Nuevo mes, nueva aventura…Luces, cámara y…acción!☺

Hola,hola! Bueno, no tenía blog hasta ahora por falta de tiempo, y siempre dije que me haría uno dedicado al cine, algunas series y la lectura📖🎥🎬(sobre moda me da pereza jeje,  y los que me sigáis ya en ig conoceréis de sobra mi faceta de crítica😁) cuando los estudios lo permitieran; asique aquí estoy con el comienzo del mes cinéfilo por excelencia, el de los Oscar:)🎥. Espero que os gusten mis recomendaciones en este, mi rincón cinéfilo. 
En los próximos posts os hablaré de pelis como múltiple(que toca hoy) y las protagonistas de la carrera hacia los oscar, libros como la trilogía del baztán o series como riverdale (basada en los cómics de archie, he leido buenísimaas críticas sobre ella) o taboo , con un magnífico tom hardy.
Feliz miércoles y hasta el próximo post☺😘

“Onward”

¿Qué tal,cinéfilos? Vamos con crítica de lo último de la factoría Pixar, “Onward”, un producto disfrutable pero lejos de aquella magia que retomó el estudio de animación con la brillante “Coco”, con la que la factoría levantó un poco cabeza tras las fallidas “El viaje de Arlo” y “Cars 3”.

Este intento algo fallido de ofrecer una buena película de animación original, y alejada de franquicias (como las 4 de Toy Story o las dos de Los Increíbles) es un proyecto muy personal del director, Dan Scanlon, que pone su propia experiencia personal al servicio de una película entretenida para toda la familia, pero sin la chispa que enamora: la buena idea se queda algo a medias por no arriesgar e ir a lo convencional.

“Onward” nos narra la fantástica aventura de dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, que se embarcarán en la odisea de buscar la magia que les permita reencontrarse por un dia con su difunto padre, al que perdieron de muy pequeños. Por el camino, se encontrarán con todo tipo de de criaturas de cuento, como hadas o unicornios. La introducción en el mundo de fantasía donde se desarrolla la historia funciona bastante bien, pero luego el guión abusa de la broma fácil y cliché hasta para el público infantil, lo que deja en bonita y aceptable lo que podría ser una obra redonda de animación. Además, si ya la acogida de la crítica fue tibia, también lo ha sido la taquilla, debido a la pandemia del coronavirus a la semana del estreno mundial.

Como en muchas otras de sus producciones, Pixar vuelve a tratar en ‘Onward’ la importancia de la familia: el fuerte de la película es cómo el refleja el vínculo fraternal entre dos hermanos muy diferentes, pero con el deseo de reencontrarse con su padre en común. La película, pese a sus defectos, resulta bastante amena, amable y simpática por este mensaje, con un final que tocará la fibra sensible de los espectadores. Pixar no innova en su jugada, pero cumple.

En ‘Onward’, Pixar intenta conquistarnos llevándonos a un universo de seres mágicos donde tendremos la puerta a los sentimientos de Ian, un elfo bastante introvertido, y su hermano Barley, aficionado al rol y considerado un fracasado por los demás. La relación entre ambos estará llena de altibajos durante toda la aventura, y es aquí donde tendremos un exceso de gags bastante obvios para hacer el viaje más agradable, un recurso con el que Pixar peca de confiarse. Junto a ello, está el carisma de Tom Holland y Chris Pratt prestando sus voces a Ian y Barley.

Si algo llega al corazón y cautiva de ‘Onward’ es ese subtramo final con el que tantas veces nos saca una lagrimita el estudio ,pero sin llegar a ese nivel de emoción de ‘Coco’ que hace que la película se quede contigo.

En definitiva, ‘Onward’ resulta aceptable sin más dentro de la filmografía de Pixar, entre lo mejor y lo peor de la factoría: una odisea familiar que no está al nivel de los mejores trabajos, pero que tampoco es un título del todo prescindible, con el encanto de divertir y emocionar a la vez, aunque la maquinaria Pixar pudiera estar mejor engrasada.

“The Gentlemen”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigon crítica de “The Gentleman (Los señores de la mafia)” , dirigida por Guy Ritchie con un reparto de lujo, donde tenemos a Matthew McConaughey, Hugh Grant, Colin Farrell y Charlie Hunnam. Casi nada para una cinta con la que el director vuelve a sus orígenes de cine de mafiosos tras la fallida (en mi opinión) “Aladdin.

