Nuevo mes, nueva aventura…Luces, cámara y…acción!☺

Hola,hola! Bueno, no tenía blog hasta ahora por falta de tiempo, y siempre dije que me haría uno dedicado al cine, algunas series y la lectura📖🎥🎬(sobre moda me da pereza jeje,  y los que me sigáis ya en ig conoceréis de sobra mi faceta de crítica😁) cuando los estudios lo permitieran; asique aquí estoy con el comienzo del mes cinéfilo por excelencia, el de los Oscar:)🎥. Espero que os gusten mis recomendaciones en este, mi rincón cinéfilo. 
En los próximos posts os hablaré de pelis como múltiple(que toca hoy) y las protagonistas de la carrera hacia los oscar, libros como la trilogía del baztán o series como riverdale (basada en los cómics de archie, he leido buenísimaas críticas sobre ella) o taboo , con un magnífico tom hardy.
Feliz miércoles y hasta el próximo post☺😘

Cenicienta

Cenicienta

¿Qué tal ,cinéfilos? Os traigo crítica de la Cenicienta (2021) de Amazon Prime, escrita y dirigida por Kay Cannon (Pitch Perfect) con James Corden, Idina Menzel,Billy Porter y Pierce Brosnan acompañando a  Camila Cabello en su debut cinematográfico.

Cenicienta 2021

Esta revisión del cuento de Perrault con fotografía de Henry Braham y música de Jessica Weiss, nos trae todo un mensaje de empoderamiento femenino y de respeto a la diversidad, con Porter como hada madrina.

En la línea de Cinderfella (1960), Cindy (1978), Cinderella (1997) con Whitney Houston, o Por siempre jamás (1998) ,y de la versión con Lily James, volvemos a esta historia de una muchacha explotada por su madrastra y hermanastras, que luchará por sus sueños y por amar a un príncipe más allá del hechizo en el baile.

Sin duda, si algo destaco de la películas es una banda sonora con Rythm of Nation de Janet Jackson, Jennifer López con Let’s get loud, QueenMadonna The White Stripes o Ed Sheeran.

Cenicienta (2021) se estrena el próximo 3 de septiembre en Prime Video y durante la campaña de promoción Camila Cabello ha explicado que la versión crea un universo de “representación y diversidad”. Palabras al son de los tiempos donde la exintegrante de Fifth Harmony alude, por ejemplo, a la figura de Billy Porter, un hada madrina calzada de pedrería. Las proyecciones de empoderamiento son diversas, como la Princesa Gwen (Tallulah Greive), el tropo de la joven e inteligente ejecutiva con ideas de progreso; la Reina Beatrice (Minnie Driver), quien desea ser escuchada y tenida en cuenta, ya que alzar la voz no es suficiente; o Ella, quien primero persigue su realización laboral.

Aunque el más llamativo es el personaje de la madrastra Vivian (Indina Menzel), con quien se trata de simpatizar desde el prisma de los sueños frustrados y la conciliación personal y profesional. La madrastra tiene escenas musicales divertidas, como Material Girl, ojalá hubieran mostrado más esta mala madre-humana que desea el bien para sus hijas desde los peores medios.

Si se desea fidelidad literaria, puede leerse el texto original donde la hermanastra se desfigura el pie para probarse el zapato. En el apartado técnico de Cenicienta (2021) hay elementos tan siniestros como el de los Grimm, en concreto, la tecnología que creó a los tres ratoncitos. Otra presencia inquietante en Cenicienta (2021) es el propio James Corden, los momentos más edulcorados de la pareja se ven interrumpidos por chistes de situación que pueden resultar divertidos para los más pequeños de la casa pero quizás incomoden o interrumpan a los mayores.Copyright Amazon Prime Video

Princesas del siglo XXI en Cenicienta (2021)

Atrás quedaron las princesas como protagonistas pasivas a quienes les sucede la trama, desde Brave (2012) una nueva generación de princesas desea ver mundo y trabajar porque el público exige otras visitas y miradas a los clásicos. Cenicienta (2021) es una película young-adult con el mensaje acertado sobre crecimiento e independencia, rebelarse y alzar la voz es lo natural y este padre, ¡Pierce Brosnan!, es cómico y consciente de ello.

