“El menú” y el falso elitismo de la alta cocina

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “El Menú”, película dirigida por Mark Mylod, escrita por Seth Reiss y Will Tracy, con un gran reparto formado por Anya Taylor Jopy, Ralph Fiennes, Nicholas Hoult o John Leguizamo, fotografía de Peter Deming y música de Colin Stetson. Toda una impactante experiencia culinaria que , creo, saciará a los estómagos cinéfilos más exigentes.

Llena de crítica social y mala baba, este thriller/ comedia negra nos presenta una trama coral muy impactante y enrevesada que desarrolla poco a poco su complejidad: todo comienza cuando acompañamos a una pareja (Anya Taylor-Joy y Nicholas Hoult) y al resto de variopintos y extravagantes comensales (como una crítica de cocina) a una cena en un exclusivo, lujoso y recóndito restaurante costero.

Cuando el despiadado chef reta a adivinar el menú a este grupo de clase alta y sin escrúpulos, se cuestionará su amor por la cocina y les someterá a un peligroso y surrealista juego donde nada ni nadie es lo que parece, poniéndose de manifiesto la falta de valores y humanidad de la élite sentada a la mesa.

Más compleja, sorprendente y con más capas personajes más desarrollados de lo que parecía en el tráiler, “El menú” incomoda y engancha yendo más allá en lo alocado de su propuesta: igual que no se trata de comer, sino de saborear, degustar y dejarse llevar por los sentidos, nos sumergiremos más y más en esta crítica mal rollera del esnobismo gourmet con cada subtrama, giro de guión y cada plato que se nos presenta.

Con un ritmo y un mensaje bien calculado, tan bien coreografiado como un notable elenco liderado por una magnética Anya Taylor Joy y un mordaz y oscuro Ralph Fiennes donde cada cual tiene sus escenas y momentos de lucimiento, los espectadores seremos un invitado más y reaccionaremos con la misma sorpresa que Margo a tan tortuosa y alocada velada.


“El menú”, llena de tensión y suspense hasta un final abierto a interpretación es tan arriesgada, gamberra y fresca que- y, cuanto menos sepamos de ella al ir a verla,mejor- , utilizando la expresión gastronómica, nos dejará con buen sabor de boca y regusto en el paladar.

“Close”: directa al corazón


¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de la esperada, aclamada y estremecedora “Close”, una bala directa al corazón dirigida y coescrita (con Angelo Tijssens) , por el belga Lukas Dhont (“Girl), ganadora del premio del jurado en el festival de Cannes y de mejor actor en el Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Protagonizada por unos magníficos Eden Dambrine (Léo), Gustav De Waele (Rémi), Émilie Dequenne (Sophie) o Léa Drucker (Nathalie), y con una bellísima fotografía de Frank van den Eeden y música de Valentin Hadjadj, se agradece enormemente que Vértigo Films haya traído a salas españolas este drama “coming of age”, un canto a la amistad y un relato sobre el perdón, la sensibilidad y la vulnerabilidad del amor adolescente fraternal/romántico que nos dejará tocados y noqueados emocionalmente.


Con suma delicadeza y elegancia, la película va explorando la relación entre Leo y Remi, dos chicos de 13 años ( quizá demasiado cohibidos para etiquetar su relación) que ven resquebrajada su unión ante los prejuicios e influencias del qué dirán , con impactantes y trágicas consecuencias de un progresivo desapego: la libertad de correr juntos por un manto de flores se convertirá en las espinas de la represión y la homofobia sufrida a mano de los compañeros de instituto, con una clara condena a la discriminación y un mensaje de identificación y apoyo al colectivo LGTIBQ+ que descubre su identidad sexual en la transición hacia la adolescencia. Se trata muy bien el remordimiento del rechazo, la culpa y el impacto de las relaciones afectivo-sentimentales en la etapa vital de los protagonista, con ellos mismos y sus familias luchando por entender y arreglar lo que ha ido mal entre ambos.