Para recuperar algo de su garra y su estilo narrativo, Ricthie nos trae un mordaz retrato de las mafias del imperio de la marihuana, con unos personajes delirantes y de lo más variopinto. La trama gira en torno a Mickey Pearson, un expatriado estadounidense en Londees que se enriquece con la industria de la marihuana. Ante el rumor de que este pretende acabar con su negocio, una panda de mafiosos, chantajistas y astutos, harán lo posible por chantajear y sobornar a Mickey y hacerse con sus propiedades a toda costa.

Sin duda, el plato fuerte de  The Gentleman es su excepcional cast, con unos actores en estado de gracia para regalarnos personajes tan memorables que algunos merecerían un spin-off. Tenemos al oscarizado Matthew McConaughey de nuevo en su,salsa junto a unos solventes Charlie Hunnam, Henry Golding, Michelle Dockery, Jeremy Strong y Eddie Marsan, y unos divertidísimos Colin Farrell y Hugh Grant, que habrán disfrutado de lo lindo durante el rodaje, dando rienda suelta a su faceta más cómica.

Ácida, traviesa y con mala leche, “The Gentlemen” es justo el entretenimiento que se esperaba del trailer, ni más ni menos. La idea es buena y está bien desarrollada en cuanto a guión y personajes, y tiene buen ritmo durante sus casi dos horas de metraje: aunque el argumento esté muy trillado por el séptimo arte y no sea precisamente original, toda la trama se enrevesa para resultar más fresca y poner a prueba la inteligencia del espectador, jugando con él hasta el final.

Además, el tono humorístico, gamberro y casi paródico que retoma aquí Ritchie con los mafiosos y las tribus urbanas crea unas situaciones tan surrealistas e hilarantes que es inevitable echarse unas risas ante una película tan políticamente incorrecta, con toques tarantinianos en su puesta en escena y unas vibrantes escenas de acción con persecución incluida. Si que es verdad que se echa en falta algo más de peso y relevancia para el reparto femenino, que poco o nada puede aportar con papeles tan secundarios(salvo Michelle Dockery, única con un rol que da algo más de sí).

También merece la pena destacar el gran trabajo de diseño de vestuario como elemento clave para caracterizar a los protagonistas: son geniales esos looks dandy de Matthew con esos Louboutin.

Habrá quien diga que Ritchie está con el piloto automático, pero “The Gentlemen” es una buenísima propuesta para hacernos olvidar la cuarentena con esta pandilla de timadores de poca monta, a cargo de un elenco que bien merece la pena.

Nota:7.

“El hoyo”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “El hoyo”, película de Galder Gaztelu-Urrutia presentada en el pasado TIFF, donde ganó el pemio del público de la sección Midnight Madness, y en Sitges 2019 con premio a mejor película. En el reparto, tenemos a Iván Massagué, Antonia San Juan, Zorion Eguileor, Emilio Buale y Alexandra Masangkay.

En la línea de títulos como “Cube” o “Snowpiercer”, “El hoyo” es una fantasía extraña y futurista, con crítica directa a los valores y la lucha de clases del mundo actual, por lo que estamos ante una película con un marcado contexto social.

Como dijo el propio director, la premisa es muy sencilla: nos situamos en un futuro distópico con los confinados en una plataforma subterránea, donde la comida baja diariamente de los niveles superiores a los inferiores y todos luchan por sobrevivir hasta la extenuación. Poco más se puede decir de la película sin destriparla, porque mucho se ha hablado de “El hoyo” como entretenimiento cinéfilo para esta cuarentena, pero es de esas películas que hay que ver para opinar y que polarizan a la audiencia.

La película nos propone todo un experimento sociopolítico dentro t fuera de la pantalla, pese a tener elementos de ciencia ficción. La trama comienza a desarrollarse exponiendo las reglas del “hoyo” y desarrollando a unos personajes que iremos situando según descendamos por la plataforma, trazando una especie de mapa con la ubicación de los protagonistas en los distintos niveles.

Si bien, al igual que en ‘Cube’ (1997), todo ocurre en un único escenario, aquí no se trata tanto de cómo escapar del confinamiento, sino de ver sus consecuencias y para qué sirve esa prisión. En “El Hoyo”, el aspecto social tiene mucho más peso: ¿a qué precio está el protagonista dispuesto a salir de la plataforma? El dilema ético es considerable.

