“El buen patrón”

Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo critica de “El buen patrón “, una sátira social dirigida y escrita por Fernando León de Aranoa (“Los lunes al sol”), que luchará por colarse en las candidatas al Oscar a mejor película de lengua no inglesa (tras derrotar a “Madres Paralelas ” de Almodóvar, en un flash back de 2003) y por seguro que numerosos Goya, tras su paso por San Sebastián.

En esta ocasión, Bardem vuelve a unir fuerzas con Aranoa y a regalarnos un gran papel , acompañado por la debutante Almudena Amor (a quien veremos en “La abuela” de Paco Plaza) o Fernando Albizu,entre otros. La música es de Zeltia Montes y la fotografía de Pau Esteve Birba.

Alternando drama y comedia, la trama narra la odisea del cínico y socarrón líder de Básculas Blanco, una empresa de producción de balanzas industriales en una ciudad de provincias, para obtener el premio premio local a la Excelencia Empresarial que otorga la comisión. La aventura no será nada fácil, aparecerá una becaria que pondrá patas arriba, los trabajadores están descontentos y el tiempo corre en contra. Blanco cruzará todo tipo de límites para conseguir el galardón.

A Julio Blanco (Javier Bardem), dueño del imperio familiar , le gusta el control y tratar a sus trabajadores como una familia. Sin embargo,no le temblará el pulso para despedir y sortear cualquier obstáculo que se cruce en su camino para colgar otra medallita más en su estantería. Toda una parodia de las precarias condiciones laborales en España, con un protagonista manipulador



Mujeriego y machista, manipulador e hipócrita, seguro de si mismo, no sospechará que una jovencita becaria pueda llegar a burlarse de él.

La ingenuidad y fresca belleza de una becaria, Liliana, interpretada por Almudena Amor, le pondrá en un serio aprieto. No se debería subestimar a nadie si no se quiere correr el riesgo de llevarse alguna sorpresa.


Divertida y mordaz comedia dramática en la que Javier Bardem borda el papel de empresario deleznable. Se podría decir que es la otra cara de la moneda del personaje que interpretó en Los lunes al sol, dirigida también por Fernando León de Aranoa.

Los brillantes e inteligentes diálogos de El Buen Patrón provocan sonoras carcajadas y son fácilmente reconocibles esos prototipos que abusan de su poder.

Una extraordinaria radiografía social no exenta de sarcasmo, pero que lejos de incomodar produce una simpática y agradable sensación.

A destacar el delicado trabajo de la música de Zeltia Montes, valorado por el propio director durante la rueda de prensa en el Festival.


Divertida y mordaz comedia dramática en la que Javier Bardem borda el papel de empresario deleznable. Se podría decir que es la otra cara de la moneda del personaje que interpretó en Los lunes al sol, dirigida también por Fernando León de Aranoa. Los brillantes e inteligentes diálogos de El Buen Patrón provocan sonoras carcajadas y son fácilmente reconocibles esos prototipos que abusan de su poder.

Benedetta

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de ‘Benedetta’, una provocativa y polémica aproximación de Paul Verhoeven (“Instinto Básico “, “Elle”, “Showgirls”, “Desafío total”,”El libro negro ) a la historia de la monja santa y lesbiana de la Italia renacentista del siglo XVII. Una controvertida experiencia religiosa llegada desde los festivales y que,sin duda, evantará ampollas y removerá la conciencia y moralidad de los espectadores más religiosos: ofensiva para algunos, delirante y atrevida para otros, con un Verhoeven desatado.

Todo comenzará cuando, al tomar los hábitos en el convento de Pescia, en la Toscana, la joven asegura ser capaz de hacer milagros y tener visiones marianas, en pleno descubrimiento de su sexualidad.

A sus 82 años, el cineasta holandés nos trae a la gran pana una adaptación sin filtro, con toda la carga de blasfemia y erotismo, de la novela ‘Immodest Acts: The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy (Studies in the History of Sexuality)’, con los excesos típicos de su filmografía. Durante casi 2h15 de metraje, Verhoeven ofrece una propuesta arriesgada en su temática, a la par que arrolladora por su falta de complejos al narrar una historia no apta para pieles sensibles.



Con este metraje, algo extenso y con una ligera bajada de ritmo en el segundo acto, en la película no tiembla la mano al mostrar el placer,la perversión, las dudas de fe o la desnudez de la carne con los horrores de de peste. Todo con las formas, texturas y colores muy cuidados para hacerlo más sensual y sensorial.

