Nuevo mes, nueva aventura…Luces, cámara y…acción!☺

Hola,hola! Bueno, no tenía blog hasta ahora por falta de tiempo, y siempre dije que me haría uno dedicado al cine, algunas series y la lectura📖🎥🎬(sobre moda me da pereza jeje,  y los que me sigáis ya en ig conoceréis de sobra mi faceta de crítica😁) cuando los estudios lo permitieran; asique aquí estoy con el comienzo del mes cinéfilo por excelencia, el de los Oscar:)🎥. Espero que os gusten mis recomendaciones en este, mi rincón cinéfilo. 
En los próximos posts os hablaré de pelis como múltiple(que toca hoy) y las protagonistas de la carrera hacia los oscar, libros como la trilogía del baztán o series como riverdale (basada en los cómics de archie, he leido buenísimaas críticas sobre ella) o taboo , con un magnífico tom hardy.
Feliz miércoles y hasta el próximo post☺😘

“El páramo”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “El páramo”, debut de David Casademunt en el largometraje (también coescribe el guión con Marti Lucas y Fran Menchón)tras documentales y cortos y unas de las primeras propuestas de terror de Netflix para este año tras su paso por Sitges.

En el reparto tenemos a Inma Cuesta (Lucía),
Roberto Álamo (Salvador),Asier Flores (Diego) y Víctor Benjumea (Hombre de la barca), la fotografía es de Isaac Vila y la música de Diego Navarro.

El Páramo

Recordándome ligeramente a “Un lugar tranquilo”, la trama narra la historia de una familia aislada en su territorio que deberá enfrentarse a una bestia que pondrá a prueba su unión. Se ambienta en pleno siglo XIX en con sus guerras y peligros, transcurriendo la acción en el refugio de madera de la familia formada por Lucía, Salvador y su hijo Diego.

El Páramo

Ya desde el principio se crea una atmósfera tensa y asfixiante para no dar tregua al espectador y mostrar lo que está por venir, y es que la película resulta magnética pese a sus errores.

La química entre Inma Cuesta y Asier Flores hace que empaticemos y nos lleva del terror psicológico al drama sobre la madurez, y merecen mención especial los dos monólogos de un Roberto Álamo exprimiendo su personaje. Muy bien la dirección de actores.

El problema para El Páramo es que el guión puede resultar algo monótono en su única localización, con un tercer acto en el que decae la acción y unas voces en off de los personajes que no aportan demasiado narrativa mente. Pese a ello, es muy interesante el arco del personaje de Diego, luchando entre la audiencia de su padre, el desgaste psicológico de su madre y sus propios miedos: el peligro le hará crecer.

El debut David Casademunt no está nada mal para seguir puliendo su estilo directivo, cayendo aquí en el fallo y cliché de usar en demasía la música a todo volumen para potenciar la atmósfera de terror. Sí hace buen eso del apartado técnico con una fotografía y una iluminación realista, con tonos cálidos y contraluces alternándose alternándose con colores fríos y oscuras en las escenas de noche, algo importante para sumergimos sumergirnos en la trama.

El Páramo es una película imperfecta, pero con un aceptable manejo del terror psicológico y un buen relato sobre la madurez.

“The Tender Bar”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “The Tender Bar”, adaptación de la biográfica “El bar de las grandes esperanzas” de J.R. Moehringer que George Clooney (“Suburbicon”, “Los idus de marzo”, “Buenas noches y buena suerte “) dirige para Amazon Prime, resultante en un fallido  coming-of-age con un solvente Ben Affleck.

El relato se centra en como el protagonista (el propio autor de la novela) va superando la audiencia paterna y llega a a madurez, algo ha visto muchas veces pero contado con un toque muy personal y natural en las páginas del libro, al que la película no le hace justicia.

