“Un amor extraordinario”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Un amor extraordinario”, dirigida por Lisa Barros D´sa y Glenn Leyburn y protagonizada por Liam Neeson (La lista de Schindler) y Lesley Manville (El hilo invisible).

Esta conmovedora historia, drama en toda la regla, narra como el matrimonio de Joan (Lesley Manville) y Tom (Liam Neeson),  de mediana edad y casados desde hace mucho tiempo , afronta el cáncer de mama diagnosticado a ella tras recuperarse él de un infarto.

Silenciosamente, la enfermedad irá deteriorándole a ella y a la estabilidad del matrimonio: la falta de salud es algo que no tiene piedad con nadie, sin distinción. Juntos, los protagonistas se embarcarán en el mundo de la quimio, las cirugías y los medicamentos, con la esperanza de que el tratamiento funcione pero poco alentados por los médicos.

Ante esa dificultad, vemos la estabilidad y el cariño de un sólido matrimonio, que saca entereza ante la situación gracias al humor negro y a la felicidad y complicidad de tenerse el uno al otro y permanecer unidos.

El cáncer dará un giro radical a la vida y las prioridades de Joan, quien se refugiará en su marido en sus peores momentos, entre la rabia y la tristeza.

Siguiendo de primera mano el duro camino de su personaje, Manville está magnífica y hace al espectador participe de la travesía, el cambio y la evolución de una mujer sana que se verá mermada física y mentalmente. Le acompañada un sobrio pero solvente Neeson.

La fotografía y la estética de la película también reflejan metafóricamente la dualidad salud/enfermedad, esperanza/desesperación.

No estaremos ante una pelicula redonda, pero si con un buen mensaje de ver algo positivo en los peores momentos, de como una enfermedad se hace más llevadera con la calma que dan el amor y la paciencia.

Un amor extraordinario es una película pausada, íntima, nostálgica y conmovedora, dura pero con ciertos momentos comicos pero aliviar y hacer algo mas llevadero el drama. Además, en el mes del cáncer de mama, su visionado es un llamamiento muy útil a la prevención y a la detección precoz.

“Knight of cups”

¿Qué tal, cinéfilos? Como ya hice hace 3 años con “Song to song”, os traigo crítica de “Knight of cups” , película de 2015 (pasada por festivales) que completa el díptico de Terrence Malick y acaba de ser distribuida en España tras la reciente “A hidden life”.

En ella, el director vuelve a ser fiel a su toque personal, con escenas cargadas de poesía visual, y un tono narrativo íntimo y pausado (con voz en off) que invitan a reflexionar sobre la vida mientras vemos a los personajes pasar. La película es un confuso pero bello drama existencial, lleno de intimidad y lírica en las imágenes. Lo efímero de la condicIón aún más sobre la inmensidad y hermosura de los paisajes.

El problema de “Knight of cups” es que, en este caso, no hay conexión entre la impronta visual de Malick y lo que quiere contar el guión. La trama resulta en una serie de inconexos monólogos y divagaciones del protagonista (un siempre acertado Christian Bale), aderezados por una fotografía majestuosa, que añade un tono aún más filosófico, si cabe.

SI bien el cine de Malick siempre es contemplativo, en este caso, su sello visual hace que la historia en si quede inconexa, pese a lo preciosista del aspecto formal, con una banda sonora tan conmovedora como la desolación y la búsqueda del protagonista.

A lo que no se puede poner una pega es al magnífico elenco, con un Bale atormentado en su viaje espiritual, la aparición de Antonio Banderas y unos personajes femeninos que recaen en unas breves pero magníficas Blanchett y Portman (quienes, a diferencia de Bale, si aparecen en Song to Song)., en la piel de mujeres que marcarán a Rick para bien y para mal.

Esta propuesta de Malick vuelve a ser más una experiencia de arte audiovisual, incluso extrasensorial, que mero cine y película en sí.Todo un complejo despliegue audiovisual que , guste o no, va más allá del séptimo arte como toda una obra que admirar como artesanía (aunque sea alto fallida en cuanto al desarrollo argumental).

“Antebellum”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de Antebellum, pelicula dirigida por Gerard Bush y Christopher Renz y producida por el equipo que nos trajo “Déjame salir” de Jordan Peele. Una fallida película de terror con un alegato contra el racismo, protagonizada por Janelle Monáe.