Más allá de un compendio de escenas potencialmente turbias,’Benedetta’ ,con imagineria religiosa reconvertida en dildos o cristos de un aspecto que sugiere cierta enajenación, el foco de la película creo que es destacar los juegos de poder y corrupción que se ocultan tras el misticismo de la Iglesia. Toda una crítica a la idiosincrasia eclesiástica con una gran puesta en escena (gracias a la fotografía de Jeanne Lapoirie) y un gran saber hacer de las actrices: lidera el reparto una magnífica Virignie Efira, acompañada de una magnífica y solvente Chaflotte Rampling, Daphne Patakia y Lambert Wilson (logran no caer en el histrionismo)

Es tremendamente difícil clasificar y definitir “Benedetta, a caballo entre el drama, el thriller psicosexual y un ejercicio de autoria de un Paul Verhoeven que consigue no dejar indiferente, salvaje y socarron.

“MADRES PARALELAS”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de Madres paralelas, la nueva película de Pedro Almodóvar )rotagonizada por Penélope Cruz, Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón e Israel Elejalde, estrenada en el pasado Festival de Venecia y preseleccionada para representarnos en los Oscar (lo que finalmente hará “El buen patrón”).

Retomando de nuevo temas tan constantes y omnipresentes en la filmografía del manchego,como el costumbrismo, la maternidad y el feminismo, esta vez se conjuga la temática almodovariana con la memoria histórica, con un resultado bastante aceptable pero algo irregular y descompensado en esta tragicomedia. Todo ello con toques de rojo y algo de humor entre tanto drama (véanse esas escenas donde el personaje de Cruz recrimina al de admitir no aprender de los errores del pasado y no conocer la historia de la Guerra Civil Española a su edad)

.La historia conecta las vidas de Janis y Ana, una embarazada de un antropólogo forense y otra una adolescente que vive con su madre,una actriz de teatro con la que tiene una tormentosa relacion: ambas dan a luz a la vez en el mismo hospital. Las protagonistas se verán unidas por un hilo irrompible cuando, mientras las pequeñas están en observación, intercambian sus números para compartir la experiencia. Todo desembocará en una mezcla de memoria histórica y alegato sobre el legado de las madres, con algunos aspectos que sobran y algo forzados, pero notable: un Almodóvar más reivindicativo que nunca.

En este caso, el universo femenino del manchego nos muestra a a mujeres de distintas teneraciones, con diferentes valores e inquietudes, pero deseosas de ser buenas madres. Todo un recital de Penélope acompañada por una Smit que aguanta el tipo y Gijon y de Palma como secundarias.


Sin la garra de Volver y Todo sobre mi madre, Madres paralelas no está entre lo mejor mejor manchego pero tampoco es un Almodóvar menor, trata muchos temas y muy heterogéneos en poco tiempo y consigue salir airosa, entre momentos predecibles y giros de guión típicos de El Deseo.


Nota;7



Lo mejor

Las interpretaciones
Lo peor

La estructura irregular de la narrativa.




“MAIXABEL”

Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de Maixabel, película de Icíar Bollaín con Blanca Portillo y Luis Tosar que narraa historia de Maixabel Lasa y su relación con el exetarra Ibon Etxezarreta.

En la senda de “La línea invisible ” o “Patria”, esta historia basada en hechos reales nos ofrece una nueva visión y vuelta de tuerca respecto al terrorismo: la trama intenta ahondar en la difícil tarea de comprender lo sucedido y en la voluntad de diálogo, perdón y reinserción del etarra, a la vez vez que nuestra el duelo de víctimas y familiares.

La directora aboga por la humanidad y retratar la lacra del terrorismo desde.sus distintos prismas,lo cual da lugar a un muy complejo abanico de personajes; presos aislados, otros arrepentidos que buscan salir de la cárcel y pasar página, otros sin remordimientos por haber acabado con guías y familias.. que se consideran ellos las victimas….

Maixabel

Todo comienza en el 2000 con el asesinato del el político socialista Juan María Jáuregui a manos del  comando Buruntza cuando era gobernador civil de Guipúzcoa, siendo los 3 miembros del mismo procesados y encarcelados Francisco Javier Makazaga, Luis María Carrasco e Ibon Etxezarreta).