La sutileza de los diálogos ( sinceros y espontáneos cuando no se juega con los silencios y miradas en primer plano para estremecernos) y la intimidad y belleza del apartado técnico harán que empaticemos con la historia y esta se quede clavada en nosotros de manera humana y sincera, sin efectismo lacrimógeno y ganándonos en sus pequeños y certeros detalles… tan cruda como la vida misma, la cercanía y la química entre los actores principales también ayuda a fluir a una trama muy angustiosa y bien narrada ( algo similar a lo que me produjeron “Brokeback Mountain” o “Call me by your name”).

Un brillante trabajo tanto delante como detrás de la cámara, con Dhont cuidando hasta el más mínimo detalle y un entregadísimo Eden Dambrine que lo dice todo con sus ojos, hace merecído cualquier premio conseguido por “Close”, muy recomemdable su visionado ( si vamos psicológicamente preparados para afrontarla) y que ( personalmente) la sitúe como una de las mejores películas de este 2022. Una experiencia cinematográfica llena de alma y verdad a la que deseo mucha suerte si representa a Bélgica como mejor película extranjera en los próximos Oscar. No os la perdáis, os hará replantearos muchas cosas tras su visionado.

“Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion”: las capas de la cebolla

¿Qué tal, cinéfilos? La semana pasada ( un mes antes de su estreno en Netflix para los rezagados al estreno limitado en salas) pude ver en cines la esperada “Puñales por la espalda: el misterio de Glass Onion”, nueva y esperada entrega de la trilogía protagonizada por el detective Benoit Blanc.

Con Rian Johnson repitiendo tras la cámara y un divertido Daniel Craig rodeado de un nuevo y talentoso reparto ( genial Edward Norton, también tenemos a Dave Bautista, Kate Hudson o Janelle Monae en un interesantísimo papel) , disfrutaremos de 2h15 de misterio, con algún momento cómico y muchos giros de guion: con una delirante presentación de los personajes, iremos desentrañando lentamente el misterio tras la investigación de un asesinato en una isla griega donde un multimillonario (Norton) invita a sus amigos y nada ni nadie es lo que parece.

La trama,. un whodunit menos clásico que su predecesora ( pero con ecos de Agatha Christie y Stephen Sondheim, a cuya memoria se dedica la película) y con mucha crítica social a los ricos y las clases altas, atrapa aunque tarde en arrancar. Además, tenemos ciertos cameos (algunos dssaprovechados) y grandes escenas con la pandemia,Bowie y The Beatles de fondo (el título de la película ya es todo un guiño a los fans del cuarteto de Liverpool, y era de esperar que sonaran).

En Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion, con la misma brillantez y mucha parodia y mala baba, el excéntrico Miles Brown (Norton) y su círculo íntimo jugarán al Cluedo y al ratón y al gato mientras disrrutan de unas idílicas vacaciones,y será ahí donde nuestro sabueso favorito desenmascarará las relaciones,odios y traiciones entre unos implicados de lo más variopinto: una modelo frustrada (Kate Hudson como Birdie, ojo a sus looks), un influencer (Dave Bautista), una senadora (Kathryn Hahn) o la ex socia (Andi,interpretada por Janelle Monae) y muchos más, todos con rencores,fantasmas del pasado y motivos para ir contra el anfitrión.

Con personajes generalmente bien desarrollados, más que el quién y el por qué, el punto fuerte de esta secuela son algunas de sus interpretaciones y el ingenio en los diálogos para ir revelando poco a poco las intimidades y detalles del caso a resolver…jugando con las pesquisas y las sospechas del espectador en un metraje entretenido y divertido hasta encajar las piezas del puzzle.

Merece la pena haber disfrutado en salsas echando unas risas y desgranando las capas de la cebolla del misterio en esta segunda entrega de la franquicia detectivesca, con un cast que se lo pasa pipa y muy evasiva y llena de vueltas de tuerca,como cabe esperar de su género.

“Bones and all”: romance caníbal on the road

¿Qué tal, cinéfilos? Tras su paso por los festivales de Venecia y Sitges, os traigo crítica de la esperada “Bones and all”, una sagrienta historia de amor con la que el director italiano Luca Guadagnino (“Call me by your name”, “Cegados por el sol”, “Suspiria”) adapta a la gran pantalla la novela de Camille DeAngelis, con guión de Dave Kajganich, foografía de  Arseni Khachaturan y música de Trent Reznor, Atticus Ross.

