento de tener un sello propio frente a las películas que les ha inspirado,le doy un 6 (bien,acwpt.

“Old”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo rítica de Tiempo (Old), lo último de la perturbadora filmografía de M. Night Shyamalan,que dirige y escribe la historia (Señales, La visita-que me gustó menos-, El protegido, El sexto sentido, El bosque).

En esta ocasión, el indio- estadounidense ha vuelto a polarizar a público y crítica, cosechando alabanzas y malas reviews a partes iguales. Con un tono muy filosófico,y rodada en plena pandemia con las dificultades del clima,no falta para nada el toque del director (cameo incluido).

Basada libremente en la novela gráfica “Castillo de arena” (“Sandcastle”) de Pierre-Oscar Lévy y Frederick Peeters, , Shyamalan aporta su visión particular a una premisa interesante,pero que podría haber sido más redonda y aprovechada al final: la trama gira en torno a varias familias que, descansando en una remota playa, hallan el cadáver de una mujer y sufrirán grandes vuelcos en sus vidas.

Aislados y sin manera de contactar con el exterior, escabrosos y oscuros acontecimientos ocurrirán en una misteriosa cala que no alberga nada bueno: todos sufrirán el paso del tiempo y el consiguiente deterioro mientras intentan escapar. ¿Con qué motivo? ¿Por qué han llegado hasta allí?

Lo que la novela deja en el aire para reflexionar, la película lo acaba sobreexplicando con poco acierto en el clímax final, en un interesante (aunque imperfecto ) relato sobre la naturaleza humana que no deja de mantener en tensión al espectador. Tiempo atrapa si entras en su juego y te dejas llevar, aunque haya escenas y diálogos que sacan ligeramente de la trama y provocan el efecto contrario.

Shyamalan a veces ata todo demasiado, y otras deja cabos sueltos, no se hubiese “mojado” tanto, y añade algo de humanidad al guión para intentar que empaticemos con los personajes.

Como puntos positivos, el pulso y buen hacer del director y del reparto (Rufus Sewell, Gael Garcia Bernal, Alex Wolff, Thomasin Mackenzie,Vicky Kriepps) en una historia tan coral y poliédrica con tantos personajes. Mención especial al trabajo del equipo de maquillaje y los efectos especiales, todo un reto.

Conforme avanza la trama, se va manejando la tensión con barridos de cámara,pesadillas, ojos desorbitados, miedo y angustia de los personajes, con un gran uso del escenario con apenas presupuesto.

Un poco tramposa en su final, la película lanza al aire interrogantes muy interesantes:¿en qué consiste envejecer, y crecer? ¿Somos trascendentes o contingentes?

La película aborda (a veces, de manera descorazonadora) la certeza del final que nos llegará tarde o temprano,como ese castillo de arena que se deshace con el agua.

Bueno

Lo mejor

El casting, la forma de rodar de Shyamalan y el existencialismo.

Lo peor

Los agujeros de guión y los momentos de sobreexplicación innecesarios.

“Jungle Cruise”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo critica de Jungle Cruise,una veraniega película de aventuras llegada a salas y plataformas simultáneamente (polémica tras la demanda de Scarlett Johansson a Disney).

Jaume Collet Serra (“El pasajero”, “Infierno azul”) dirige a The Rock, Emily Blunt, Edgard Ramirez,Paul Giamatti, Jesse Plemons e incluso a Dani Rovira en un cameo, con guión de Glenn Ficarra, John Requa y Michael Green.

Jungle Cruise cartel

Basada en la famosa atracción de DisneyWorld, y con tintes de “La Momia” o “Piratas del Caribe” (pero inferior a estas), la trama narra como Lily (una científica británica interpretada por Blunt) y Frank (capitán de barco) buscan un árbol con propiedades curativas mientras surcan el Amazonas.

La misión resultará en una arriesgada odisea (más de dos horas que arrancan de manera espectacular,pero abusando de chistes, del CGI y bajando de intensidad en el tramo final) frente a los peligros y misterios de la selva.