La película comienza con una frase de William Faulkner y mostrando la realidad de la esclavitud en Estados Unidos, para alternar entre el terror y el thriller, manipulando vergonzosamente al espectador.

La trama arranca al más puro estilo Doce años de esclavitud, con un tono de drana histórico para reflejar la explotación que sufren los protagonistas en las plantaciones de algodón. De repente, la rebelde esclava Verónica (Janelle Monáe) se encuentra en los EEUU actuales, en la cama con su familia y a punto de dar una conferencia sobre raza y género.

Como si de un capítulo de Perdidos se tratara, el guión es cínico, tramposo y falso, y no se sostiene en ningún momento. Antebellum pretende condenar el racismo y la violencia apostando por la dualidad fantasía/realidad: la película es consciente y consistente en su mensaje, pero le sale el tiro por la culata.

Reivindicativa y polémica, la película resulta pretenciosa hasta en sus reiterados planos secuencia y a cámara lenta, intentando adornar con estos recursos una historia enrevesada y surrealista.

En definitiva, Antebellum es todo un chasco como thriller de terror.

“Tren a Busan 2: Península”

¿Qué tal cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Train to Busan: Peninsula” , secuela de la aclamada película coreana de zombies del 2016, dirigida por el director Yeon Sang-ho.

La trama nos sitúa cuatro años después, con Jung-seok (Dong-won Gang) y su cuñado Chul-min (Do-yoon Kim) intentando rehacer sus vidas en Hong Kong. Cuando les ofertan regresar a a Corea del Sur para participar en el robo de una cuantiosa suma, la misión en la cual se embarcan se torcerá: Chul-min será presa del Sargento Hwang (Min-jae Kim) ,y Jung-seok de Min-jung (Jung-hyun Lee).

Cabe advertir que la película no es una secuela en el sentido estricto de la palabra: el guion se limita a tomar como punto de partida la masacre zombie de su predecesora, arracando la historia tras la catástrofe. Aquí, el director nos aleja de un tren para regalarnos más acción apocalíptica por toda Corea, con una ambientación y una fotografía al más puro estilo Mad Max.

Entre la adrenalina de la lucha y la persecución, estamos ante un fallido cóctel de emociones fuerte con estos estos muertos vivientes tan movidos y espeluznantes.

No es fácil innovar en este subgénero, pero Tren a Busan consiguió reconocimiento mundial para una película coreana de bajo presupuesto, además del triunfo en su propio país, abriendo las puertas del terror asiático.

Sin embargo, Yeon no consigue aquí repetir la fórmula del éxitos sin apenas conectar Península con su predecesora, que no es necesario ver antes para seguir la película,pero si bastante recomendable. Tampoco son los mismos personajes los que se enfrentan a una pandemia y a la cuarentena, una situación dolorosamente similar a la actual.

Si Train to Busan fue mas allá con un análisis social de la población coreana, Península es un simple batiburrillo de escenas de acción mucho más artificial, sin rastro de moralidad o humanidad, rozando el ridículo con música a todo trapo (los violines nos martillean).

En Península, los zombies parecen mas de videojuego que de película, les vemos incluso montando y persiguiendo a personas montados en coche. Para haberse debido estrenar en Cannes, la película no ofrece más que un refrito muy poco inteligente de acción que subestima la inteligencia del espectador, vacía y (en mi opinión) ni siquiera entretenida. Incluso falla el desarrollo de los protagonistas, lo que da aún menos.emoción a la historia.

Como aspecto positivo diré que, en pleno COVID, el visionado de Península bien puede ayudar a reflexionar y recapacitar sobre la magnitud de lo que estamos viviendo , concienciando sobre la importancia y las consecuencias de esta crisis sanitaria.

En definitiva,una de mis grandes decepciones de este atípico calendario de estrenos para 2020, con las expectativas que tenía tras ver Tren a Busan.

“El practicante”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de la última película de Mario Casas para Netflix. Se trata de “El practicante”, película de Carles Torras (“Callback”) con la que (tras la reciente “Hogar,junto a Javier Gutierrez) en la que el gallego vuelve a apostar por un papel desafiante y arriesgado como actor. Y, cabe decir que su interpretación es mejor que el guión de la película en sí, se reconoce y se nota el esfuerzo: Torras acostumbra a protagonistas atormentados y lleva a Casas hasta el límite.