Años después, la Secretaría General de Instituciones Penitenciarias del Ministerio de Interior y la Dirección de Atención a Víctimas del Terrorismo del Gobierno Vasco emprende un programa de diálogo entre presos disidentes de ETA y víctimas del terrorismo (los “encuentros restautivos” “Via Nanclares”), el cual se disuelve rápidamente.

Tras once años sin su marido, Maixabel Lasa, la viuda de Jáuregui, accede a a ver a los presos también fuera de la cárcel durante sus permisos penitenciarios.En el apartado interpretativo,Portillo y Tosar bordan unos personajes llenos de matices, sobre todo la actriz, cuyo personaje afronta el duelo,sufrimiento y la tristeza progresivamente.

Bollaín saca notable en tratar con esta sensibilidad un tema tan delicado, de acuerdo con el propio testimonio de los protagonistas reales. Por tanto, Maixabel es un recomendable relato de perdón, solidaridad,convivencia y memoria para no repetir los errores del pasado y aprender de ellos.

Mención especial a la banda sonora de Alberto Iglesias y al diseño de producción ,que añaden más emoción a la trama.

Nota:7

Lo mejor

Blanca Portillo.

Lo peor

Compararla con documentales que cuentan lo mismo.

Dune

Dune

¿Qué tal ,CINÉFILOS? Hoy traigo rítica de Dune, la nueva adaptación parcial de la novela de Frank Herbert de la mano del cineasta Denis Villeneuve. Una película grandilocuente que supone el regreso de vlockbusters a la taquilla

Como en la película de Lynch y en el documental de 2013, la acción nos lleva a Arrakis, (Dune), donde el emperador decide quien de las dos casas imperiales,los Atreides y los Harkonnen,se lleva la codiciada especia.

Los Atreides son apoyados por los nobles y tenderán una trampa al emperador: eduque Leto, su hijo y heredero Paul Atreides y su madre se enfrentarán a envidias y gusanos en el desierto.

El guión de Jon Spaihts, Eric Roth Denis Villeneuve traslada la esencia de la mitología propia de la novela a buen ritmo y de manera asimilable, en un buen cierre para la continuación en segunda parte, aún sobreexplicando detalles y omitiendo otros. El reparto cumplen con creces,con mención especiales a Rebecca Ferguson.

 Apabullante en imagineria y banda sonora, cada detalle técnico aporta épica a una gran epopeya de dos horas y media de duración, alma a la historia e inmersión en la psicología de los personajes.

Dune es una muy buena película de ciencia-ficción que introduce además temas de actualidad como el cuidado al medio ambiente ambiente ,ecologismo y el respeto a la multiculturalidad. Una travesía que deja con ganas de más intrigas palaciegas de poder, profecías,amor,lealtad y relaciones familiares.

VALORACIÓN

La nueva versión de Dune es un viaje alucinante: una película que te atraviesa durante dos horas y media y que se toma el tiempo necesario para construir una epopeya brutal, devastadora y significativa. Para experimentar en pantalla grande y saborearla al máximo.

Excelente

Lo mejor

Apartado visual y artístico y dirección.

Lo peor

Banda sonora pelin atronadora.

Respect

Respect

Qué tal, cinéfilos? 3 años después de su fallecimiento, nos llega Respect, biopic de la Reina del Soul Aretha Franklin dirigido por Liesl Tommy y protagonizado por Jennifer Hudson, Tate Donovan,Audra McDonald (The good fight) y Forest Whitaker (El mayordomo, 2013). La fotografía es de Kramer Morgenthau y la música de Kris Bowers.

Respect

Durante unas ligeramente excesivas dos horas y media de metraje, recorremos el camino de esta gran voz y artista, desde su complicada niñez y preadolescencia en el coro de de iglesia y siendo madre a los 12 y 14 años (algo que se refleja con tacto y acierto, nunca se supo con certeza la identidad de los padres) hasta su consagración como estrella grabando el álbum de soul definitivo cuando la música le salvó la vida (marido maltratador, problemas familiares y demonios del pasado,alcoholismo,,etc).

Una vida inspiradora y llena de altibajos, con Aretha siempre presente en momentos clave de la historia de Estados Unicos, como la muerte de Luther King o la toma de posesion de Obama, las rencillas y celos con sus hermanas cuando alcanzó el éxito, activisimo politico pro Angela Davies,problemas con Columbia para encontrar productora y músicos de su estilo…así se va forjando la personalidad de una diva con todo un arco narrativo para un personaje que Hudson domina (vocalmente sobre todo, cantó en el festival de Aretha y la propia sobrina de Franklin ha alabado su trabajo, acompañada por un gran vestuario y su mirada y matices para encarnar a una personalidad tan compleja).