En definitiva, una opción estival de cine para toda la familia, que gustará a los pequeños y entretendrá a los mayores, creando una (medianamente aceptable para una tarde de agosto) de acción y aventuras en torno a una atracción, decayendo el ritmo en la segunda mitad y con gran química entre los protagonistas. Quizá le sobre algo de metraje y debiera profundizar algo más en la relación entre ellos,y divagar menos en la trama de los conquistadores españoles, pero se deja ver.

“The Seventh Day”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de Y al séptimo día (The Seventh Day), película de terror para Netflix escrita y dirigida por Justin P. Lange (The Dark) y protagonizada por Guy Pearce , Vahdir Derbez y Stephen Lang.

La trama gira en torno a dos exorcistas, un novicio y otro ya veterano, que unen fuerzas en una investigación donde también se enfrentarán a sus demonios internos.

Y al séptimo día

El guión resulta en un refrito sin alma de películas del género, sin llegar la película a crear en ningún momento la atmósfera que enganche al espectador. El director Justin P. Lange debutó con The Dark (2018) ,un interesante slasher, pero aquí pierde el pulso narrativo y prefiere adentrarse en la psicología de los personajes que crear terror (incluso estos están desdibunadosy poco desarrollados).

Tras la poderosa e inquietante escena inicial (exorcismo incluido), donde se nos introduce en los peligros que afrontarán los protagonistas, el interés se va diluyendo conforme avanza el metraje y poca cosa funciona.

En cuanto al reparto, Guy Pearce está correcto como un peculiar sacerdote veterano,y Vadhir Derbez cambia de registro como su joven ayudante, pero aporta menos con su interpretación.

Salvo el prometedor arranque y um par de escenas (como aquellas en la casa dónde un niño ha cometido unos asesinatos o la búsqueda de un demonio entre unos vagabundos), la película no encuentra su camino ni cautiva, ni como terror,ni tampoco como buddy movie o thriller de investigación sobrenatural. Entre los clichés palomiteros y la trama religiosa( Stephen Lang es un Arzobispo que mostrará la burocracia de la Iglesia Católica para luchar en secreto contra el mal), la película hace aguas por un enfoque inadecuado, con numerosas incoherencias y previsibles giros de guión.

Más allá de los jump scares, parece quec Justin P. Lange no tenía muy claro qué ofrecer con su película, en un compendio mal hilado de ideas dispersas donde no presta atención suficiente a la imaginería religiosa, a la lucha entre el bien y el mal, ni a los personajes.

¿Qué te ha parecido la película?Nota:5/10

Y al séptimo día

Espinof

‘Space Jam: Nuevas leyendas’: sólo los Looney Tunes se salvan en esta secuela con LeBron James que apunta a una de las películas más abucheadas del año

critica Space Jam: Nuevas leyendas

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21 julio 2021, 14:00https://230f6bf9c0bc934540553c0fc1ea6f4e.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html?n=0

Hace 25 años, Warner decidió que sería una buena idea fusionar el talento innato de Michael Jordan, el carisma de Bill Murray y la rotunda perfección de sus personajes animados en una película que, si bien era irregular, al menos tenía una razón para existir. Bueno, tenía esas tres. Ahora es el turno de ‘Space Jam: Nuevas leyendas‘, una secuela que se queda, bueno, en lo de irregular.

Pretemporada desanimada

Durante la primavera de 2018 Steven Spielberg, que todo lo sabe, tropezó un tanto con aquella piedra de Ernest Cline titulada ‘Ready Player One‘. La película adaptaba una novela que solo tenía una intención nostálgica y que de alguna manera supuso un reto para una industria que no se veía capaz de trasladar semejante armatoste al audiovisual. Pero se hizo. Con mayor o menor fortuna, Spielberg lo consiguió.https://230f6bf9c0bc934540553c0fc1ea6f4e.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html?n=0

Cine y baloncesto: las 13 mejores películas con jugones, mates y canastas en el último segundo

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A mediados de los 90 no existía nadie en ningún planeta con el poderío y leyenda de Michael Jordan. ‘Space Jam‘ llegaba 8 años después de aquel hito entre imagen real y animación dirigido por Robert Zemeckis protagonizado por un conejo y un detective. Por supuesto, la película de Joe Pytka (su única película, de hecho) estaba a años luz de ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?‘, pero era un producto digno con la idea de entretener a los fans de Jordan, de los Looney Tunes y de Bill Murray.