Esta versión es lo suficientemente moderna, aunque con personajes normativos donde la fábula se centra en el ascensor social y el amor. Obvio, el público no tiene por qué esperar un tono ni mensaje diferente. Cenicienta (2021) es divertida, alegre, banal y mamarracha, no se toma en serio a si misma y hará septiembre menos terrible. Un lugar feliz y familiar, conocido gracias a las canciones versionadas, donde el espectador puede sentirse seguro.

Esta versión es lo suficientemente moderna, aunque con personajes normativos donde la fábula se centra en el ascensor social y el amor. Obvio, el público no tiene por qué esperar un tono ni mensaje diferente. Cenicienta es divertida, alegre, banal y mamarracha, no se toma en serio a si misma y hará septiembre menos terrible. Un lugar feliz y familiar, conocido gracias a las canciones versionadas, donde el espectador puede sentirse seguro.60%VALORACIÓN FINAL

“Reminiscencia”

Dicen las malas —o buenas— lenguas que es tremendamente probable que cualquier historia que se narre hoy día, sea en el medio que sea e independientemente de géneros, estilos y tonos, ya se haya contado de mil y un formas con anterioridad. Esto, que puede sonar desolador, no es algo necesariamente negativo, ya que en esto de la expresión artística siempre hay cabida para salpimentar arquetipos y dar forma a obras refrescantes y originales pese a estar apuntaladas sobre unos cimientos sobradamente conocidos.

Desgraciadamente, en ocasiones, las explosiones de creatividad no son suficientes para estimular la mente del espectador y hacerle olvidar referentes preexistentes. Es entonces cuando, viendo un largometraje, el metraje que circula en pantalla queda en segundo plano; quedando ocupado su lugar por los recuerdos de títulos que ya hicieron lo mismo previamente —y, posiblemente, mejor—, y por una sucesión de patrones repetidos hasta la saciedad que terminan lastrando la experiencia.https://aa97fee7608e7cb5d4b69a4cce8f675a.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html?n=0

Este es, precisamente, el principal mal del que adolece ‘Reminiscencia’; el debut en la gran pantalla de la, hasta ahora, catódica Lisa Joy —’Westworld’—. Un ambicioso y aguado cóctel de cine negro quintaesencial en clave de ciencia ficción que, aunque posee un innegable atractivo en términos conceptuales, se ve lastrado por una narrativa soporífera y desacompasada, y por una retahíla de lugares —muy— comunes engalanados con una pomposidad casi impostada.

Noir 3.0

El estreno español de ‘Reminiscencia’ llega precedido por el infame récord que la sitúa como el peor estreno de todos los tiempos en Estados Unidos para una película lanzada en más de 3000 cines. Desde que se conoció el dato, se han estado buscando explicaciones de todo tipo a semejante batacazo comercial; aunque tras haberla visto mucho que temo que, dejando a un lado su pobre campaña promocional, el principal responsable de la debacle ha sido la propia producción y lo soporífero de su contenido.

Mientras un plano secuencia de situación digital —no demasiado bien resuelto, todo sea dicho— nos ubica en una costa este estadounidense distópica asolada por las inundaciones, el filme nos da la bienvenida a su peculiar universo a través de un farragoso primer acto que pone sobre la mesa todas las cartas que se irán jugando posteriormente, y que están centradas en su mayoría por los clichés más sobados del noir clásico y sus réplicas contemporáneas; incluyendo la presentación de una femme fatale, esencial en la historia, que roza lo caricaturesco a estas alturas.

Puede que la mayor declaración de intenciones referencial de la cinta sea la utilización de una voz en off que, pese a cumplir con su cometido, embarra la narración entre frases rimbombantes y un abuso del recurso. A través de los pensamientos verbalizados del protagonista, ‘Reminiscencia’, únicamente en su primer acto —y esto se extenderá a lo largo de toda la proyección—, subraya temas y tesis, aporta contexto, sobreexplica y bombardea los tímpanos del respetable con una exposición oral necesaria para rellenar huecos y hacer que el conjunto vaya cobrando un mínimo de sentido.

Una vez entrados en la primera mitad de su segundo acto, a pesar de que el aburrimiento empieza a hacer acto de presencia, derivado de un ritmo errático y de una progresión dramática que invita a pensar en una temporada completa de una serie resumida resumida en un par de horas, el enigma que plantea la trama es lo suficientemente potente como para mantener unos mínimos de atención. Pero este espejismo tarda poco en desvanecerse, revelando secretos a voces no tan sorprendentes a golpe de diálogo que desembocan en un fin de fiesta que, cuando llega, ya es demasiado tarde.