Siendo más o menos fiable y real este retrato de parte de la vida de Aretha, a veces pasando de puntillas ciertos detalles escenas familiares o emocionales, la actuación protagonista y las escenas musicales (Chain of fools,Think!,Respect, You make me feel like a natural woman,I say a little prayer for you) son lo principales atractivos de la película.

El guión Tracey Scott Wilson tiene los clichés y convencionalismos del biopic, hilando los hitos de la vida de la cantante mezclando canciones y traumas deteniéndose en algunos aspectos y pasando de largo otros…una trama imperfecta pero accesible para quienes quieran conocer más de la Reina de soul, su psicología y descenso a los infiernos para resurgir con Amazing Grace.

Respect  no es redonda, pero si emotiva y con una historia interesante que contar, lo que solventa los problemas de ritmo, y quien sabe si Hudson logra incluso optar a un segundo Oscar. Larga vida a Aretha.

Cry macho

¿Qué tal,cinéfilos? Esta fiesta del cine he aprovechado para ver “Cry Macho”, una road movie crepuscular que podría suponer la despedida de Clint Easwtood (al menos delante de la cámara) tras casi setenta años de carrera como director y lo que me gustóRichard Jewell. Una despedida agridulce, en caso de serlo:una película lejos de ser tan redonda como “Gran Torino”, Mystic River o Million Dollar Baby, pero lejos de ser el desastre que advertía la crítica (lo que sí comparti en 15:17 Trem o a París).

Basada en la novela de Richard Nash del año 1975, nos narra la historia de Mile Milo, una vieja gloria del rodeo que debe ir a la frontera con México para salvar al hijo de su antiguo jefe de una madre alcohólica y devolverlo sano y salvo a Texas. En el retrato que hace del país, encontramos cierta similitud con Rambo:Last Bloom.

Clint Eastwood lleva 15 años dirigiendo películas de sobremesa

Con un arranque ya confuso ,debido a los saltos temporales nada más empezar, la trama comienza de manera brusca para resultar previsible y unq idea mal desarrollada. Si vemos la grandes de Clint en la escena de la confesión en la inglesa con sombrero vaquero y apenas líneas de guión

Pese a los problemas de tono de la historia y la carencia casi de acción, emociona ver a un Eastwood nonagenario a caballo, recuperando la gloria del cowboy que fue en el ocaso de su vida y conquistando y bailando con mujeres de mediana edad.

A la película le hace falta algo más de garra, mejores diálogos y más química entre los actores,pero tampoco lo considero el desastre total que muchos dicen ver.

Cenicienta

Cenicienta

¿Qué tal ,cinéfilos? Os traigo crítica de la Cenicienta (2021) de Amazon Prime, escrita y dirigida por Kay Cannon (Pitch Perfect) con James Corden, Idina Menzel,Billy Porter y Pierce Brosnan acompañando a  Camila Cabello en su debut cinematográfico.

Cenicienta 2021

Esta revisión del cuento de Perrault con fotografía de Henry Braham y música de Jessica Weiss, nos trae todo un mensaje de empoderamiento femenino y de respeto a la diversidad, con Porter como hada madrina.

En la línea de Cinderfella (1960), Cindy (1978), Cinderella (1997) con Whitney Houston, o Por siempre jamás (1998) ,y de la versión con Lily James, volvemos a esta historia de una muchacha explotada por su madrastra y hermanastras, que luchará por sus sueños y por amar a un príncipe más allá del hechizo en el baile.

Sin duda, si algo destaco de la películas es una banda sonora con Rythm of Nation de Janet Jackson, Jennifer López con Let’s get loud, QueenMadonna The White Stripes o Ed Sheeran.

Cenicienta (2021) se estrena el próximo 3 de septiembre en Prime Video y durante la campaña de promoción Camila Cabello ha explicado que la versión crea un universo de “representación y diversidad”. Palabras al son de los tiempos donde la exintegrante de Fifth Harmony alude, por ejemplo, a la figura de Billy Porter, un hada madrina calzada de pedrería. Las proyecciones de empoderamiento son diversas, como la Princesa Gwen (Tallulah Greive), el tropo de la joven e inteligente ejecutiva con ideas de progreso; la Reina Beatrice (Minnie Driver), quien desea ser escuchada y tenida en cuenta, ya que alzar la voz no es suficiente; o Ella, quien primero persigue su realización laboral.

