Nuevo mes, nueva aventura…Luces, cámara y…acción!☺

Hola,hola! Bueno, no tenía blog hasta ahora por falta de tiempo, y siempre dije que me haría uno dedicado al cine, algunas series y la lectura📖🎥🎬(sobre moda me da pereza jeje,  y los que me sigáis ya en ig conoceréis de sobra mi faceta de crítica😁) cuando los estudios lo permitieran; asique aquí estoy con el comienzo del mes cinéfilo por excelencia, el de los Oscar:)🎥. Espero que os gusten mis recomendaciones en este, mi rincón cinéfilo. 
En los próximos posts os hablaré de pelis como múltiple(que toca hoy) y las protagonistas de la carrera hacia los oscar, libros como la trilogía del baztán o series como riverdale (basada en los cómics de archie, he leido buenísimaas críticas sobre ella) o taboo , con un magnífico tom hardy.
Feliz miércoles y hasta el próximo post☺😘

“Emboscada final”

Que tal cinefilos? Hoy os traigo critica de Emboscada Final,película de Netflix con Kevin Costner y Woody Harrelson.Dirigida por John Lee Hancock (The Blind Side, El Álamo), con un gran reparto y ambientacion, lo que antes hubiera sido un gran exito en salas de cine ya no es tan comercial para las productoras y se ve relegada ak streaming.

Los protagonistas son dos cowboys a la caza de los criminales Bonnie & Clyde, mientras reflexionan sobre la madurez y la caída del sueño americano.

Emboscada Final es un western policial con aroma noventero, decada en la que Kevin Costner estuvo en auge.La misión aquí es atrapar a Bonnie y Clyde en plena Gran Depresión americana, cuando la crisis afecta tambien al cuerpo policial de los dos agentes retirados protagonistas.

Emboscada Final hubiera requerido mas ritmo, con un metraje algo excesivo que es narrado tambien por la gran música de Thomas Newman (Cadena Perpetua) y la fotografía de John Schwartzman (La Roca).Hancock, guionista incluso para Clint Eastwood, reune los elementos de sus anteriores trabajos con dos como Costner y Harrelson , que sw enfrentan a los misteriosos villanos Bonnie y Clyde, que son venerados vivos y odiados a su muerte tras el trabajo de dos cowboys que se mueven entre el miedo y la admiracion, valiendose del rastro que van dejando los criminales.Las nubes de polvo en las persecuciones de los protagonistas son simbolo del borroso futuro que les aguarda.En definitiva, estamos ante una correcta mezcla de western y thriller policial, que se deja ver sin ser redonda

“Boy erased”/”Destination wedding”

Que tal cinéfilos? En una semana marcada por el hype y el furor en las redes con el primer teaser tráiler del “Joker” de mi amado Joaquin Phoenix ( que ojala le de el Oscar), vamos con las criticas de dos de los estrenos de la semana.

En primer lugar, tenemos la segunda película con Joel Edgerton como director tras “The gift”. Se trata de “Boy erased”, que llega con retraso a nuestro país tras ser ignorada para unos Oscar a los que se postulaba y perder dos Globos de Oro, en un momento en que las polémicas terapias de “reorientación sexual” están de plena actualidad. La película trata de manera acertada un tema tan doloroso y candente, si bien es su reparto lo que hace que el drama cale hondo y que el mensaje de la cinta trascienda el típico telefilme de sobremesa.

Edgerton adpta ‘Identidad borrada’ , las dolorosas memorias inspiradas en los hechos que relata Jared Eamons, obligado a acudir a una terapia de conversión sexual para “curar” su homosexualidad, practica que aun esta permitida en algunos países y sobre la que Edgerton pone el dedo en la llaga.

El centro “LOVE IN ACTION”, en la Arkansas de la América mas profunda y religiosa se nos presenta como el telon de fondo sobre el que pivotará la historia, retrotrayendonos al momento en que el protagonista descubre su sexualidad y sus padres toman la decisión . Esto sirve para que conozcamos con mas profundidad todo el calvario por el que pasa Jared.