Esta sensación de estar ante una producción catódica se refuerza por el predominio de planos medios y cortos en una puesta en escena que, salvo destellos puntuales, se muestra poco inspirada y en las antípodas del gran acierto de la película: un notable diseño de producción retrofuturista que se las apaña para dar forma a un mundo único, tangible y rico en detalles que extrae oro del modesto —teniendo en cuenta sus aspiraciones— presupuesto cercano a los 80 millones de dólares. Si a esto le sumamos la solvente dirección de fotografía de Paul Cameron —por debajo de sus trabajos más brillantes como ‘Collateral’, eso sí—, las dudas sobre que el mayor atractivo del largo es su forma se disipan por completo.

Entre bostezos puntuales, miradas furtivas al reloj y retazos de admiración por la entregada labor de Hugh Jackman y, sobre todo, de Rebecca Ferguson, ‘Reminiscencia’ apela a la memoria del espectador del modo menos deseable posible; recordándole secuencia a secuencia que existen maravillas neo-noir/sci-fi como ‘Blade Runner’, clásicos como ‘Perdición’ o ‘El halcón maltés’ y rompecabezas contemporáneos como ‘Memento’ —inspiración confesa de la directora— que ya tocaron las mismas teclas, pero de un modo mucho más satisfactorio.


Crítica de Maligno (Malignant), el retorno de James Wan al terror contando con la actriz principal de Annabelle, Annabelle Wallis, como protagonista. Estreno el 3 de septiembre de 2021.

Larga ha sido la espera hasta poder hablaros de Maligno, la nueva película de terror de James Wan. Se trata de una apuesta arriesgada que había generado mucha suspicacia, alimentada por la ausencia de pases de prensa previos al estreno de la película (que llegará a EE.UU. el día 10). Finalmente, hemos podido ver el nuevo trabajo del director malayo que supone algo nuevo en su filmografía.

Como es sabido por muchos de nuestros lectores ya, Wan es una institución en el género del terror desde que en 2004 debutara con Saw y también todo un talento a la hora de fundar franquicias de horror originales, diferentes, pero siempre angustiantes, como en el caso de Insidious, que tuvo su secuela en 2013. Aquí queda apuntado al final un posible regreso también en forma de secuela.

Para esta película, Wan ha contado con sus colaboradores habituales, el director de fotografía Don Burgess y el montador Kirk Morri, la diseñadora de producción Desma Murphy, así como la diseñadora de vestuario Lisa Norcia.

La música es obra de Joseph Bishara, quien ha compuesto la banda sonora de las siete películas del universo de Expediente Warren: The Conjuring, entre muchas otras obras Conjuring (Annabelle, Annabelle:

Expediente Warren que resuene en Maligno?

El guión de Maligno ha sido coescrito por Wan y Akela Cooper, quien también está detrás del guión de La Monja 2, aún sin fecha de estreno definida. Y la cinta, está protagonizada por una excelente Annabelle Wallis, que protagonizó el spin-off Annabelle en 2014 y aquí se entrega en cuerpo y alma.

Y hasta aquí las concomitancias, porque Wan ha querido realizar una película pequeña y modesta con la que pudiera rendir homenaje al giallo o lo que es lo mismo, hundirse en los orígenes de un tipo de cine que combina slasher, terror psicológico y sobrenatural, policiado y misterio aunque sin plegarse del todo a sus reglas estilísticas. En suma: ha querido jugar y experimentar.

Maligno

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¿De qué va la película?

Maligno nos cuenta la historia de Madison, una mujer que es testigo de terribles visiones dignas de las peores pesadillas. Las cosas no mejoran cuando se da cuenta de que estas visiones no están solo en su cabeza sino que realmente están teniendo lugar en nuestro mundo y que están relacionadas con su tormentoso pasado familiar.