Aunque el más llamativo es el personaje de la madrastra Vivian (Indina Menzel), con quien se trata de simpatizar desde el prisma de los sueños frustrados y la conciliación personal y profesional. La madrastra tiene escenas musicales divertidas, como Material Girl, ojalá hubieran mostrado más esta mala madre-humana que desea el bien para sus hijas desde los peores medios.

Si se desea fidelidad literaria, puede leerse el texto original donde la hermanastra se desfigura el pie para probarse el zapato. En el apartado técnico de Cenicienta (2021) hay elementos tan siniestros como el de los Grimm, en concreto, la tecnología que creó a los tres ratoncitos. Otra presencia inquietante en Cenicienta (2021) es el propio James Corden, los momentos más edulcorados de la pareja se ven interrumpidos por chistes de situación que pueden resultar divertidos para los más pequeños de la casa pero quizás incomoden o interrumpan a los mayores.Copyright Amazon Prime Video

Princesas del siglo XXI en Cenicienta (2021)

Atrás quedaron las princesas como protagonistas pasivas a quienes les sucede la trama, desde Brave (2012) una nueva generación de princesas desea ver mundo y trabajar porque el público exige otras visitas y miradas a los clásicos. Cenicienta (2021) es una película young-adult con el mensaje acertado sobre crecimiento e independencia, rebelarse y alzar la voz es lo natural y este padre, ¡Pierce Brosnan!, es cómico y consciente de ello.

Esta versión es lo suficientemente moderna, aunque con personajes normativos donde la fábula se centra en el ascensor social y el amor. Obvio, el público no tiene por qué esperar un tono ni mensaje diferente. Cenicienta (2021) es divertida, alegre, banal y mamarracha, no se toma en serio a si misma y hará septiembre menos terrible. Un lugar feliz y familiar, conocido gracias a las canciones versionadas, donde el espectador puede sentirse seguro.

Esta versión es lo suficientemente moderna, aunque con personajes normativos donde la fábula se centra en el ascensor social y el amor. Obvio, el público no tiene por qué esperar un tono ni mensaje diferente. Cenicienta es divertida, alegre, banal y mamarracha, no se toma en serio a si misma y hará septiembre menos terrible. Un lugar feliz y familiar, conocido gracias a las canciones versionadas, donde el espectador puede sentirse seguro.60%VALORACIÓN FINAL

“Reminiscencia”

Dicen las malas —o buenas— lenguas que es tremendamente probable que cualquier historia que se narre hoy día, sea en el medio que sea e independientemente de géneros, estilos y tonos, ya se haya contado de mil y un formas con anterioridad. Esto, que puede sonar desolador, no es algo necesariamente negativo, ya que en esto de la expresión artística siempre hay cabida para salpimentar arquetipos y dar forma a obras refrescantes y originales pese a estar apuntaladas sobre unos cimientos sobradamente conocidos.

Desgraciadamente, en ocasiones, las explosiones de creatividad no son suficientes para estimular la mente del espectador y hacerle olvidar referentes preexistentes. Es entonces cuando, viendo un largometraje, el metraje que circula en pantalla queda en segundo plano; quedando ocupado su lugar por los recuerdos de títulos que ya hicieron lo mismo previamente —y, posiblemente, mejor—, y por una sucesión de patrones repetidos hasta la saciedad que terminan lastrando la experiencia.https://aa97fee7608e7cb5d4b69a4cce8f675a.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html?n=0

Este es, precisamente, el principal mal del que adolece ‘Reminiscencia’; el debut en la gran pantalla de la, hasta ahora, catódica Lisa Joy —’Westworld’—. Un ambicioso y aguado cóctel de cine negro quintaesencial en clave de ciencia ficción que, aunque posee un innegable atractivo en términos conceptuales, se ve lastrado por una narrativa soporífera y desacompasada, y por una retahíla de lugares —muy— comunes engalanados con una pomposidad casi impostada.

Noir 3.0

El estreno español de ‘Reminiscencia’ llega precedido por el infame récord que la sitúa como el peor estreno de todos los tiempos en Estados Unidos para una película lanzada en más de 3000 cines. Desde que se conoció el dato, se han estado buscando explicaciones de todo tipo a semejante batacazo comercial; aunque tras haberla visto mucho que temo que, dejando a un lado su pobre campaña promocional, el principal responsable de la debacle ha sido la propia producción y lo soporífero de su contenido.