En el reparto, repiten con el director un magnético y misterioso Chalamet y un robaescenas de oro como Michael Stuhlbarg en un papel secundario pero crucial, con una magnífica y solvente Taylor Russell como contraparte femenina, un histriónico y espeluznante Mark Rylance y apariciones de Jessica Harper y Chloe Sevigny.


Hasta los huesos: Bones and All

Con la interesante premisa de una joven pareja de devoradores enamorados como protagonistas, nos situamos en los EEUU de los 80 ( sonando KISS de fondo) para acompañar a Maren- una marginada de la sociedad en busca de su madre ( cambio aquí con respecto a la novela)- y a Lee- un joven y apasionado vagabundo- en una kilométrica odisea para huir de sus pasados y afrontar su condición caníbal sin caer en la locura. ¿Podrá sobrevivir el romance de esta sangrienta road movie?

Con tintes de “coming of age” teenager y menos explícita y gore que “Crudo” al abordar el conflicto principal del canibalismo ( aunque hay algunas escenas que revuelven las tripas) , la película arranca bastante bien exponiendo esta cuestión, pero luego se desinfla y pierde fuelle cuando se centra en la trama amorosa y pierde su componente oscuro y tétrico: durante 2h10 de metraje, puede que la película resulte algo vacía y tediosa a los más amantes del gore, pese a la química, el carisma y el esfuerzo de Chalamet y Russell por mantener el interés cuando la trama pierde potencia y se inclina hacia el melodrama romántico perdiendo calado e impacto cuando no aparecen los caníbales.

Hasta los huesos película
Copyright Warner Bros Pictures España

Con respecto al material literario, más allá del apartado puramente cinematográfico, quizás la película debería haber ahondado más en el personaje de Sully y en la relación de Maren con sus padres- además de tener un final distinto-, pero los diálogos sí logran transmitir la sensación desagradable e intimidante de las páginas de la novela.

El reparto se desenvuelve bastante bien dando vida a los antropófagos salidos de la pluma de DeAngelis , con Chalamet en mi papel favorito de él desde su Elio ( aunque esté en zona de confort y no suponga un desafío para él trabajar con Guadagnino) y Taylor Russell es todo un descubrimiento, con mención especial a las interpretaciones secundarias.

Bones and All filme
Copyright Warner Bros Pictures España

Con respecto al apartado técnico, es tan bello como cabría esperar del director, con estos planos de paisajes y zooms de cámara para sentirnos inmersos en el viaje a lo hostil y desconocido de los protagonistas, insertando jumpcuts explicativos en las ensoñaciones y momentos oníricos de Maren como toque personal made in Guadagnino …para que se note quién narra la historia.

“Bones and all” es más correcta que atrevida y arriesgada en una extraña historia de amor entre dos protagonistas aún más peculiares, con su tiempo para desarrollar la trama y los personajes si tenemos paciencia y nos cautiva. Impactante por momentos, pero más romance al uso y menos cruda y sanguinaria de lo que cabría esperar habiendo leído el libro antes de verla.

Nota:7

Hasta los huesos película
Copyright Warner Bros Pictures España

“Jaula”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Jaula”, película disponible en Netflix tras su paso por salas y escrita (junto a Isabel Peña) y dirigida por Ignacio Tatay y producida por Alex de la Iglesia con Elena Anaya,Carlos Santos y Eloy Azorin en el reparto.  Snorri Hallgrímsson y Oriol Barcelona se encargan de la música y fotografía de esta interesante mezcla de thriller y terror.

Crítica de la película Jaula (2022)
Elena Anaya

Todo comienza cuando Paula (Elena Anaya) y su marido (Pablo Molinero) dan con una pequeña deambulando sola por la carretera en plena noche y,tras llevarla en un hospital y nadie hacerse cargo de ella, deciden acogerla temporalmente en su hogar hasta encontrar familia.

Ya desde el arranque de la película,con la niña aparecida en extrañas circunstancias e incapaz de comunicarse y salir de un trozo de suelo pintado con tiza ante el shock posttraumático, nos vemos poco a poco inmersos en el suspense de este relato sobre la psicopatía y todo irá in crescendo.