Además, ‘Identidad borrada’ trata el tema con la máxima elegancia y tacto posible, sin presentar a los padres de Jared como villanos, sino como victimas de la profunda contradicción entre sus creencias y la sexualidad de su hijo. Peor parados salen los propios centros de terapia: en este caso, incluso el “terapeuta” Sykes resulta ser gay y deja LIA para irse con su marido, además de no tener formación alguna. Repugnante el personaje de Edgerton, manifestando unas practicas que incluso llevan a los pacientes a la depresión o al intento de suicidio, las cuales se recogen en “12 pasos para dejar de ser gay” ( traducidos en comportamiento, posturas, prohibición de ir al baño solos y de toda comunicación- con móvil y ordenador requisados para evitar la tentación, etc.)

Con secuencias profundamente dolorosas, para lucimiento de un magnifico Lucas Hedges ( me encanta desde Manchester by the sea, joven promesa junto a Timothee Chalamet), cuyo personaje tiene un intenso arco narrativo emocional, acompañado de secundarios de lujo como los oscarizados Crowe y Kidman o Xavier Dolan.

Como en “El regreso de Ben”, Hedges se hace con un personaje complicado y frágil, en mitad del equilibrio que Edgerton quiere dar a la película, entre el drama familiar y la critica social a las terapias de reorientación sexual.
El propio Edgerton se reserva el personaje mas oscuro de la pelicula, con unos inspirados Crowe y Kidman ( el primero incluso fue a la propia Iglesia del padre de Garrard Conley, pastor baptitsta de férreas convicciones, para tomar en secreto notas de sus sermones) y un Hedges que brilla como un talento joven pero sobradamente preparado.

En definitiva, ‘Identidad borrada’ es una película, aun con sus fallos, muy necesaria de ver por todo aquello que denuncia, con un reparto medido y comprometido por el que también merece la pena su visionado.

A continuación, vamos con “Destination Wedding”, película de Victor Levin ( no ha llegado a cines en Cordoba, pero la vi online) que reúne a Keanu Reeves y Winona Ryder una vez mas.

Por su titulo, parece un comedia romántica mas de esas tontas, pero la quimica entre los protagonistas y los diálogos le dan el tono acido.

La película narra como dos bichos raros acaban conociéndose mas tras un encuentro fortuito en una boda, ambos desencantados del amor romántico y de las relaciones sociales, y es este tira y afloja entre Lindsay y Frank lo mas divertido de la película.

Ambos protagonistas son solitarios y venceran su desgana para entablar conversacion desde la propia cola del avión que les llevara a la boda del ex de ella compartiendo los ensayos y los preparativos previos al enlace, entre cuyos invitados también estará la familia de el.

Con una austera y simple puesta en escena, cierto es que los papeles de Keanu (John Wick: Parabellum), y Wynona (Stranger Things) son insoportables, el un egoísta egocéntrico, y ella una histérica, pero es destacable la química entre los actores, que le da fuerza a la verborra de los personajes en su cuarta película juntos.

Victor Levin destaca mas por su teatral guion que por su dirección, en una satira sobre las convenciones sociales que se presentan en toda boda.

En suma, La boda de mi ex es una comedia romantica algo distinta, con un Keanu que deja el cine de acción para tener su contrapunto perfecto en la mucho mas expresiva Wynona ( pese a lo cual me encanta este en Matrix y mi Idaho Privado), con la que se compenetra para llevar a la pareja protagonista a todo tipo de situaciones extremas.

Lo mejor

La magnífica química entre Keanu Reeves y Winona Ryder.
Lo peor

El final.

“Dumbo”

Que tal cinefilos? Antes de los live-action de “Aladdin” a finales de mayo y “El rey león” , os traigo critica de otra de las esperadas propuestas de Disney para este 2019: se trata de la revisión de “Dumbo” de Tim Burton, con la que el de Burbank vuelve a trabaja para la casa del raton tras “Alicia en el país de la maravillas”.

Se trata de un particular remake en acción real del clásico película de Disney de 1941, inspirado a su vez en la novela infantil de escrito por Helen Aberson , y con guion de Ehren Kruger.

De todos los cambios y guiños a la historia original, como la aparición de los elefantes rosas en pompas y no por una borrachera, un guiño al ratón Timoteo, a las cigüeñas y al tren Casey Jr., destaca el mayor protagonismo de los personajes humanos frente al pequeño y adorable paquidermo de grandes orejas, quienes no llegan a cautivar tanto como el bebe elefante y están desarrollados con poca profundidad en algunos casos ( cumpliendo los que mas Danny DeVito y Eva Green).