A grandes rasgos, podemos decir que Maligno es una película fallida y tremendamente irregular. No ayuda en absoluto la banda sonora de Bishara: en esta ocasión su trabajo es mucho menos convincente, con unos contrastes que hacen que haya secuencias que descarrilen en el tono y arruinen el clima de la película.

películas de miedo

Sin embargo, Wan sabe cómo generar inquietud y estremecimientos en la audiencia: rueda de forma sagaz algunas escenas de acción y otras de verdadero terror y juega con algunos elementos de la escenografía y el punto de vista de los personajes que demuestra un enorme dominio de la psicología del espectador.null

La película descarrila cuando gira para introducir precisamente esos homenajes: aunque los encuadres, el color, los primerísimos primeros planos o la faceta expresionista de la interpretación de los protagonistas es muy acertada, otros aspectos nos remiten a un cine de serie B que no le hace justicia a lo que esta película podría haber sido.

Hay diálogos sonrojantes, los personajes no paran de tomar decisiones estúpidas y las relaciones que hay entre ellos no solo no son creíbles sino que rozan lo ridículo.

maligno malignant james wan

En fin, Maligno es una película de terror algo extraña, pero no por ello menos interesante porque cuenta con destellos de genialidad repartidos en su irregular metraje. Es una de esas cintas que te hace salir del cine chasqueando la lengua y pensando: “Maldita sea, dentro de esta película había una gran película de terror arruinada por malas decisiones de base”.

Aunque Wan es un habitual en el cine de terror desde el guión, la dirección y la producción, no le hace ascos a otros géneros: dos de sus películas más recientes han estado centradas en el UCM, con Aquaman en 2018 y Aquaman and the Lost Kingdom, que actualmente se encuentra en pleno rodaje.

El caso es que, cuando regresa al género, parece querer seguir indagando en él para aportarle algo nuevo, cosa que quienes seguimos su carrera agradecemos, incluso cuando no entrega trabajos redondos.

Sin embargo, Wan sabe cómo generar inquietud y estremecimientos en la audiencia: rueda de forma sagaz algunas escenas de acción y otras de verdadero terror y juega con algunos elementos de la escenografía y el punto de vista de los personajes que demuestra un enorme dominio de la psicología del espectador.null

La película descarrila cuando gira para introducir precisamente esos homenajes: aunque los encuadres, el color, los primerísimos primeros planos o la faceta expresionista de la interpretación de los protagonistas es muy acertada, otros aspectos nos remiten a un cine de serie B que no le hace justicia a lo que esta película podría haber sido.

Hay diálogos sonrojantes, los personajes no paran de tomar decisiones estúpidas y las relaciones que hay entre ellos no solo no son creíbles sino que rozan lo ridículo.

maligno malignant james wan

Aunque Wan es un habitual en el cine de terror desde el guión, la dirección y la producción, no le hace ascos a otros géneros: dos de sus películas más recientes han estado centradas en el UCM, con Aquaman en 2018 y Aquaman and the Lost Kingdom, que actualmente se encuentra en pleno rodaje.

El caso es que, cuando regresa al género, parece querer seguir indagando en él para aportarle algo nuevo, cosa que quienes seguimos su carrera agradecemos, incluso cuando no entrega trabajos redondos.


“Annette”

¿Qué tal,cinéfilos? Comienzo septiembre por aquí con crítica de Annette de Leos Carax, drama/ópera rock con Marion Cotillard, Adam Driver y un magnífico y sorprendente Simon Helberg (muy alejado de Big Bang Theory) ofreciendo grandes interpretaciones y dando el do de pecho con las canciones del grupo Sparks.

Encargada de abrir el pasado festival de Cannes y disponible en Filmin a partir de noviembre, no dudo en afirmar que se trata de mi película favorita del verano, e incluso del año, por el momento.

Annette

“Annette” es todo un perturbador despliegue audiovisual que consigue no dejar indiferente al espectador, una propuesta arriesgada no apta para todos los paladares que mezcla la belleza y lo grotesco en una crítica crítica al mundo del espectáculo y a la masculinidad tóxica. Inclasificable la mezcla de sensaciones que nos produce su visionado y todo lo que la película da que pensar cuando la maduramos.

En la línea de la locura de la parte de Kylie Minogue en “Holy Motors”, el director (gracias a una magnífica banda sonora como hilo conductor) logra desafiarnos y grabar escenas en nuestra nuestra memoria. Ya desde el comienzo con ese “So may we start?”, con ruptura de la cuarta pared, nos sumergimos y dejamos llevar por la trama, con untono grandilocuente y teatral,interludios informativos y un gran uso del color verde en los momentos clave.