Mientras un plano secuencia de situación digital —no demasiado bien resuelto, todo sea dicho— nos ubica en una costa este estadounidense distópica asolada por las inundaciones, el filme nos da la bienvenida a su peculiar universo a través de un farragoso primer acto que pone sobre la mesa todas las cartas que se irán jugando posteriormente, y que están centradas en su mayoría por los clichés más sobados del noir clásico y sus réplicas contemporáneas; incluyendo la presentación de una femme fatale, esencial en la historia, que roza lo caricaturesco a estas alturas.

Puede que la mayor declaración de intenciones referencial de la cinta sea la utilización de una voz en off que, pese a cumplir con su cometido, embarra la narración entre frases rimbombantes y un abuso del recurso. A través de los pensamientos verbalizados del protagonista, ‘Reminiscencia’, únicamente en su primer acto —y esto se extenderá a lo largo de toda la proyección—, subraya temas y tesis, aporta contexto, sobreexplica y bombardea los tímpanos del respetable con una exposición oral necesaria para rellenar huecos y hacer que el conjunto vaya cobrando un mínimo de sentido.

Una vez entrados en la primera mitad de su segundo acto, a pesar de que el aburrimiento empieza a hacer acto de presencia, derivado de un ritmo errático y de una progresión dramática que invita a pensar en una temporada completa de una serie resumida resumida en un par de horas, el enigma que plantea la trama es lo suficientemente potente como para mantener unos mínimos de atención. Pero este espejismo tarda poco en desvanecerse, revelando secretos a voces no tan sorprendentes a golpe de diálogo que desembocan en un fin de fiesta que, cuando llega, ya es demasiado tarde.

Esta sensación de estar ante una producción catódica se refuerza por el predominio de planos medios y cortos en una puesta en escena que, salvo destellos puntuales, se muestra poco inspirada y en las antípodas del gran acierto de la película: un notable diseño de producción retrofuturista que se las apaña para dar forma a un mundo único, tangible y rico en detalles que extrae oro del modesto —teniendo en cuenta sus aspiraciones— presupuesto cercano a los 80 millones de dólares. Si a esto le sumamos la solvente dirección de fotografía de Paul Cameron —por debajo de sus trabajos más brillantes como ‘Collateral’, eso sí—, las dudas sobre que el mayor atractivo del largo es su forma se disipan por completo.

Entre bostezos puntuales, miradas furtivas al reloj y retazos de admiración por la entregada labor de Hugh Jackman y, sobre todo, de Rebecca Ferguson, ‘Reminiscencia’ apela a la memoria del espectador del modo menos deseable posible; recordándole secuencia a secuencia que existen maravillas neo-noir/sci-fi como ‘Blade Runner’, clásicos como ‘Perdición’ o ‘El halcón maltés’ y rompecabezas contemporáneos como ‘Memento’ —inspiración confesa de la directora— que ya tocaron las mismas teclas, pero de un modo mucho más satisfactorio.

Maligno


Crítica de Maligno (Malignant), el retorno de James Wan al terror contando con la actriz principal de Annabelle, Annabelle Wallis, como protagonista. Estreno el 3 de septiembre de 2021.

Larga ha sido la espera hasta poder hablaros de Maligno, la nueva película de terror de James Wan. Se trata de una apuesta arriesgada que había generado mucha suspicacia, alimentada por la ausencia de pases de prensa previos al estreno de la película (que llegará a EE.UU. el día 10). Finalmente, hemos podido ver el nuevo trabajo del director malayo que supone algo nuevo en su filmografía.

Como es sabido por muchos de nuestros lectores ya, Wan es una institución en el género del terror desde que en 2004 debutara con Saw y también todo un talento a la hora de fundar franquicias de horror originales, diferentes, pero siempre angustiantes, como en el caso de Insidious, que tuvo su secuela en 2013. Aquí queda apuntado al final un posible regreso también en forma de secuela.

Para esta película, Wan ha contado con sus colaboradores habituales, el director de fotografía Don Burgess y el montador Kirk Morri, la diseñadora de producción Desma Murphy, así como la diseñadora de vestuario Lisa Norcia.