Los tiempos han cambiado, el celuloide ha desaparecido y las latas de película han dejado paso a los almacenamientos digitales y los servidores. Precisamente en uno de esos se desarrolla esta desventura protagonizada por un padre de leyenda y un hijo con un talento que su padre no quiere ver. LeBron James quiere ser algo más que un gran jugador de baloncesto. Ahí está su papel en ‘Y de repente tú‘, curiosamente una de las películas más flojas de Judd Apatow. Su papel en ‘Space Jam: Nuevas leyendas’ es algo más sencillo, puesto que se interpreta a sí mismo. Y aún así hay momentos en los que no parece estar muy convencido de lo que está haciendo.

Cuando James y su pequeño hijo Dom quedan atrapados en un espacio digital por una IA malvada (Don Cheadle pasándolo peor que el protagonista), la estrella de los Lakers (ahora) deberá hacer equipo con los Looney Tunes y tratar de regresar a su mundo ganando un partido de baloncesto al rival más complicado de su vida.

Es que incluso la sinopsis de la película huele a despacho cerrado. No hay ni una sola decisión en la película que esté en el lugar correcto. Para empezar, los críos que vayan ahora al cine no van a tener ni idea de quién demonios era Michael Jordan, así que, para qué demonios malgastar una bala con un chiste sobre actores con el mismo nombre que probablemente los padres tampoco vayan a entender.

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Siguiendo con las decisiones menos acertadas, hablemos del público. Hablemos de la insistencia (o la preferencia) por ‘Juego de Tronos‘ o la franquicia de ‘Harry Potter‘, presencias constantes durante las eternas dos horas de metraje que ocupan la película. Además de un trillón de referencias de la casa (y algunas adopciones), el público “normal” que es “invitado” al partido es demencial. Parece un chiste. Parece un spot una nueva plataforma de contenidos.

Y luego está la edición de la película. Lo que debería ser una secuencia de montaje simpática a la hora de enrolar a los miembros del equipo se convierte en una indigesta sucesión de escenas copiadas y pegadas absolutamente aleatorias que, encima, no tienen un mínimo de continuidad ni sentido. Sí, casi todo está rematadamente mal en una película que debería estar protagonizada por unos dibujos animados que tardan una cuarta parte de la película en aparecer. Y, luego, cuando aparecen, hacen una cosa con Bugs Bunny que nos lleva a pensar en la primera película de Mortadelo y Filemón dirigida por Javier Fesser.

Son ellos, estaba claro, lo mejor de la función. Un par de chistes del pato Lucas, un rap del personaje menos propenso a rapear y poco más. Y es que incluso a los malditos Looney Tunes se les nota algo cohibidos, como si en realidad fueran ellos los más conscientes de la terrible maniobra mercantil en la que están movidos. Maniobra que por desgracia no es la primera ni seguramente la última de una industria que no tiene miedo a ese tipo de jugarreta. Y ahí tienes la última e insoportable película de ‘Scooby Doo‘ para confirmarlo. Falta flagrante.

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“Mama Maria”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo critica de “Mama Maria” (“La Daronne”)Mamá María (La daronne), comedia nominada al Cesar a mejor guión original con con tintes policiacos de Jean-Paul Salomé ,protagonizada por la gran Isabelle Huppert (“La pianista”,“Elle”) y adaptación a la gran pantalla de la novela La madrina, de Hannelore Cayre.