El hoyo’ ha sido criticada ( y con razón, además de por su irregular clímax y su ritmo irregular)por ser demasiado simplista reiterativa en su reflexión sobre la lucha de clases, y es bastante mordaz en ese sentido aunque le falte algo de ‘mala leche”. Es una película que, en la situación que vivimos, nos interpela directamente a los espectadores para que veamos el paralelismo entre nosotros y lo que vemos en la pantalla, esa claustrofobia y el peligro de pensar qué estarán haciendo en el piso de arriba.

El propio Gaztelu-Urrutia afirmó “El ser humano es, en mi opinión, una especie miserable. La película habla de luchar contra lo que somos de nacimiento: una bola de egoísmo que llora y llora y pide y pide”. En la película, el hombre es un lobo para el hombre, un animal cruel e insaciable con los de su misma especie: mientras otros disfrutan del banquete, otroa deben matar para comer.

En definitiva, “El hoyo” es una distopía salvaje, violenta, y hasta estrambótica , esperpéntica y grotesca. Su mensaje es algo pesimista y nos apunta directamente con el dedo, e incluso los personajes más cómicos tienen un lado amargo y oscuro. Puede que no sea la película ideal para ver en plena pandemia, y el final desluce bastante el conjunto, pero es seguro que es una película que no deja indiferente.

Nota: 5/10


“Honey Boy”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Honey boy“, ópera primera de la interesantísima directora Alma Har’el, que nos cuenta un relato íntimo y cercano de una infancia rota.

En concreto, es el propio actor Shia Labeouf quién, para interpretar a su propio padre,se abre en canal y escribe el guión – con tintes autobiográficos- mientras estaba en rehabilitación, inspirándose en su traumática y problemática niñez para llevarla al cine como terapia. Por tanto, conoceremos lo que hay detrás de ese Shia tan polémico y problemático, con una personalidad conflictiva fruto de su tormentoso pasado.

La trama comienza siguiendo al protagonista, Otis Lord, ya adulto ( un Lucas Hedges que me enamora desde “Manchester by the sea”) y en un centro de rehabilitación en 2015. Allí deberá superar el estrés postraumático de haber sido un juguete roto infantil con una figura paterna ausente.

Con este punto de partida, nos retrotraemos hasta 1995 para estudiar la relación entre el Otis de 12 años (Noah Jupe) y su padre James, un payaso de rodeo venido a menos, ex convicto por sus cultivos ilegales de marihuana y con problemas económicos para cuidar a su hijo. El Otis preadolescente se dedica a hacer de doble para su padre y así ganarse la vida mientras viajan sin rumbo fijo y conviven a duras penas en los peores hoteles de las afueras.

La pelicula llega tan adentro que pronto empezaremos a empatizar y a sentir lástima por esta relación paternofilial tan compleja y tóxica. James proyecta sobre su hijo toda su rabia y frustración por sentirse un fracasado, y eso hace que el vínculo entre los dos sea complejo y explosivo, pues Otis no sabe cómo acercarse a su padre y complacerle.

LaBeouf no tiene reparos en reflejar a su padre como un ser monstruoso, pero intenta darle alguna capa de humanidad y justificar por qué actúa así. Junto a él, el resto del reparto cumple con creces.

Además del buen hacer del reparto, de la dirección y del guión, también está muy cuidada la fotografía en tonos pastel,  que da a la película ese toque de fantasía infantil.

En definitiva, “Honey Boy” es una película muy personal que llega y mucho al corazón, una pequeña gran joya del cine independiente donde la conexión y sinergia Har’el/ Labeouf nos regala un producto aparentemente ligero, pero entrañable, sensible y emotivo como pocos. Por tanto, os recomiendo que no os perdáis este honesto retrato de cómo una infancia rota puede influir en quién somos, y cómo liberarnos de esas cargas y fantasmas del pasado, meditando y sanando las emociones que acarreamos.

“Hogar”

¿Qué tal, cinéfilos? Para aliviar esta odiosa cuarentena ( que estoy llevando mas que regular), Netflix vuelve a apostar por el cine español ( tras títulos como “Fe de etarras” ,”¿A quién te llevarías a una isla desierta?“, “Diecisiete” o “Klaus” ) con “Hogar”, la nueva película de los hermanos Pastor (“Los últimos días”, “Infectados”).