Tras un buen arranque, y pese a no resultar tan fresca o novedoso al final, sí diría que merece la pena pena visionado por ver a ese tío interpretado por Affleck y a unos cuantos personajes bastante curiosos: aquí es donde Tye Sheridan podría haber aportado más con su papeli

Clooney busca soltura en la trama, que empaticemos y nos dejemos llevar, pero ‘The Tender Bar’ peca algo de clasicismo y excesiva corrección en su narrativa: conforme avanza avanza metraje y el protagonista pasa de niño a adolescente, el tono íntimo y familiar pasa a los amores imposibles y a las frustraciones de un escritor buscándose a sí mismo.

En definitiva, a ‘The Tender Bar’ le falta algo de fuerza y garra para transmitir los claroscuros de parte de la vida de Moehringer ,pudiendo sacar más provecho del tono biográfico y aportar algo más que una película simplemente bien intencionada que sea indiferente tras su visionado. Es interesante el jugo que se podría haber sacado a la historia y al material literario si el ritmo y el interés del metraje se mantuvieran toda la película.

‘The Tender Bar’ es una llegada a la madurez de la que ojalá pudiera destacar más cosas positivas que el buen trabajo de Ben Affleck

“El contador de cartas”

Qué tal,cinéfilos? Traigo crítica de lo último de Paul Schrader (“First reformed”) , con un genial Oscar Isaac acompañado de Tiffany Haddish, Tye Sheridan y Willem Dafoe. Una interesante película independiente presentada en Valladolid y una de las primeras gratas sorpresas de 2022.

El contador de cartas

Jugando cartas ganadoras,Schrader ofrece un retorcido relato con un personaje perturbado de los que a mí me gustan, siendo el protagonista una especie de Joker enfrentándose al drama existencial.

El contador de cartas nos presenta a William Tell, un exmilitar que cumple condena tras someter a presos a interrogatorios tortuosos y vejaciones de todo tipo como privación del sueño, palizas, amenazas, e incluso ahogamientos. Durante su estancia en la cárcel, Tell da rienda suelta a la ludopatía nivel TOC, especializándose en diseccionar y desarmar a los oponentes mientras permanece en el anonimato y viaja a campeonatos de Estado en Estado en busca de dinero.

Todo cambiará cuando Tell conozca aCirk, un joven archienemigo del superior de William que quedó impune a pese a sus atrocidades del pasado. Será entonces cuando William utilice a su amante La Linda como intermediaria para disuadir a Cirk de tomarse la justicia por su mano, consiguiendo el dinero para volver a casa y retomar sus estudios.

William accederá a apostar el dinero de otras personas a través de La Linda, una intermediaria, con el único fin de quitarle a Cirk la idea de que se tome una venganza personal, que solo puede destruir su vida. Consiguiendo un montante de dinero lo suficientemente jugoso, Cirk podrá volver a casa y retomar sus estudios. Pero claro, nunca se sabe qué cartas llevan los demás en una partida…

El contador de cartas es “una película 100% Paul Schrader” , reflejando la redención de alguien de dudosa moralidad con su torno intenso y poliédrico. El director no repara en violencia y crudeza,aunque no sea siempre de manera explícita, y hace reflexionar sobre la condición con un William Tell cruel y tierno a la vez, astuto pero vulnerable. Si bien igual no empatizamos con alguien tan despiadado,sí que nos sumergimos y nos interesa lo que el guión nos cuenta.

Dafoe roba escenas del recital de Isaac con una curiosa caracterización y todo el reparto diría que cumple a nivel interpretativo, y la química entre Haddish e Isaac es muy palpable en el bello plano final.

El contador de cartas representa la corrupción e impunidad del mal y el poder dentro de la diferencia de clases, sin piedad y llena de capas, un estudio psicológico con romance de por medio en un thriller perturbador y cautivador

VALORACIÓN:

LO MEJOR:

Poética y desgarradora.

LO PEOR: trama a fuego lento algo enrevesada.

“Being the Ricardos “

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de Being the Ricardos (2021) ,lo nuevo del director y guionista Aaron Sorkin (La red social, El juicio de los siete de Chicago), quien nos adentra en esta ocasión en los entresijos de la sitcom estadounidense que protagonizaron Lucille Ball y su marido Fedi Arnaz: I love Lucy (1951-1957). Lideran el reparto unos inspirados Kidman y Bardem.
La fotografía es de Jeff Cronenweth y la música de Daniel Pemberton
En cines seleccionados y  Amazon Prime Video.