En un Los Ángeles lleno de luces de neón, presenciamos como las vidas de Henry McHenry, un monologuista conductor Ape of God, y Ann (cantante de ópera de fama mundial) dan un vuelvo al nacer su misteriosa hija Annette, entre celos,muertes,engaños, me too y explotación infantil en el show business.

Además de sacar oro de un gran cast, es de alabar en la dirección de Carax el buen gusto en los movimientos de cámara, con la iluminación y los fundidos de negro, y el recurso metafórico de dar más vida y sentimientos a un objeto inanimado (como es una marioneta) que empatia y emociones a los personajes de carne y hueso.

En definitiva,  Annette es toda una experiencia metaartistica que ha polarizado al público, deslumbrando y perturbado por igual durante más de dos horas de metraje. Entrad en el juego y os cautivará, aunque no seáis demasiado adeptos del musical.

VALORACIÓN:8.

Bueno

Lo mejor

Escenas bellas e impactantes (el cunnilingus de “We love each other so much”, principio y final apoteósicos) y Baby Annette.

Lo peor

Que la película quiera ser más de lo que es.

“Cuestión de sangre”

¿Qué tal, cinéfilos? Ya va acabando agosto al fin y vamos con una de las mejores opciones de la cartelera veraniega.

Hoy os traigo critica deCuestión de sangre (Stillwater), película de Tom McCarthy (La voz más alta y Spotlight) con Matt Damon,Abigail Breslin y Camille Cottin estrenada el pasado 13 de agosto. El guión es de Thomas Bidegain,Noé Debré,el propio McCarthy y Marcas Hinchey, la fotografía fe Masanobu Takayanagi y la música deMychael Danna.

Esta historia de padre coraje, entre el thriller y el drama, adapta libremente el caso de Amanda Knox, con ciertas licencias en el crimen y en el final.

Cuestión de sangre (Stillwater)

El protagonista es Bill Baker (Matt Damon) ,un operario del sector petrolífero que viaja a Marsella para ver e intentar liberar a su hija de prisión. Tras un juicio mediatizado por ser mujer, extranjera y lesbiana,no será nada fácil demostrar la inocencia de Alison (Breslin), que afirma no haber cometido el crimen que acabó con la vida de Lina, una joven de otra cultura y estatus que conoció al irse a estudiar al país galo .

Cumplidos cinco años de los nueve de condena, un rumor hará que Bill, un padre no muy loable hasta entonces, decida trasladarse a Marsella y dar un giro a la investigación. Esta decisión moral nos regalará los mejores momentos de la película, con las escenas entre padre e intentado reconducir su distanciamiento y altibajos.

En esta guerra judicial Estados Unidos y Francia, un posible votante de Trump como Baker se encuentra con Virginie y Maya (una actriz de teatro y su pequeña hija,forofa del Olympique), quienes serán claves en para trama y le ayudarán a crecer compañía persona.

Cuestión de sangre alarga lo que quiere contarnos en un excesivo metraje de 2h 20 minutos,pero el devenir del proceso judicial enganchan al espectador, con las miradas y conversaciones de la relación paternofilial. El giro del clímax final y el sentido del desenlace dan a la película en un tono más cálido y emotivo entre tanta rudeza del personaje.

Respecto al reparto,Matt Damon hace suyo un personaje arquetípico pero complejo que se busca a si mismo liberándose del rencor y los errores del pasado.

En definitiva,una muy notable película para acabar el periodo estival reflexionando sobre el sistema y el concepto de justicia.

“A classic horror story”

¿Qué tal,cinéfilos? Menos mal que ya queda menos para acabar agosto. Tras una semana de descanso, volvemos con critica de “A classic horror story”, una suerte de mezcla de “La matanza de Texas” y “Midsommar” dirigida por Roberto De Feo y Paolo Strippoli y estrenada el pasado 14 de julio en Netflix.

Protagonizada por Matilda Anna Ingrid Lutz (Elisa), Francesco Russo (Fabrizio) o Will Merrick (Mark), el guión está firmado por los directores,Lucio Besana y Roberto de Feo entre otros, la fotografía es de Emanuele Pasquet y la música se Massimiliano Mechelli.