La trama nos lleva al circo de Max Medici (Danny DeVito al estilo “Big Fish, reencontrándose con Michael Keaton tras Batman), donde nace un pequeño elefante de grandes orejas, quien será separado de su madre Sra. Jumbo (al son de la lacrimógena “Baby Mine” /” Hijo del corazón”, interpretada por Arcade Fire o Nawja Nimri) para pasar al cuidado de dos niños, que le acompañaran en lugar de un raton. Estos son Joe (Finley Hobbins) y Milly (Nico Parker), hijos de Holt Farrier (Colin Farrell), un ex heroe de guerra que vuelve tullido al circo donde hacia espectáculos ecuestres con su difunta esposa.

El circo gana tal popularidad con el don para volar del elefante que, un buen dia, aparece en escena el ambicioso emrpesario V.A. Vandevere (Michael Keaton) para reclutar a toda la troupe en su parque de atracciones Dreamland ( curiosamente parecido a Disneyland). Este estará acompañado por la bella acrobata francesa Colette Marchant (Eva Green), que cambiara de parecer al descubrir Holt los oscuros propósitos del villano.

Puede que a la película le falte el toque Burton que tanto echamos de menos ( salvo contadas escenas) y que no todas las generaciones conecten emocionalmente con ella tanto como con la versión animada, pero fui con las expectativas algo bajas después de leer las criticas y disfrute de una bonita película familiar marcada por un claro mensaje animalista, el cual me hizo recordar el triste caso de una elefanta recientemente fallecida en el zoo de mi ciudad.

Por tanto, la película no es tanto el despropósito que había leído, si bien el cineasta de Burbank parece haber perdido su magia creativa que tanto me cautivaba desde “Beetlejuice” y “Eduardo Manostijeras”.

En cuanto al casting, unos acertados DeVito y Green cumplen por encima de unos Farrell y Keaton con unos personajes mas planos, sin tanta evolución en su arco narrativo.

En principio, Tim Burton parecía el cineasta ideal para contar la historia de un elefante inadaptado y tachado de bicho raro por sus grandes orejas ( son muy tristes las escenas donde vemos el bullying hacia el pequeño Dumbo), a la que podría aportar su particular enfoque de autor. Sin embargo, la propuesta simplemente queda en una, pese a todo, disfrutable película Disney para todos los públicos para complacer al todopoderoso estudio de animación ( que se ha visto contrariado por un buen despegue de la película en taquilla, que no lo es tanto en comparación con los números esperados).

Puede que la idea de no dar voz a los animales y solo a los personajes humanos, para ampliar la escasa duración de 64 minutos de película Disney y dar mas profundidad ala historia, no funcione bien del todo. Con ello, “Dumbo” no me parecio del todo una película simplemente comercial y falta de alma, pues resulta simpatica y conmovedora por momentos para la generación que crecimos con la película animada.

Mientras que Tim Burton recupera su magia, Disney se frota la manos con sus próximos Nota: 6.5

Aceptable
Lo mejor
Diseño de Dumbo, y Eva Green y Danny DeVito son las dos grandes joyas de elenco.

Lo peor: le falta el sello Burton.

“Destroyer” y “Como la vida misma”

Que tal cinefilos? Vamos primero con critica de “Destroyer,una mujer herida”, drama policiaco de Karyn Kusama con Nicole Kidman, Sebastian Stan, Tatiana Maslany, Toby Kebbell, Scoot McNairy, Bradley Whitford.

Ignorada en los pasados Oscar hasta en categoría interpretativa, ‘Destroyer’ juega constantemente con el espectador sobre cual será el destino de la protagonista, una agente de policía de Los Angeles que trata de escapar del pasado, elaborando entre la dirección de Karyn Kusama y el guion de Phil Hay y Matt Manfredi un thriller policiaco para mayor lucimiento de una magnifica Nicole Kidman.

Con una propuesta feminista con una mujer fuerte y valiente como heroína de accion, dura a la par que frágil, nos vamos acercando al trasfondo psicológico y humano.- aun sin demasiadas explicaciones en la trama- de la implacable Erin Bell (Nicole Kidman), quien lleva 20 años entre el alcohol, la falta de hogar y la irritabilidad de su imprevisible carácter. Todo empieza cuando la aparición de un cadáver junto a un rio reabre viejas heridas del pasado: concretamente, todo girara en torno a un atraco a un banco que antaño realizo junto a su entonces compañero (Sebastian Stan) , urdido por el astuto Silas (Toby Kebbell).