Tanto el matrimonio protagonista como los propios espectadores desentrañarán lentamente el misterio y las preguntas sin resolver en torno a la pequeña,entre la tensión y un terrorífico clímax final, donde no hay monstruo más oscuro y tenebroso que la mente humana

Con giros inesperados y un terror cruel,sangriento y real (lejos del elemento fantástico) en el guión, la notable interpretación de Elena Anaya como madre adoptiva coraje nos va llevando por las sorpresas de una trama que no da respiro,en una lucha llena de templanza y valentía por conocer y sanar a una pequeña que acoge como a su propia hija.

En definitiva, “Jaula” es una aportación fresca y notable de Tatay al género,con el director jugando muy bien sus cartas cuanto menos sepamos de la película: la película nos sorprenderá y nos gustará más si la vemos con poca información y juega con nuestras expectativas en un trepidante segundo acto, con un final inesperado tras un arranque algo lento.

LO BUENO

Elena Anaya y los giros de guión

Elena Anaya.

LO MALO: le cuesta arrancar, pero luego ya no soltamos el interés.

“Armageddon time” y el sueño americano

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Armageddon time”, “coming-of-age”/drama escrito,dirigido y producido por el neoyorquino James Gray (magnífica “Two lovers,vuelve a ponerse tras las cámaras después de “Ad Astra“), visto en el pesado festival de Venecia y protagonizado por Banks Repeta, Anne Hathaway, Jeremy Strong, Jaylin Webb y Anthony Hopkins. La fotografía de Darius Khondji y la música de Chris Spelman dan a la cinta un tono clásico, de otro tiempo.

En su su octavo trabajo, el más personal y con tintes autobio, Gray refleja su propia infancia a través del inquieto Paul Graff, un joven protagonista que busca de la madurez personal y el sueño americano impulsado por la fuerza de la familia y la amistad.

Esta es una película sencilla, pero de emociones fuertes, que no nos suelta en sus casi dos horas de metraje. La calidez y el cariño con el que se ha rodado se manifiesta en la entrañable relación de Paul con su abuelo (maravilloso Anthony Hopkins), además de las imágenes y lugares ochenteros que recorremos (y mención a The Beatles en los diálogos).

Sus propios padres, el sistema y la sociedad esperan para Paul un papel muy distinto de lo que él desea como promesa de vida para su futuro, por lo que se presenta una imagen negativa de estos ámbitos y esferas en la América presidida por Reagan. Cine social con un mensaje político, educativo y familiar importante, como también vemos en el cameo de Jessica Chastain como Marianne Trump (breve pero contundente escena dando un coloquio en el colegio privado de Paul,planteándose aquí un debate sobre la enseñanza, con Gray defendiendo la pública y criticando los valores e hipocresía de la privada).


Gray desmitifica el sueño americano con el retrato e historia familar del clan Graff, caótico y algo disfuncional, poco unido al ser los padres vistos como demasiado sobreprotectores y estrictos a ojos de Paul…quizá consecuencia de la moral de la época y del país en el contexto de la película.

Si disfrutar de un brillante Hopkins y de una historia que llega al corazón no fuera suficiente,poco más pretexto para disfrutar de algo tal cálido y humano como “Armageddon time” en pantalla grande.

“Desencantada”: ¿y vivieron felices para siempre?

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de una de las grandes apuestas de Disney+ para este 2022: se trata de “Desencantada”, secuela de la película de 2015 dirigida por Kevin Lima con Amy Adams, Patrick Dempsey, Idina Menzel, James Marsden, Timothy Spall y Susan Sarandon y toda una parodia a los típicos cuentos de hadas que hizo las delicias de todos los públicos con sus canciones, carisma y la mezcla de animación y acción real.

15 años después, la dulce y cándida Giselle, otrora princesa de Andalasia, vuelve con una esperada y tardía secuela que ha ido directa a plataformas, y es que ( pese al factor nostalgia , el cariño que tenemos a la primera película y la entrega de unos actores retomando sus personajes) los guionistas no han estado esmerados en desmentir eso de que las segundas partes nunca fueron buenas.

Con Adam Shakman (“Hairspray”) tras la cámara y una divertidísima Maya Rudolph asumiendo el rol de la malvada Malvina Monroe, nos encontramos a Robert, Giselle y una Morgan adolescente intentando ser felices y comer perdices con un bebé en la familia y las obligaciones y el estrés de la rutina en Nueva York, fallando en el objetivo y necesitando dar un giro a sus vidas.