La trama gira en torno a cinco jóvenes que, en su viaje en autocaravana, irán a parar a una casa rural en un recóndito paraje del bosque del sur se Italia,como si de “Posesión infernal” se tratara. Entre el suspense ,el folk horror, “Scream” y el gore de Tobe Hooper (hay escenas muy violentas), los protagonistas lucharán por salvar sus vidas.

La trama arranca presentando a los cinco personajes con los clichés del género (el soberbio y cabreado,el líder del grupo, el “pardillo”) , y tiene elementos repetitivos y de refritos de lo hemos visto en el género: la película no es nada novedosa ni se toma en serio, pero no es tan aburrida y predecible como algunos productos de terror reciente (con un giro que explica el precipitado final y juega con la inteligencia de un espectador que lo ha intentado prever).

Durante su poco más de hora y media de metraje, no se le puede pedir más para una tarde de verano que que nos enganche y a veces nos agarremos al sofá, con más misterio y atmósfera que terror en sí (algo trillado, pero sin abusar de los jumps scares con música a todo trapo). El uso del sonido en las escenas más violentas acentúa un realismo que llega a veces a paralizar y a revolver el estómago del espectador,con canciones italianas de fondo.

La escenografía de Emanuele Pasquet deja estampas impactantes y una oscuridad para conectar con la historia, mientras los movimientos inmersivos de cámara nos llevan por el viaje.

Más allá de la tortura que sufren los peesonajes, como fallo de la prlícula, el guión se La clásica historia de terror (A Classic Horror Story) apenas se para a desarrollarlos y hacernos empatizar con ellos, solo los explora y construye en ciertas escenas de relleno. Eso sí, los actores cumplen con su cometido y aportan ciertos matices con interpretaciones muy naturales (mención especial a Matilda Ana Íngrid Lutz y Francesco Russo).

Además, también hay cierto espacio para la reflexión y la crítica social con respecto al morbo de la violencia gráfica y explícita en el cine.

En definitiva, La clásica historia de terror (A Classic Horror Story) es un terrorífico y desasosegante relato que casi triunfa en su intento de tener un sello propio frente a las películas que les ha inspirado,le doy un 6 (bien,acwpt.

“Old”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo rítica de Tiempo (Old), lo último de la perturbadora filmografía de M. Night Shyamalan,que dirige y escribe la historia (Señales, La visita-que me gustó menos-, El protegido, El sexto sentido, El bosque).

En esta ocasión, el indio- estadounidense ha vuelto a polarizar a público y crítica, cosechando alabanzas y malas reviews a partes iguales. Con un tono muy filosófico,y rodada en plena pandemia con las dificultades del clima,no falta para nada el toque del director (cameo incluido).

Basada libremente en la novela gráfica “Castillo de arena” (“Sandcastle”) de Pierre-Oscar Lévy y Frederick Peeters, , Shyamalan aporta su visión particular a una premisa interesante,pero que podría haber sido más redonda y aprovechada al final: la trama gira en torno a varias familias que, descansando en una remota playa, hallan el cadáver de una mujer y sufrirán grandes vuelcos en sus vidas.

Aislados y sin manera de contactar con el exterior, escabrosos y oscuros acontecimientos ocurrirán en una misteriosa cala que no alberga nada bueno: todos sufrirán el paso del tiempo y el consiguiente deterioro mientras intentan escapar. ¿Con qué motivo? ¿Por qué han llegado hasta allí?

Lo que la novela deja en el aire para reflexionar, la película lo acaba sobreexplicando con poco acierto en el clímax final, en un interesante (aunque imperfecto ) relato sobre la naturaleza humana que no deja de mantener en tensión al espectador. Tiempo atrapa si entras en su juego y te dejas llevar, aunque haya escenas y diálogos que sacan ligeramente de la trama y provocan el efecto contrario.

Shyamalan a veces ata todo demasiado, y otras deja cabos sueltos, no se hubiese “mojado” tanto, y añade algo de humanidad al guión para intentar que empaticemos con los personajes.

Como puntos positivos, el pulso y buen hacer del director y del reparto (Rufus Sewell, Gael Garcia Bernal, Alex Wolff, Thomasin Mackenzie,Vicky Kriepps) en una historia tan coral y poliédrica con tantos personajes. Mención especial al trabajo del equipo de maquillaje y los efectos especiales, todo un reto.