Entre los conflictos de Erin se encuentra la mala relación con sus superiores y con su propia hija, además del hacerse lugar en un mundo de hombres a traves de la violencia, pues ella ha de convertirse en un tipo duro para no ser anulada y ninguneada.

Kusama y Kidman construyen un impactante mucho mas alla de la transformacion fisica, con la actriz australiana demacrada, con ojos inyectados en sangre, ojerosa y avejentada ( al estilo de Theron en “Monster”, lejos de las protesis y demás técnicas de mimetización con los personajes). Sin apenas maquillaje, Kidman muestra como los errores del pasado y el paso del tiempo han hecho de su personaje una mujer dura y herida, con un lúgubre Los Angeles como telon de fondo.

El propio titulo de “Destroyer” ya hace alusión a la autodestrucción de una mosntruosa y desesperada Erin, cansada de ser policia y de penar por los fallos del pasado.

El ritmo y el desarrollo de la trama no hacen de ‘Destroyer’ un thriller al uso, pero merece solo la pena verla por una grandiosa Kidman, que no tapa su discurso bajo el rostro de su personaje, lleno de matices una interpretacion tan fisica de un personaje complejo y torturado.

A continuación, vamos con “Como la vida misma”, un drama romántico coral que carga el existencialismo en la propia narración en off, a cargo de Samuel L. Jackson: como su propio nombre indica, la película no busca sino hacernos reir y llorar a la vez, emocionar, cosa que solo consigue por momentos.

La pelicula esta dirigida por Dan Fogelman y protagonizada por Oscar Isaac, Olivia Wilde, Antonio Banderas, Samuel L Jackson, Olivia Cooke, Annette Bening. Salas: Atlas Patio Bullrich, Cinema Adrogué Boulevard Shopping, Lorca, Village Recoleta entre otros.

De los cinco episodios que encadena, el que realmente vale la pena es el primero aconsejaríamos leer sólo el primero (con una acertada aunque discreta Annette Benning como terapueta del personaje al que con tanto acierto interpreta Oscar Isaac), titulado “El héroe”, Después, la oscuridad de este capitulo se va convirtiendo en una dosis de empalago y azúcar en las subtramas siguientes.

El hilo conductor de todo seran la pareja interpretada por Olivia Wilde y un magnifico Oscar Isaac como un hombre en horas bajas que intenta superar la perdida de su pareja.

La historia no aporta gran novedad, pero al principio es muy acertado el tono de la historia, intentando adivinar y a la vez reflexionar con la juguetona narración, a base de sorpresas y saltos temporales con flashbacks.

En su segundo largometraje, Dan Fogelman es también guionista familia, cerrando el circulo espacio temporal que conecta a todos los personajes, con el lastre de una pelicula coral individualmente que por su regular resultado final, pese a.l esfuerzo del reparto.

Hasta la proxima cinefilos😘

“Nosotros” y “Dolor y gloria”

Que tal cinefilos? Vamos con los dos estrenos de la semana.

Jordan Peele- director que debutó con Déjame salir- nos trae “Nosotros”; su segundo largometraje, protagonizado por Lupita Nyong’o, Winston Duke y Elisabeth Moss.

Como hizo con su opera prima, Peele usa el subgénero “home invasion” para crear no tanto una historia de terror, sino un thriller psicológico lleno de conciencia social para remover conciencias.

Nosotros (Us) no solo esta dirigida, sino también escrita por Peele, que vuelve a entremezclar géneros ( en esta ocasión, se inspira en el “Funny Games” de Haneke, “El Resplandor” de Kubrick o “Los pajaros” de Hitchcock) con un entretenido y disfrutablr resultado final, si bien la película no es todo lo redonda que sugieren las criticas ( he de decir que fui a verla con todo el hype, y que no esperéis una película de miedo al uso).

Esta propuesta de Peele es mas ambiciosa y compleja que la anterior de “Dejame salir”, pero el cineasta teje de nuevo una imprevisible historia que juega constantemente con un espectador que no sabe por donde saldrá la trama, que hace reir y sufrir por igual.

“Nosotros” comienza situándonos en una atraccion de playa de la Santa Monica de los 80, con la niña Adelaide Wilson perdida en la sala de espejos de una de ellas, viendo el reflejo de doppelganger.

Aun con este trauma de su infancia, la Adelaide adulta regresa al destino veraniego con su marido y sus dos hijos, Zora y Jason, y sus malas vibraciones culminan con la aparición de unos extraños en el jardín de su casa, una familia de cuatro individuos con mono rojo y tijeras exactamente iguales a ellos.