La película es un intenso e intrigante thriller, un recorrido por la perturbada y retorcida psique del protagonista, un inmenso Javier Gutiérrez en el papel de Javier Muñoz, un reputado publicista que pierde su empleo y también su vivienda. Todo cambiará cuando descubra que conserva las llaves de su antiguo apartamento y comienza a espiar a los nuevos inquilinos.

El protagonista de éxitos del cine patrio como “Campeones” se luce y brilla reflejando la desazón y la desesperación de un hombre que va asumiendo todo lo que pierde en la vida, sin poder soñar con tiempos mejores. La extraña amistad que establecerá en rehabilitación con su nuevo inquilino será el colmo de un hombre torturado y atormentado, que buscará salir a flote a cualquier precio.

Sin duda, Gutiérrez es la mayor baza de la película, siendo uno de los intérpretes de referencia del cine español, dando rienda suelta en esta ocasión a su lado más turbio y oscuro. De hecho, en el primer acto de ‘Hogar’ sentimos empatía y nos compadecemos del protagonista por la mala racha que está pasando, para pasar después a la repulsión.

Javier es un sociópata astuto y sin remordimientos, cada vez más frío y calculador para conseguir su objetivo. El personaje se va transformando, lenta pero progresivamente, en un monstruo empeñado en violar la privacidad y la intimidad ajena de sus víctimas.

Cierto es que el ritmo de la película es algo irregular, con un arranque algo atropellado para luego desarrollar el suspense y la intriga, teniendo al espectador en tensión constante. Primero, el guión nos introduce en la mente y los traumas del protagonista para que entendamos qué le lleva a relacionarse con el habitante de su antiguo piso, a quien intentará arrebatarle el éxito que él no tiene.

La dirección de los hermanos Pastor va de la mano con la evolución de Javier y nos lleva por lo más oscuro de su mente, y es un buen trabajo, aunque haya aspectos del guión algo forzados.

Por ejemplo, la relación tan tóxica que entablan los personajes de Gutiérrez y Casas podría haber dado aún mucho más juego, drama, empuje y mala leche al relato. ‘Hogar’ es fluida en su narrativa y tiene buen reparto y apartado técnico, y engancha bastante pese a faltarle un pelín para ser del todo redonda.

No es Mario Casas un actor que me apasione, pero aquí hace un trabajo medianamente decente y hace lo que puede con un personaje algo desdibujado, como si están algo mas desarrollados los de Ruth Diaz  y Bruna Cusí como las esposas.

En definitiva, ‘Hogar’ es una propuesta cinéfila mas que aceptable para esta temporada de confinamiento. La película podría ser mucho más cruda y perversa , pero engancha y entretiene por el gran trabajo de Javier Gutiérrez.

Nota: 6.5

“Queen&Slim”

¿Qué tal cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Queen&Slim”, película dirigida por Melina Matsoukas (más conocida por sus incursiones en videoclips y televisión) y protagonizada por el nominado al Oscar Daniel Kaaluya y Jodie Turner-Smith.

La trepidante acción comienza cuando Slim (Daniel Kaluuya) y Queen (Jodie Turner-Smith) deciden cenar juntos tras conocerse por Tinder. Cuando vuelven a casa después de una cita nada prometedora, la policía les detiene el coche y se ven enzarzados en una tensa reyerta, que se saldará con la muerte del agente, en defensa propia. Tras el tiroteo, Queen y Slim emprenderán una frenética huida de la policía del estado de Ohio, donde pasarán de fugitivos a héroes locales.

Queen & Slim es una película de acción al uso, con buen ritmo, adrenalina y directa al grano. Mas allá de la clásica persecución, se narra el viaje interior de dos personas, con el destino final de conocerse a sí mismos, más que escapar de un crimen. A medida que presenciamos el trayecto y la evolución personal de Queen y Slim, irán apareciendo en sus vidas distintas que formarán parte de su huida sin retorno.

La película es también toda una crítica social del racismo imperante en Estados Unidos (en concreto, en el estado de Ohio), con los blancos ejerciendo la fuerza, la violencia y el poder contra los afroamericanos. Queen & Slim va tan directa como un tiro contra el sistema establecido, con un correcto apartado visual.