Entre los lloros del pequeño y las obligaciones laborales y del hogar, nuestra familia decide partir de la agobiante Gran Manzana para instalarse en Monroeville y ser felices para siempre lejos del mundanal ruido, pues Giselle no quiere renunciar a su idílico mundo de fantasía, aunque su marido esté casi ausente yendo y viniendo al trabajo ( poco peso de Dempsey en la trama) y la actitud rebelde y gruñona de Morgan no se lo ponga fácil (elegir ropa para ir a un nuevo instituto donde adaptarse y buscar nuevos amigos es todo un prolema) . Sobre madre e “hijastra” recaerá el foco del argumento.

Desencantada: Vuelve Giselle (2022)

Ya en una ciudad limpia y tranquila, e instalados en algo parecido a un pequeño castillo, una hogareña Giselle se verá puesta en peligro e incluso se convertirá en villana con hechizos y encantamientos que parecían darle la felicidad, compitiendo con Malvina por sacar su lado más malvado y ser la reina del mal, con los habitantes de Monroeville convertidos en personaje de cuento y muchos guiños a clásicos Disney ( Rapunzel, La Bella y la Bestia, La bella durmiente, Blancanieves, Alicia en el País de las Maravillas).

Sin llegar ni mucho menos al nivel de la primera (que rompía clichés y resultaba entrañable) en cuanto a historia y canciones, pero ofreciendo calidad en la animación, momentos divertidos y curiosos nuevos personajes ( como un pergamino que habla) , lo mejor es el número musical que comparten Adams y Rudolph…ese dueto en “Badder” muestra de sobra que las actrices se lo han pasado pipa rodando. También James Marsden está más encantador aún como príncipe y Patrick Dempsey da el do de pecho.

Pese al entusiasmo y la expectación, esta secuela es menos fresca, original y aporta poco a la historia de Giselle, pero sí es lo suficientemente entretenida para los que disfrutamos en el cine hace 15 años… ahora con un cuento de hadas musical algo más cursi y menos mágico.

“El prodigio”: fe vs. ciencia

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “The wonder”, drama/thriller de época dirigido por Sebastián Lelio (“Una mujer fantástica”, “Disobedience”) para Netflix, protagonizado por la talentosa Florence Pugh ( que lidera el reparto, acompañada de nombres como Ciarán Hinds o Tom Burke) y presentado en los festivales de Telluride, Toronto y San Sebastián.

En esta ocasión, el cineasta chileno nos ofrece un inmersivo e impactante relato centrado en el duelo entre la religión y la ciencia, o (en ese orden), cocido a fuego lento , con una conseguida ambientación en las Midlands irlandesas del S. XIX. Él mismo coescribe el guion junto a Alice Birch, sobre la novela homónima de Emma Donoghue. La fotografía es de Ari Wegner y la música de Mathew Herbert.

La trama nos lleva al año 1862, cuando la enfermera inglesa Lib Wright acude a observar a Anna O´Donnel, una preadolescente de 11 años que permanece milagrosamente viva pese a llevar meses sin comer, lo que el pueblo atribuye al “maná del cielo” y turistas y peregrinos contemplan asombrados. ¿Hay algo siniestro detrás, o se trata de un auténtico milagro?

Bajo esta misteriosa y atractiva premisa, que no deja indiferente, se nos permite reflexionar sobre conceptos como la moral, la redención o el poder curativo de la medicina profesional. ¿Es la enferma una santa, o no hay nada más allá de la razón y la ciencia para intentar salvarle de la muerte? Creencias, valores y escepticismo aparte, Lelio nos genera a todos curiosidad para profundizar en esta cuestión, con el interés del morbo y la intriga no forzados.

El prodigio película

Aunque el espectador debe estar interesado y poner de su parte para que el ritmo de la cinta no se haga tedioso hacia mitad del metraje, siendo algo redundante y dando vueltas a la misma idea en algo más de dos horas de duración, Lelio nos encandila y hace que aceptemos sus conveniencias de guion: todo se centra en la contraposición del empirismo de una mujer de ciencia con la de de la joven paciente, algo bien reflejado aunque sobren minutos.