Poco mas se puede citar de la película sin hacer spoiler, tan solo la mención a una cita bíblica profetica, a la campaña ochentera “Hands Across America” y al mensaje sobre los túneles subterraneos que aparecen al principio de la trama, y al guiño a “Alicia en el país de las maravillas” con los conejos.

Sin duda, estamos ante una de esas películas que- guste mas o menos- hay que ver en primera persona con la menor información posible trata de toda una experiencia cinematográfica que es mejor vivir en primera persona, acudiendo al cine con la menor cantidad de información posible.

La fotografía de Michael Gioulakis ( It Follows, Múltiple, Glass) crea una gran ambientacion, asi como la puesta en escena ( magistral el uso de la pieza “Pas de Deux”), complementando ambas las magnificas actuaciones de Lupita Nyong’o y Elisabeth Moss, una dando una masterclass de interpretación y la otra mostrando su versatilidad.

Sin duda, Nosotros quiere innovar en su genero y ser recordada como una obra maestra, pero no trascendera del todo como obra de arte, dado que no le veo capacidad de atraer a todos los públicos: quizá los mas avispados en el cine fantástico y de terror la encuentren algo previsible, o también guste a aquellos menos adeptos a este tipo de películas.

En general, los 116 minutos de metraje me parecieron transcurrir a un ritmo pese a algunos momentos algo repetitivos, siendo mas importante como se cuenta la historia que lo que se cuenta, al menos “Nosotros” si que hace reflexionar tras su plano final.

Como conclusión, decir que el segundo largometraje es una película llena de matices que todo cinéfilo debe al menos ver para valorar.

Nota: 8

Lo mejor
La realización y el doble papel de Lupita Nyong’o.
Lo peor
A veces es demasiado sobreexplicativa.

A continuacion, vamos con critica de “Dolor y Gloria”.

En esta pelicula, el propio Pedro Almodóvar plasma el dolor y la gloria que ha vivido en sus casi 70 años de vida, y no solo aborda el dolor físico y la enfermedad, sino también el dolor emocional, contrapunto a la gloria creativa que le lleva a ser uno delos cineastas patrios mas influyentes. ¿Puede el cine curar las heridas del alma?

El protagonista, Salvador Mallo, parece un personaje hecho a la medida del director. El personaje de Antonio Banderas ( que se reencuentra con el manchego tras “La piel que habito”, en una de sus mejores interpretaciones) es un cineasta al que conocemos sumergido en una piscina para aliviar sus dolencias.

Tras ese primer plano, nos retrotramos a las lavanderas ( incluida Rosalia, versionando la copla “A tu vera” junto a Penélope Cruz) del pueblo de su infancia, Paterna, en un bucólico y edulcorado viaje a la niñez entre remiendos y peces jaboneros.

Asi comienza Dolor y gloria, una obra de la carrera Almodóvar lejos del histrionismo de algunos de sus títulos mas personales; un bello retrato interior en el que el director se abre por completo al espectador intentando conmover.

No era fácil por tanto para Almodóvar desligarse del vinculo emocional con esta película y de ofrecer algo nuevo que le reconciliara con el gran publico tras los dicretos resultados de critica y taquilla de “Julieta”. En este caso, la promoción ha hechpo que ya en marzo sea uno de los mejores estrenos españoles del año, bien puede ser por el tiron de Banderas y Cruz.

Desde Volver (2006) , Almodovar no suscitaba tanta unanimidad en la critica, que coincide en que estamos ante una película intima y adulta. Se puede ser mas o menos fan del manchego, pero es indudable que es de esos directores con universo propio.

Aquí, el eco del propio director en su obra resuena con mas fuerza que nunca. Antonio Banderas es Almodovar tras sus gestos, los colores de su vestimenta y su alborotado pelo canoso. Asier Etxeandía es su contrapunto perfecto, un actor que antaño trabajo con Mallo, acompañados por unas estupendas Penélope Cruz y Julieta Serrano en las versiones joven y anciana de Jacinta, la madre del protagonista. El Oscar de Penélope por Vicky Cristina Barcelona me parecio discutible, pero aquí me ha recordado a su Raimunda, que mas le hubiera valido la estatuilla.