La trama narra las acusaciones y el acoso y derribo sufrido por Lucille Ball (Nicole Kidman) y Desi Arnaz (Javier Bardem) , acusados y señalados en la política y la cultura por sus supuestos ideales.

Mejor en el libreto que tras la cámara, Sorkin teje la trama en torno a la tormentosa relación profesional y sentimental de los protagonistas, llevándonos hasta la propia de sala de guionistas y al estudio de sonido, para mostrar lo que ocurría durante el rodaje “I Love Lucy” -ganadora de 5 premios Emmy-de puertas para dentro.

Con la ambientación y el trabajo de los actores a favor, la historia fluye gracias a líneas de diálogo mordaces,inteligentes e ingeniosas, relatando la semana más complicada para el matrimonio y el trabajo de Ball y Arnaz: la ambición de la pareja les llevará a enfrentarse a la sociedad y causa un gran arco y evolución en el desarrollo de los personajes ante tanta presión y tensión.

Como recurso narrativo, se añaden a todo lo anterior con entrevistas documentales a personas que acompañaron a Ball y Arnaz durante y nos permiten conocerles mejor.

Respecto al cast, las prótesis de Nicole Kidman le facilitan acercar su dicción y sus movimientos a los de Lucy Ball, bastante expresiva y líder del reparto junto a un Bardem con acento de inmigrante cubano.

En conclusión, Being the Ricardos es una película con un guion muy inteligente y un diseño de producción excelente que desvelará al público un aspecto desconocido de la industria del entretenimiento.
70%

Canta!2 : una secuela con mucho ritmo

¿Qué tal,cinéfilos? Tras segundas partes de películas como “La familia Addams 2” y “El bebé jefazo 2”, el estudio Illumination nos trae el musical más anima(la)do y esperado del año y de las navidades. Se trata de Canta!2, nuestro reencuentro con Buster Moon y compañía, con mismas voces originales en inglés y español ( a excepción del Mike de Seth McFarlane) y nuevas incorporaciones (Luis Tosar como el malvado Billy Crystal y Ana Milán en nuestro idioma, o Bono como el huraño rockstar retirado Clay Calloway en versión original. Repite Garth Jennings en la dirección.

Canta 2
Loading video

En esta ocasión, tras relanzar su pequeño teatro con su particular elenco y show musical, nuestro Koala favorito y sus amigos hacen las maletas para triunfar en la luminosa Redshore City, la ciudad del espectáculo por excelencia: todo se complicará cuando un malvado productor les rete a convencer al malogrado rockero Clay Calloway como condición para emprender la producción, con muchas más dificultades y muy buena música (Ariana Grande,Aretha Franklin, Prince,Shawn Mendes sonarán en divertidísimos números musicales, con mucha chispa,colorido y humor).

Puede que repita la mismas fórmula que la antecesora, con contadas novedades, pero yo he disfrutado y me he entretenido con la película tanto o más que los pequeños. Los protagonistas deben volver a superar retos y miedos para afrontar los problemas, pero cada uno está bien desarrollado y tiene su subtrama y evolución, siendo mi personaje favorito la erizo Ash.

Con una historia simple y sencilla, pero encantadora en su mensaje y con una animación cuidada, Canta 2 arrancará emociones y risas a todos los públicos…sobre todo,los emocionantes momentos patrocinados por la canciones de U2. Un buen y recomendable plan navideño para toda la familia.

Canta 2

“Cmon Cmon”

¿Qué tal, cinéfilos? Empezamos el año con crítica de “C’mon C’mon”, película escrita y dirigida por Mike Mills (Beginners) para A24, con un gran, emotivo y natural Joaquin Phoenix en una de las interpretaciones del año (objetivamente,creo que también), acompañado de, Gaby Hoffmann o Woody Norman, entre otros. La bellísima fotografía en banco y negro corre a cargo de Robbie Ryan, la música es de Bryce Dessner y Aaron Dessner y el montaje de Jennifer Vecchiarello. La película ha cosechado impresiones positivas en festivales y ha sido considerada en algunas nominaciones de los premios de la críticas.