Bien interpretada, y con un apartado técnico cuidado al milímetro ( esos planos abiertos lúgubres, rurales y casi medievales de barrizales, con el lenguaje y el respeto de la época), con el silencio contando más que las palabras y los diálogos al plantear el conflicto principal , el tono y el estilo acompañan a la solvente interpretación de Pugh.

Con complejidad y algo de surrealismo ( pero sin resultar sesgada), en el análisis de la moral cristi

Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “The wonder”, drama/thriller de época dirigido por Sebastián Lelio (“Una mujer fantástica”, “Disobedience”) para Netflix, protagonizado por la talentosa Florence Pugh ( que lidera el reparto, acompañada de nombres como Ciarán Hinds o Tom Burke) y presentado en los festivales de Telluride, Toronto y San Sebastián.

En esta ocasión, el cineasta chileno nos ofrece un inmersivo e impactante relato centrado en el duelo entre la religión y la ciencia, o (en ese orden), cocido a fuego lento , con una conseguida ambientación en las Midlands irlandesas del S. XIX. Él mismo coescribe el guion junto a Alice Birch, sobre la novela homónima de Emma Donoghue. La fotografía es de Ari Wegner y la música de Mathew Herbert.

La trama nos lleva al año 1862, cuando la enfermera inglesa Lib Wright acude a observar a Anna O´Donnel, una preadolescente de 11 años que permanece milagrosamente viva pese a llevar meses sin comer, lo que el pueblo atribuye al “maná del cielo” y turistas y peregrinos contemplan asombrados. ¿Hay algo siniestro detrás, o se trata de un auténtico milagro?

Bajo esta misteriosa y atractiva premisa, que no deja indiferente, se nos permite reflexionar sobre conceptos como la moral, la redención o el poder curativo de la medicina profesional. ¿Es la enferma una santa, o no hay nada más allá de la razón y la ciencia para intentar salvarle de la muerte? Creencias, valores y escepticismo aparte, Lelio nos genera a todos curiosidad para profundizar en esta cuestión, con el interés del morbo y la intriga no forzados.

El prodigio película
Fotos de Netflix

Aunque el espectador debe estar interesado y poner de su parte para que el ritmo de la cinta no se haga tedioso hacia mitad del metraje, siendo algo redundante y dando vueltas a la misma idea en algo más de dos horas de duración, Lelio nos encandila y hace que aceptemos sus conveniencias de guion: todo se centra en la contraposición del empirismo de una mujer de ciencia con la de de la joven paciente, algo bien reflejado aunque sobren minutos.

Bien interpretada, y con un apartado técnico cuidado al milímetro ( esos planos abiertos lúgubres, rurales y casi medievales de barrizales, con el lenguaje y el respeto de la época), con el silencio contando más que las palabras y los diálogos al plantear el conflicto principal , el tono y el estilo acompañan a la solvente interpretación de Pugh.

Con complejidad y algo de surrealismo ( pero sin resultar sesgada), en el análisis de la moral cristiana ( algo parecido a “Silencio” de Scorsese, pero sin tan buen resultado), la falta de fuerza de los secundarios y la inconsistencia del clímax final no quitan que estemos ante una película recomendale y casi notable dentro del nivel de la plataforma Netflix.

“As bestas”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “As bestas”, película dirigida y coescrita (junto a Isabel Peña) por el madrileño Rodrigo Sorogoyen (“El reino”), presentada en la sección Perlak del pasado Festival de cine de San Sebastián y protagonizada por Denis Ménochet (“Malditos bastardos”),  Marina Foïs (L’atelier), Luis Zahera (El reino) y Diego Anido (Malencolía). La fotografía es de Álex de Pablo y la música de Olivier Arson, conformando una gran factura técnica.

Ahondando en el lado más oscuro, la rabia y la discriminación del ser humano en plena Galicia rural, estamos ante un thriller crudo y brillante que deja al espectador muchos dilemas sobre los que reflexionar.

Todo comienza cuando un matrimonio galo, Antoine y Olga, se instala en una idílica aldea gallega para intentar llevar una vida tranquila, pero los conflictos y tensiones con los lugareños no tardarán en aparecer y les llevarán a un punto de no retorno ante la ley del más fuerte.