Queen y Slim, sin pretenderlo, serán el símbolo de una raza que ,hoy día, sigue siendo una minoría discriminada. Además de ese trasfondo social, la película ofrece una más que aceptable factura técnica y una banda sonora que va como anillo al dedo con el tono intimista y oscuro de la cinta. Todo ello unido a un libreto con diálogos afilados y personajes secundarios muy peculiares y variopintos, para dar un tono más original a la película.

Con respecto al reparto, todo el peso de la trama recae en Daniel Kaluuya (Déjame salirViudas) y Jodie Turner-Smith (JettNightflyers), acompañados por Bokeem Woodbine (El lado siniestro de la luna) y una breve pero correcta Chlöe Sevigny (Los muertos no mueren).uscas una película que te sorprenda en muchos sentidos.

En definitiva, pese a algunas licencias de guión, “Queen&Slim” es una vibrante y sorprendente propuesta de accion , con el toque más personal e interesante de unos protagonistas condenados a escapar de su pasado, y nos tiene en todo momento pegados a las pantalla.

Retrocrítica: “Her”

Que tal cinefilos? Con todo lo que estamos reflexionando esta cuarentena, vuelvo a romper la dinámica habitual del blog para escribir retrocrítica de una de las peliculas que mas me ha marcado estos útimos años. Se trata de “Her”, un romance de ciencia ficción en un futuro distópico, una joya y obra maestra dirigida y escrita por Spike Jonze (‘Cómo ser John Malkovich’, ‘Adaptation’, ‘Donde viven los monstruos’) que no se podia quedar sin reseñar.

‘Her’ es una carta abierta y personal de un cineasta que se abre en canal, así como un bellísimo retrato del amor y la soledad en una sociedad que avanza a pasos agigantados, la tecnología a la vez que nuestra manera de ver el mundo. Es la extraña, pero plausible historia de amor entre Tweodore Twombly (un dulce y cautivador Joaquin Phoenix, desde ese primer plano con sus ojos verdes) , un sensible y enamoradizo escritor recién divorciado de su mujer Catherine (Rooney Mara), y un sistema operativo de inteligencia artificial llamado Samantha (imprescindible la voz original de Scarlett Johansson, sustituyendo a ultima hora a Samantha Morton).

Digo que esta es una película muy personal de Jonze por ser su respuesta al “Lost in Translation” de su ex exposa Sofia Coppola. Si el marido de Scarlett Johansson en aquella cinta estaba inspirado en el, en este caso el personaje de Catherine y su dedicatoria final van dedicados precisamente a la directora , mas allá de tener en común a personajes que se sienten perdidos y vacíos en la inmensidad de los rascacielos asiáticos. Allí teníamos a Charlotte en Tokyo, aquí a Theodore en Shanghai, pero el relato es casi igual de brillante y demoledor: en torno al sentirse solo incluso entre un monton de gente.

Es muy difícil no empatizar con Theodore y engancharse con las conversaciones que mantiene con su OS. Theodore se encuentra intentando superar su ruptura matrimonial con la ayuda de su amiga Amy (Amy Adams) y su compañero Paul (Chris Pratt), su único contacto real con el mundo).

Ese aislamiento que experimenta Theo mientras pasea y observa silenciosamente como la gente apenas interacciona cala hondo y hace que sintamos muy natural y nuestra esta historia de amor de Spike Jonze , clásica y original al mismo tiempo, sobre todo por regalarnos una de las escenas de sexo mas curiosas del cine.

Theodore —un inmenso y entrañable Joaquin Phoenix somos todos y cada uno de nosotros intentando compartir nuestra vida con quien creemos que merece la pena.

Mediante unos preciosos flashbacks, veremos cómo se siente Theodore con respecto a Catherine y qué fallo en su matrimonio, para volver a la dolorosa realidad de lo plausible que puede llegar a ser enamorarse de maquina capaz de sentir y madurar como un humano, en una inteligencia artificial que nos supera.

Futurista pero real como la vida misma, ‘Her’ es una obra maestra que ha ido ganandome mas y mas con el paso de los años, merecedora de mucho mas reconocimiento en su epoca que ese Oscar a guion original que gano y la nominacion para “The moon song”. Ojala el merecido premio de Joaquin por “Joker” sirva para reivindicarla.