Guardando notable similitud con Alicia en las ciudades (1974) de Wim Wenders- donde seguíamos a un periodista atrapado en el aeropuerto al regreso de su viaje para la redacción de de un artículo sobre los paisajes norteamericanos, conociendo a una familia en su misma situación-, esta preciosa historia os llegará al corazón, una pequeña joya del cine indie.

La trama narra como Johnny, locutor radiofónico, recorre diferentes ciudades de Estados Unidos con su sobrino Jesse para entrevistar a jóvenes de toda clase social y conocer sus impresiones sobre el futuro. El protagonista estrechará unos lazos muy íntimos con el pequeño mientras la madre de Jesse debe afrontar los problemas de salud mental de su marido.

Con un guión cargado de líneas de diálogo llenas de sensibilidad, “C’mon C’mon” muestra con bastante realismo y delicadeza la conexión emocional y la fuerza del vínculo que puede unir a niño y adulto, compartiendo sentimientos, miedos e impresiones que no son tan distintas con la edad, sino más bien un reflejo de las del uno en el otro.

La intimidad y proximidad que van compartiendo Johnny y Jesse en la inmensidad de ciudades como Detroit, Nueva Orleans,Los Ángeles o Nueva York (tan distintas entre sí en sus escenarios) , entre lecturas del El mago de Oz antes de dormir y charlas y paseos por los rascacielos, la película trata la soledad y la melancolia con con una visión esperanzadora del futuro. Creo que el tío al que encarna Phoenix es el padre que cualquier progenitor querría ser.

C’mon C’mon se sirve del periodismo (radiofónico en esta ocasión, algo difícil con el auge de los podcast) para subrayar la importancia de la empatía en cualquier tipo de relación, como vemos cuando Johnny se sumerge en las vidas de los entrevistados para desaparecer y olvidar por un momento su triste vida personal, que reconducirá cuidando de su pequeño sobrino. Jesse también adoptará la máscara de un huérfano maltratado en el orfanato para confesarse y compartir su verdadera identidad y ser con su tío Johnny.

Con bastante acierto, Mills vuelve a hablarnos de la familia con su personal y entrañable perpesctiva, no ya desde el prisma de su propia vida, sino ofreciendo una hermosa experiencia de lo que debería ser la paternidad de la mano de un comprometido Phoenix que también se convirtió en padre y ha sabido dar todos los matices al personaje.

“No mires arriba” y lo mejor y peor del año

Qué tal,cinéfilos? Hoy traigo crítica de “no mires arriba”, acabando el año con la película de Adam McKay para Netflix y cines seleccionados, protagonizada por un reparto de lujo con Di Caprio y Lawrence a la cabeza, acompañados por Jonah Hill, Meryl Streep, Cate Blanchett, Timothee Chalamet o Ariana Grande, entre otros.

La película es una sátira y crítica social con un ácido toque de atención a la sociedad actual y al poder de las medios de comunicación en ella, con tono mordaz y directo al objetivo: con tienes futuristas y de ciencia ficción, la trama gira en torno a la inminente llegada de un meteorito a la Tierra a consecuencia del nefasto cambió climático (inevitablemente y clara la analogía y el mensaje en tiempos de pandemia).

Con el absurdo y la exageración llevados al extremo desde el inicio del metraje, el director de “La gran apuesta” y “Vice” vuelve a poner el dedo en la llaga y refleja muy bien lo crédulos y marionetas de la información que somos , dependientes del mass media…siempre en clave más lúdica que catatrofista.

Con un reparto entregado y solvente (puede que sean Lawrence y Hill quienes mejor solventen lo que piden los personajes), el resultado es curioso pero algo irregular en algunos momentos ( Ron Perlman ofrece los más cómicos, y Lawrence también se ve envuelta en situaciones bastante surrealistas con los altos cargos).

La película no tiene mesura ni deja títere con cabeza, en un maremágnum de ideas con el cual el guión da a veces en la diana, y en otras se excede. Llena de mala baba,”No mires arriba” es de necesario visionado por señalar con el dedo y hacernos reflexionar.