Con los habitantes disputándose terrenos y derechos con los foráneos, cada uno defiende los intereses y valores que cree justos, pero el esfuerzo y sacrificio por salir adelante con las cosechas y restaurar las ruinas por parte de los franceses no hará escapar del odio, la violencia y el rencor que los protagonistas sufren a mano de los  hermanos Anta, (Luis Zahera y Diego Anido), quienes habitan las tierras resignados junto a su anciana madre y ponen en peligro la paz y naturaleza de la zona.

Durante unas 2h15 de metraje, Sorogoyen refleja a la perfección el miedo, desasosiego y tensión que sienten los protagonistas en su lucha contra las amenazas y la violencia de los poderosos, saliendo adelante con un instinto de supervivencia casi irracional ( son muy inmersivas las escenas con cámara en mano para empatizar con el terrible calvario que sufre la fanilia Denis, con Olga y su hija mostrando gran fuerza y rabia de los personajes femeninos,luchadoras hasta la catarsis).

También es muy curioso el retrato del paoel de una policía que toma partido por los lugareños en la investigación y cuestiona la validez de pruebas grabadas donde se ve la culpabilidad de los vecinos locales.

Trepidante y brutal, tanto física como psicológicamente en su violencia, magníficamente rodada e interpretada en bellísimas parajes naturales,estamos ante una más que palpable prueba de la buena calidad y salud del cine español actual. No os la perdáis.

Marina Foïs, Denis Menochet
As bestas película
Denis Menochet

“My policeman”: amor prohibido en Brighton

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “My policeman “, película para Amazon Prime Video dirigida por el cineasta y productor de teatro británico Michael Grandage (Red, 2018), protagonizada por Harry Styles (“Dunkerque” y “No te preocupes querida” , David Dawson (The Road to Coronation Street, 2010) y Emma Corrin (The Crown) en las versiones jóvenes de sus personajes. Estrenada en el pasado Festival de Toronto con gran expectación, se trata de un drama romántico con componente Lgtbiq+ que adapta la novela homónima de Ben Davis, con guión de Ron Nyswaner, fotografía del mismo Davis y música de Steven Price.



My Policeman película

La trama tiene lugar en el Brighton de 1957, con un policía (Tom) debatiéndose entre el amor de Marion, una maestra de escuela, y el que siente por Patrick, un conservador de museo. Toda una historia de amor prohibido en la postguerra y de lucha contra los prejuicios sociales de la época, inspirada en el triángulo amoroso real entre escritor británico EM Foster, su amante y su mujer.

Además de contar con el reclamo de un ídolo de masas como Styles, la película es una interesante reflexión de cómo los sentimientos y las decisiones del pasado tienen consecuencias en el tiempo, con el miedo , la culpa y el qué hubiera pasado sin las oportunidades perdidas de no dar con la persona en el lugar, momento o situación adecuados. ¿Hay que sentirse frustrado, o asumir que todo pasa por algo y simplemente el romance que no pudo ser? ¿El enamoramiento permanece con los años? ¿Es tarde para redimirse?



My Policeman película
Copyright Amazon Prime Video

Narrada con bastantes saltos temporales, en un ejercicio de interés e imaginación para saber qué ha pasado con los protagonistas en los años que abarca la trama, se echa en falta algo más de peso y construcción en las versiones adultas de los personajes, que parecen de mero apoyo para el lucimiento de los actores más jóvenes y podrían aportar mucho más. En los 90, el trío principal afronta y vive con las consecuencias de sus actos, y el arrepentimiento y el perdón entre ellas…eso les ha hecho ser quienes son, hacer las cosas de una determinada manera y no de forma diferente.

Bethan Roberts
Copyright Amazon Prime Video

En un tono íntimo y personal, “My policeman” invita a pensar sobre nuestras decisiones vitales y la importancia de las posibilidades y oportunidades que conlleva el remordimiento y el tiempo perdido, que a veces no podemos cambiar ni remediar. Además, tiene un mensaje de condena de la violencia, la discriminación y la homofobia y a un solvente Rupert Everett en el reparto como atractivo. Correcta.