En el reparto, también tenemos a Está protagonizada por Déborah François (Tierra de violencia)Maria Rodríguez Soto (Los días que vendrán, Libertad)Celso Bugallo, Raúl Jiménez, Pol Monen, Guillermo Pfening y Gerard Oms.

La trama narra arranca de manera espectacular presentando a Ángel, un técnico de emergencias sanitarias muy poco de fiar en lo personal y en lo profesional, donde tomará decisiones que le pondrán contra la espada y la pared: todo comienza cuando un accidente de tráfico le deja parapléjico y, además, presa de los celos en lo sentimental.

El estudio del personaje, con una atmósfera oscura y claustrofóbica, hace de la película un thriller psicológico bastante rompedor en nuestro cine. La película, guste o no (para bien o mal) cumple su propósito de descolocar al espectador.

Ciertos giros de guión (y escenas, como la de la ducha) quedan forzados para sorprender y enrevesar un imprevisible guión, sucio, frío e impactante a la vez: nos adentramos en la compleja mente de un sociópata tóxico que siempre se sale con la suya, pues Ángel aterroriza de verdad. El libreto está coescrito porl propio director, con Hèctor Hernández Vicens (El cadáver de Anna Fritz) y David Desola (El hoyo).

En definitiva, ‘El Practicante’ es la locura enfermiza desencantadas con su situación, no es redonda, pero os sorprenderá.

“The devil all the time”: Fanatismo en la América profunda.

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de una de las últimas novedades de Netflix, película del guionista y director Antonio Campos (Martha Marcy May Marlene) que adapta la novela homónima de Donald Roy Pollock,con un tono gótico, negro y criminal al más puro estilo Cormac McCarthy. Toda una desgarradora crítica social a la América profunda, con un repartazo de lujo donde sobresalen Robert Pattinson,Tom Holland y Bill Skarsgard, acompañados de Riley Keough, Jason Clarke, Mia Wasikowska y Sebastian Stan.

Pese a la dificultad de llevar un libro así al cine, la película consigue transmitir toda la sordidez de las páginas, captando la riqueza en sensaciones y paisajes de las páginas, gracias al recurso narrativo de la voz en off del propio Pollock.

La trama captó tanto mi atención que laa 2 horas y 18 minutos se me hicieron cortos: tras la muy interesante exposición, se nos van presentando distintas subtramas con saltos espacio-temporales. La narración está medida con pulso preciso, pero no hubiera estado de más alargarla para mayor ahondamiento y profundidad psicológica, o haber recurrido al formato miniserie como ‘True Detective’.

Por otro lado, está muy bien equilibrado el gran trabajo del reparto (a cada actor, su escena de gloria) y la puesta en escena, con una ambientación rural y truculenta, nos hace conectar con el sufrimiento de los personajes.

Entre la violencia y el fanatismo religioso, viajamos entre luces y sombras al conservador Knockemstiff (Ohio), donde se desarrolla mayoritariamente la acción y nació el escritor de la novela. Allí, veremos todas las caras de la maldad, sangre y la violencia, con la fe como salvación para el hambre: esto provocará el desasosiego y la incomodidad del espectador, ante tantas escenas buenas, pero desagradables.

Además, es estupenda la fotografía de Lol Crawley (The OA, Utopía) , que crea el clima gótico y sombrío para esta intimista crítica contra el fanatismo religioso: sacrificios, abusos e ignoracia llevarán a los personajes a redimirse.

En definitiva, El diablo a todas horas (The Devil All the Time) es un ambicioso e inquietante thriller, un recorrido por el polvoriento asfalto sureño, lleno de psicópatas y depravados.

Pese a que- en ocasiones,-el guión pueda resultar algo atropellado y la pelicula no sea para todos los públicos, El diablo a todas horas (The Devil All the Time) es un reflejo bastante solvente de un descenso a unos infiernos donde nadie y nada son los que parecen. Una película intensa, dura y no fácil, que gustará y calará en los amantes del noir.

“La pintora y el ladrón”.

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo critica de “La pintora y el ladrón”, película/documental noruego visto en el Atlantida Film Festival de Filmin.