Para terminar,os dejo lo mejor y peor del año para mi, con producciones francesas como Annette y Titane, musicales,western, cine español e indie…con las interpretaciones de Adam Driver, Oscar Isaac en “The card Counter” y las de Agathe Rousselle y Jodie Comer entre mis favoritas. Seguro que entrarían títulos como Drive my car y Licorice pizza si las hubiera visto.

“West Side Story”: Spielberg actualiza el musical.

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “West Side Story”, el remake (o reboot?) Qke nos ofrece Spielberg de uno de los musicales más emblemáticos de la historia del cine, ganadora de de 10 Óscar, dirigido por Robert Wise y Jerome Robbins y con Natalie Wood y Rita Moreno en el reparto. En esta ocasión, el cineasta se atreve con el musical y actualiza este clásico basado en ‘Romeo Julieta’, de la mano de Rachel Zegler, Ariana DeBose y Ansel Elgort en el reparto.

Esta casi última superproducción de 2021 está fracasando en taquilla, quizá sea por como el virus castiga las salas de cine, pero creo que la historia sigue gustando y que merece la pena verla en pantalla grande, sobre todo por los números musicales con un impecable apartado técnico. Está recaudando muy poco en relación al coste.

Seáis o no fans de la película original, saldréis del cine tarareando algunas canciones de la banda sonora y admirando el trabajo de cámara del Rey Midas de Hollywood,no siendo yo muy de Spielberg. Es incuestionable que encontramos su sello, con escenas musicales arrolladoras y enérgicas que aportan frescura y toque moderno.

El guión de Tony Kushner introduce algunos cambios necesarios respecto al material original, con algunos ajustes y modificaciones en los personajes y más peso al reparto femenino, y es más inmersiva al mostrar el amor prohibido entre Maria y Tony.

Con respecto al reparto, Rachel Zegler sí tiene raíces látinas e interpreta ella misma las ganxiones( al contrario que Wood, pero no le supera en mi opinión en lo interpretativo), Ariana DeBose y el sustancial cameo de Rita Moreno son un acierto de casting, mientras que esperaba algo más de Ansel Elgort en los momentos más dramáticos e intensos.

Creo que este ‘West Side Story’ ha quedado en buenas manos para aunar espectáculo musical y emoción, con las necesarias actualizaciones y mejorando lo presente en algunos aspectos.

.

“Silent night”: Negra Navidad

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de Silent Night, la comedia negra definitiva navideña escrita y dirigida por Camille Griffin en su ópera prima y protagonizada por Keira Knightley, Matthew Goode,Lily Rose Depp,Annabelle Wallis y Roman Griffin Davis(hijo de la directora y acompañado por sus clones en Jojo Rabbit como los gemelos). La película obtuvo mejor guión y premio del público en el pasado festival de Sitges.

Filmada en Reino Unido justo antes del primer confinamiento por el COVID-19 y rematada más tarde con la producción de Matthew Vaughn (Kingsman: El círculo de oro, Rocketman), es una película altamente sensible para esta triste época que vivimos.

“Silent Night” es una historia de contrastes que pasa de la comedia a la reflexión y a dejar mucho poso, arrancando con la tradicional reunión familiar navideña navideña en una casa de campo, que estará muy lejos de una fiesta cualquiera cuando los invitados vayan desvelando sus secretos tras tanto tiempo y se enfrenten a un Apocalipsis inminente. Cada personaje afrontará la realidad y sus miedos a su manera.


Entre la fantasía y las imprevisibles reacciones de los protagonistas para demostrar su instinto de supervivencia, tenemos grandes diálogos sobre el abandono de uno mismo o los sueños imposible, mientras entonan el ¿qué hemos hecho para merecer esto? En fechas donde se supone que deben reinar la alegría y el amor, se destruyendo toda la falsa máscara con el trama tras tanto reencuentros y buenos sentimientos, en un guión con mucha carga psicológica y muy visceral, que no deja para nada indiferente.

No os perdáis esta gran joya escondida entre la cartelera.