Acompañan a Huppert nombres comp
Hippolyte Girardot (Philippe) o Liliane Rovère (Mme Portefeux), con guión de Salomé y Cayre, fotografía de Julien Hirsch y música de Bruno Coulais.

La trama narra las peripecias de Patience (Isabelle Huppert), una traductora de la brigada de estupefacientes de París que compaginará su incursión en el narcotráfico con los cuidados a su anciana madre, desempeñando un trabajo callejero y mal pagado que pondrá su vida aún más patas arriba.

Mamá María

Ya desde las escenas iniciales, Salomé se sirve del buen hacer de la actriz principal (Huppert es el principal aliciente) para mostrar el empoderamiento y poderío de la protagonista, en una historia donde ella lleva las riendas de su vida laboral y familiar.

Además de Patience, tenemos a otros personajes femeninos de madura edad, fuertes y decididas, como la vecina o la comisaria, todas ellas intentando ocupar un lugar en un mundo de hombres.

Mamá María
Mamá María
Mamá María (La daronne)

Sin duda, lo mejor de Mamá María (La daronne) es su reflexión sobre la fina línea de lo que separa lo moral y lo legal de lo que no lo es. Patience no tiene remordimientos ni reparos en salir de la monotonía y romper con su pasado al margen de la ley, viviendo nuevas y fuertes experiencias en un París cosmopolita y multicultural.

Con un tono cómico ácido y mordaz, algo desaprovechado, la película se apoya en una irónica y excéntrica Huppert, en un vehículo de lucimiento para ella (que sale de su zona de confort con el drama pero no puede levantar del todo un guión irregular), rematado con una genial escena final con y nos pasteles de naranja.

“Mamá María” falla al querer abarcar humor, crítica social y trama poliaca, quedándose a veces en el cliché, pero es una opción amable y ligera para que los fans de Huppert disfruten sin más pretensiones que pasar un buen rato con la diva francesa y conocer la cara oculta de París con mayor o menor realisno.

Nota:6

“Black Widow”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de *Black Widow”,primera película de la fase 4 del MCU, que llega con retraso por el COVID y dos años después de “Spiderman: far from home”, simultáneamente en cines y en Disney+.

Dirigida por Cate Shortland(Lore, El síndrome de Berlín) y escrita por Ned Benson, acompañan a Johansson en su adiós a Natasha (que ha interpretado a la vengadora desde “Iron Man 2”) la nominada al Oscar Florence Pugh (Yelena Belova, su sucesora), Rachel Weisz y David Harbour (familia adoptiva de Natasha) o Michelle Lee.

Cartel de la película Viuda Negra

La trama, con un potente arranque con cover de “Smells like teen spirit”, es más de espías a lo James Bond y Bourne (guiño incluido) que de superheroes, que luego pierde fuelle ligeramente en su segundo acto. La acción nos sitúa tras los hechos ocurridos en “Capitán América: Civil War”, cuando Natasha escapa dejando de lado al equipo de Tony Stark y los pro-acuerdos de Sokovia. También conoceremos algo más de lo ocurrido en Budapest con Ojo de Halcón (no perderse la escena post créditos con respecto a él).

Natasha luchará sus antiguos aliados del KGB, que le entraron en la habitación roja con más pequeñas viudas negras para ser asesinas. Entre ellos está Alexei (el Guardián Rojo,David Harbour), y entrará en escena Supervisor (Taskmaster), un villano cuya aparación ha causado una gran polémica por sus cambios respecto al cómic y que réplica los movimientos del luchador. También han causado mucha polémica el empoderamiento femenino y se han metido con el físico de Florence.

Marvel es una maquinaria de hacer taquilla y dinero con actores cotizados y películas cada 2×3, y DisneySea ha destronado a “A todo gas” de la taquilla con un irregular pero entretenido cierre al arco de Natasha Romanoff, que se despide no tan por todo lo alto.

Lo mejor

La acción y el trío Johansson-Pugh-Weisz.

Lo peor

Olvidable e inconsistente como thrillers de espionaje.