Conforme avanza la trama, se va manejando la tensión con barridos de cámara,pesadillas, ojos desorbitados, miedo y angustia de los personajes, con un gran uso del escenario con apenas presupuesto.

Un poco tramposa en su final, la película lanza al aire interrogantes muy interesantes:¿en qué consiste envejecer, y crecer? ¿Somos trascendentes o contingentes?

La película aborda (a veces, de manera descorazonadora) la certeza del final que nos llegará tarde o temprano,como ese castillo de arena que se deshace con el agua.

Bueno

Lo mejor

El casting, la forma de rodar de Shyamalan y el existencialismo.

Lo peor

Los agujeros de guión y los momentos de sobreexplicación innecesarios.

“Jungle Cruise”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo critica de Jungle Cruise,una veraniega película de aventuras llegada a salas y plataformas simultáneamente (polémica tras la demanda de Scarlett Johansson a Disney).

Jaume Collet Serra (“El pasajero”, “Infierno azul”) dirige a The Rock, Emily Blunt, Edgard Ramirez,Paul Giamatti, Jesse Plemons e incluso a Dani Rovira en un cameo, con guión de Glenn Ficarra, John Requa y Michael Green.

Jungle Cruise cartel

Basada en la famosa atracción de DisneyWorld, y con tintes de “La Momia” o “Piratas del Caribe” (pero inferior a estas), la trama narra como Lily (una científica británica interpretada por Blunt) y Frank (capitán de barco) buscan un árbol con propiedades curativas mientras surcan el Amazonas.

La misión resultará en una arriesgada odisea (más de dos horas que arrancan de manera espectacular,pero abusando de chistes, del CGI y bajando de intensidad en el tramo final) frente a los peligros y misterios de la selva.

En definitiva, una opción estival de cine para toda la familia, que gustará a los pequeños y entretendrá a los mayores, creando una (medianamente aceptable para una tarde de agosto) de acción y aventuras en torno a una atracción, decayendo el ritmo en la segunda mitad y con gran química entre los protagonistas. Quizá le sobre algo de metraje y debiera profundizar algo más en la relación entre ellos,y divagar menos en la trama de los conquistadores españoles, pero se deja ver.

“The Seventh Day”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de Y al séptimo día (The Seventh Day), película de terror para Netflix escrita y dirigida por Justin P. Lange (The Dark) y protagonizada por Guy Pearce , Vahdir Derbez y Stephen Lang.

La trama gira en torno a dos exorcistas, un novicio y otro ya veterano, que unen fuerzas en una investigación donde también se enfrentarán a sus demonios internos.

Y al séptimo día

El guión resulta en un refrito sin alma de películas del género, sin llegar la película a crear en ningún momento la atmósfera que enganche al espectador. El director Justin P. Lange debutó con The Dark (2018) ,un interesante slasher, pero aquí pierde el pulso narrativo y prefiere adentrarse en la psicología de los personajes que crear terror (incluso estos están desdibunadosy poco desarrollados).

Tras la poderosa e inquietante escena inicial (exorcismo incluido), donde se nos introduce en los peligros que afrontarán los protagonistas, el interés se va diluyendo conforme avanza el metraje y poca cosa funciona.

En cuanto al reparto, Guy Pearce está correcto como un peculiar sacerdote veterano,y Vadhir Derbez cambia de registro como su joven ayudante, pero aporta menos con su interpretación.

Salvo el prometedor arranque y um par de escenas (como aquellas en la casa dónde un niño ha cometido unos asesinatos o la búsqueda de un demonio entre unos vagabundos), la película no encuentra su camino ni cautiva, ni como terror,ni tampoco como buddy movie o thriller de investigación sobrenatural. Entre los clichés palomiteros y la trama religiosa( Stephen Lang es un Arzobispo que mostrará la burocracia de la Iglesia Católica para luchar en secreto contra el mal), la película hace aguas por un enfoque inadecuado, con numerosas incoherencias y previsibles giros de guión.

Más allá de los jump scares, parece quec Justin P. Lange no tenía muy claro qué ofrecer con su película, en un compendio mal hilado de ideas dispersas donde no presta atención suficiente a la imaginería religiosa, a la lucha entre el bien y el mal, ni a los personajes.

¿Qué te ha parecido la película?Nota:5/10

Y al séptimo día