La Pintora y El Ladrón

Con una narrativa y una estructura muy particular, la trama gira en torno al robo de dos cuadros en una galería de arte en Oslo. La artista,una pintora checa, no tardará en entablar amistad con los ladrones, e incluso retratarlos.

La Pintora y El Ladrón 2

Resuelta rápidamente la identidad de los criminales, el guión nos sumergirá en la extraña relación entre Barbora (la pintora) y Karl-Berti (el ladrón), abriéndose el uno al otro con las luces y sombras de sus vidas. Por un lado, Barbora sufrió maltrato y refleja en su obra oscuridad y muerte. Por otro, Bertil lucha por salir de la drogadicción, trabajando como asistente social con chicos autistas y discapacitados.

La Pintora y El Ladrón va alternando la perspectiva y la historia de manos protagonistas, cautivándonos conforme avanza el metraje y haciendo ver de que la realidad supera siempre la ficción. Los espectadores nos limitamos a ser testigos silenciosos de las vidas de una extraña pareja de amigos, con sus tribulaciones, sueños y ambiciones. Es muy fácil empatizar y no perder la atención a la pantalla, sorprendiéndonos hasta el final.

Estamos ante un documental, por lo que, las situaciones que nos presenta la pelicula plasman perfectamente la complejidad de las relaciones humanas. Todo ello con un montaje muy alejado de lo hollywoodiensen,con un estilo nórdico y muy personal del director.

En definitiva,. La Pintora y El Ladrón es es bella y cautivadora, sorprendente su premisa ,una propuesta fresca y altamente recomendable para quienes disfruten de historias reales como la vida misma.

“Mulan”: un live action sin alma

¿Qué tal,cinéfilos? Vamos con crítica de ‘Mulan’ , el último e irregular live action Disney, previsto para la gran pantalla antes de la pandemia pero relegado a Disney+ previo polémico pago de 22 Europa adicionales a la suscripción.

En plena pandemia y relegada a la pequeña pantalla, la última película de Niki Caro (“La casa de la esperanza”) aporta bastantes cambios respecto a la original, pero resulta fallida en su conjunto

El guión de Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek y Elizabeth Martin introduce muchas novedades, una Mulan aún mas luchadora sin Mushu y grillo, y otro villano contra el que luchar en lugar de su padre por el ejército chino.

Mulan, no solo por ser mujer, es una joven que no encuentra su lugar en la sociedad,y para ello veremos a nuevos personajes y hasta a un fénix. Tras el comienzo y la parte más “cómica” del incidente con la casamentera, la historia realza el dramatismo y la independencia de una Mulan más sola e independiente. Incluso la malvada de esta función (Gong Li) , que no tiene nada que ver con los hunos, está para realzar el viaje emocional de la protagonista.

Si Shan Yu imponía con su presencia, aquí se podría sacar mucho más partido al Bori Khan de Jason Scott Lee. Además de salvar a su padre de la guerra, Mulan sacrifica todo lo que tiene y empatizamos con ello,pero el desarrollo del personaje podría ser mucho más potente.

Niki Caro no hace mal trabajo de dirección con una solvente Liu Yifei, pero no ocurre lo mismo con el resto de elementos de la leyenda china. Aunque, siempre hay aspectos de una película animada que quedarían poco realistas en su versión humana.

Teniendo en cuenta que Disney garantizaba el único remake en acción real con calificación por edades PG-13 en Estados Unidos, tampoco las escenas de batalla son tan violentas, más bien todo lo contrario, con guerreros rozando lo surrealista.

El apartado visual es elaborado y no resulta forzado, pero viajar a China no basta para que la película capte nuestra atención. Si es un placer, en la banda so sonora, volver a escuchar a Christina Aguilera.

En definitiva, ‘Mulan’ no es una copia de la original,con más consecuencias malas que buenas, por tanta explotación Disney. Como mucho, puede llegar a entretener,más una película sin alma que el bodrio que nos pintaban.

“Estoy pensando en dejarlo”

¿Qué tal,cinefilos? Hoy os traigo critica de uno de los primeros estrenos de Netflix en septiembre. Se trata  de la muy peculiar “Estoy pensando en dejarlo’, tercer largo dirigido por el guionista Charlie Kaufman. En el reparto, tenemos a unas brillantes Jessie Buckley y Toni Collette, junto a Jesse Plemons o David Thewlis.