La música es obra de Joseph Bishara, quien ha compuesto la banda sonora de las siete películas del universo de Expediente Warren: The Conjuring, entre muchas otras obras Conjuring (Annabelle, Annabelle:

El guión de Maligno ha sido coescrito por Wan y Akela Cooper, quien también está detrás del guión de La Monja 2, aún sin fecha de estreno definida. Y la cinta, está protagonizada por una excelente Annabelle Wallis, que protagonizó el spin-off Annabelle en 2014 y aquí se entrega en cuerpo y alma.

Y hasta aquí las concomitancias, porque Wan ha querido realizar una película pequeña y modesta con la que pudiera rendir homenaje al giallo o lo que es lo mismo, hundirse en los orígenes de un tipo de cine que combina slasher, terror psicológico y sobrenatural, policiado y misterio aunque sin plegarse del todo a sus reglas estilísticas. En suma: ha querido jugar y experimentar.

Maligno

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¿De qué va la película?

Maligno nos cuenta la historia de Madison, una mujer que es testigo de terribles visiones dignas de las peores pesadillas. Las cosas no mejoran cuando se da cuenta de que estas visiones no están solo en su cabeza sino que realmente están teniendo lugar en nuestro mundo y que están relacionadas con su tormentoso pasado familiar.

A grandes rasgos, podemos decir que Maligno es una película fallida y tremendamente irregular. No ayuda en absoluto la banda sonora de Bishara: en esta ocasión su trabajo es mucho menos convincente, con unos contrastes que hacen que haya secuencias que descarrilen en el tono y arruinen el clima de la película.

películas de miedo

Sin embargo, Wan sabe cómo generar inquietud y estremecimientos en la audiencia: rueda de forma sagaz algunas escenas de acción y otras de verdadero terror y juega con algunos elementos de la escenografía y el punto de vista de los personajes que demuestra un enorme dominio de la psicología del espectador.null

La película descarrila cuando gira para introducir precisamente esos homenajes: aunque los encuadres, el color, los primerísimos primeros planos o la faceta expresionista de la interpretación de los protagonistas es muy acertada, otros aspectos nos remiten a un cine de serie B que no le hace justicia a lo que esta película podría haber sido.

Hay diálogos sonrojantes, los personajes no paran de tomar decisiones estúpidas y las relaciones que hay entre ellos no solo no son creíbles sino que rozan lo ridículo.

maligno malignant james wan

En fin, Maligno es una película de terror algo extraña, pero no por ello menos interesante porque cuenta con destellos de genialidad repartidos en su irregular metraje. Es una de esas cintas que te hace salir del cine chasqueando la lengua y pensando: “Maldita sea, dentro de esta película había una gran película de terror arruinada por malas decisiones de base”.

Aunque Wan es un habitual en el cine de terror desde el guión, la dirección y la producción, no le hace ascos a otros géneros: dos de sus películas más recientes han estado centradas en el UCM, con Aquaman en 2018 y Aquaman and the Lost Kingdom, que actualmente se encuentra en pleno rodaje.

El caso es que, cuando regresa al género, parece querer seguir indagando en él para aportarle algo nuevo, cosa que quienes seguimos su carrera agradecemos, incluso cuando no entrega trabajos redondos.

Sin embargo, Wan sabe cómo generar inquietud y estremecimientos en la audiencia: rueda de forma sagaz algunas escenas de acción y otras de verdadero terror y juega con algunos elementos de la escenografía y el punto de vista de los personajes que demuestra un enorme dominio de la psicología del espectador.null

La película descarrila cuando gira para introducir precisamente esos homenajes: aunque los encuadres, el color, los primerísimos primeros planos o la faceta expresionista de la interpretación de los protagonistas es muy acertada, otros aspectos nos remiten a un cine de serie B que no le hace justicia a lo que esta película podría haber sido.

Hay diálogos sonrojantes, los personajes no paran de tomar decisiones estúpidas y las relaciones que hay entre ellos no solo no son creíbles sino que rozan lo ridículo.

maligno malignant james wan

Aunque Wan es un habitual en el cine de terror desde el guión, la dirección y la producción, no le hace ascos a otros géneros: dos de sus películas más recientes han estado centradas en el UCM, con Aquaman en 2018 y Aquaman and the Lost Kingdom, que actualmente se encuentra en pleno rodaje.

El caso es que, cuando regresa al género, parece querer seguir indagando en él para aportarle algo nuevo, cosa que quienes seguimos su carrera agradecemos, incluso cuando no entrega trabajos redondos.