Kaufman, guionista de películas del gran Spike Jonze ( ‘Cómo ser John Malkovich’, ‘Adaptation (El ladrón vuelve a ponerse tras las cámaras cinco años después de Anomalisa, con un retrato obsesivo y sesudo de las relaciones de pareja.

La trama arrancan con nuestros protagonistas(Lucy y Jake) divagando profundamente en el coche, de camino a conocer a los padres de él justo cuando ella piensa en dejarle. Atrapan las demoledoras líneas de diálogo en esta primera parte de la historia. A Kaufman, más que lo que cuenta, le importa cómo lo cuenta, empleando la voz en off como recurso narrativo.

Con esta premisa, Kaufman nos lleva por todo tipo de situaciones surrealistas y extrañas, manteniéndonos en tensión con una atmósfera malsana y agobiante ,para ponernos en la piel de los personajes.

Cada escena está llena de reflexiones para ilustrar la desestabilidad emocional de la protagonista, con una Buckley en una interpretación llena de matices y contrastes, muy potente desde la contención. La actriz logra llevarnos por los pensamientos de Lucy.

Conforme avanza el metraje y la pelicula pasa de la psicología de ella a los extraños padres de Jake (soberbia Collette) ‘Estoy pensando en dejarl’o, basada en la novela original de Ian Reid , va creciendo en incomodidad y confusión, hasta el punto de que el interés de Kaufman por traspasar lo artificial agota y confunde al espactador.

Para seguir la pelicula, hay que estar muy atento a cada detalle del montaje de Robert Frazen y la fotografía de Lucasz Zal, que hacen a la película aun mas agobiante ,angustiosa y desasosegante. En la historia, nada es lo que parece y cada uno tiene sus conclusiones sobre el clímax final de la película. Kaufman va introduciendo sorpresas hasta un epilogo bastante críptico, dejándonos pistas pero también dudas.

Es ahí cuando ‘Estoy pensando en dejarlo’ más recuerda a ‘Synecdoche, New York’, con los giros narrativos made in Kaufman y un inspirado reparto,uno de los plato fuertes de la película.

En definitiva ‘Estoy pensando en dejarlo’ es una película muy particular que va q polarizar al público, una propuesta arriesgada y diferente. Cierto es que la primera mitad me enganchó,pero después me costó. Y a vosotros, ¿os ha gustado?

Hasta la próxima,💋

“Ava”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Ava” (2020) , película dirigida por Tate Taylor (“Criadas y señoras”,/’La chica del tren”, “Ma”), con el reparto liderado por Jessica Chastain, acompañad por Geena Davis, Colin Farrell y John Malkovich.

La trama nos narra la historia de la sicaria Ava, especializada agente secreto y asesina a sueldo de peces gordos a nivel mundial. Cuando llega a nuestra protagonista una información errónea, su misión se tuerce y regresa a la vida familiar, con la intención de arreglar una relación rota con su madre y su hermana. Si embargo, el error cometido seguirá acechándole, debiendo Ava proteger su propia vida y la de su familia del objetivo.

Bajo esta sinopsis, el producto final nos ofrece una irregular mezcla de drama familiar y thriller de acción y espionaje con tintes de Luc Besson. Ava no es una heroína, sino una mujer de armas tomar que actúa movida por venganza y su doloroso pasado. El villano: una todopoderosa organización mundial que trabaja con números codificados.

¿Cuáles son los motivos que llevaron a Ava a asesinar a sueldo? ¿Tiene remordimientos cuando interroga a sus futuras víctimas? El guión está lleno de giros y sorpresas, nada y nadie son lo que parece: la tragedia y la traiciónhan hecho a la espía, junto con la vuelta al hogar de Ava y los líos con un salón de apuestas clandestino. Tate Taylor intenta humanizar a la protagonista entre tanta muerte, pero no desarrolla suficientemente tantos personajes secundarios con subtramas prescindibles.

La película no es en absoluto redonda, pero Tate Taylor logra entretener aún sin ingenio ni garra en la narración. La historia no inventa la pólvora ni cala en el espectador, pero hay bastantes dosis de adrenalina con las escenas de tiroteos.

En definitiva, una película de acción que se deja ver pese a sus clichés y su dramatismo impostado para empatizar con Ava, quien tiene más fuerza que la trama.