Llena de planos, escenas y momentos que se quedan en la retina, Dolor y gloria es una autoficcion que se situa entre lo menos barroco y estridente de Almodovat, una de las versiones mas acertadas y sobrias de Almodóvar, que se retrata en la figura del artista roto para volver a llevarnos a su mundo, que subjetivamente puede gustar o no, pero es suyo.

Hasta la proxima cinefilos😘

“Triple Frontier” y “Leaving Neverland”

Que tal cinefilos? Vamos primero con critica de “Triple Frontier”.

Con esta apuesta de Netflix, J.C. Chandor trata de ser de esos directores con estilo propio y personal, mas alla de lo visual y lo sociológico de su cine, con unas películas muy particulares pese a los defectos de su universo particular.

JC Chandor ( responsable de Margin Call (2011), All is Lost (2013), A Most Violent Year (2014), JC Chandor centra la trama en el debate de los personajes entre la realidad y sus principios y ambiciones, radicalmente distintos.

La película presenta los elementos mas comunes de su director, como el excesivo metraje y el pausado ritmo narrativo, que se contrapone a la adrenalina y la testosterona de los héroes de acción liderados por Ben Affleck.

“Triple Frontier”Se trata de un proyecto cinematografico en desarrollo desde 2010 bajo un primer guion de Mark Boal (“The Hurt Locker”, “Detroit”) , variando finalmente la dirección y el libreto. JC se hizo con la pelicula y la ha llevado a su terreno con menor éxito del que pretende vender la promoción de la película.

“Triple Frontier” debe su titulo a que nos sitúa en la convergencia de las las fronteras de Argentina, Brasil y Paraguay, territorio clave del narcotráfico, y es allí donde nos lleva el reparto con el que Netflix pretende ganar adeptos: los cinco protagonistas (Oscar Isaac / Santiago, Ben Affleck / Tom Davis, Charlie Hunnam / William Miller, Garett Hedlund / Ben Miller, Pedro Pascal / Francisco Morales) tienen en común sus ambiciones y sus demonios personales, y se nos presentan como unos ex veteranos de guerra que ya no son lo que eran, hasta que se embarcan en la misión en cuestión. Todo ello siendo el personaje de Ben Affleck el que desarrolla un mayor arco narrativo, en una de las mejores actuaciones del interprete.

Solo vamos conociendo al quinteto a través de flashbacks explicativos, que si embargo no nos dan a conocer como este forja su amistad, ni los traumas del pasado de cada uno. Algunos diálogos intentan aportar mas información sobre la trama a pesar de la puesta en escena, algo descafeinada para una película que prometia mucha mas acción.

“Triple Frontier” no arriesga en emplear el drama maniqueo para que empaticemos con los personajes y su incierto destino, pues simplemente se vale del escanrio de la historia para ofrecer algo de “cine de aventura” que prometia, si bien suscita algo mas de interés en su segunda parte.

De este modo, la película es mas una historia de supervivenciaca que de acción, y su final hace que pierda la oportunidad de verse rematada con un buen climax final, luchando contra el malvado capo de la droga.

“Triple Frontier” es un titulo menor en la filmografía de JC Chandor, sin llegar a ser mediocre, simplemente entretiene, pues resulta algo aburrida y forzada cuando el drama va en detrimento de la acción.

A continuación ,vamos con la critica de Leaving Neverland, el polémico documental 4 horas sobre Michael Jackson dirigido por Dan Reed para HBO, en el cual se da voz a dos de las presuntas victimas de abusos sexuales por parte del Rey del Pop: los testimonios de Yames Safechuck y Wade Robson son el pivote sobre el que se articula todo.

El documental continua levantando ampollas tras su paso por el Festival de Cine deSundance y su emisión en #0 , poniendo en cuestión el tributo a la figura del Rey del Pop que aun persiste tras su muerte. ¿Cómo separar al artista de la persona? El FBI no encontró nada en 10 años de investigación a Jackson,¿ es este documental suficiente prueba condenatoria?

Mas allá de la calidad artistica de Jackson o de la veracidad de los hechos que con tanto detalle narran tanto las dos presuntas victimas como sus madres, depende del juicio de valor y de la credibilidad que cada uno le de al documental el que se condene o no al cantante. Bien es cierto que nosotros no hemos estado allí para saber la verdad, pero me llaman mucho la atención datos como el que Robson fuera despedido como coreógrafo del espectáculo del Circo del Sol en honor a Michael, o que ademas fuera novio de la sobrina de su supuesto agresor. Además, tanto los dos protagonistas como sus familias pareciera por sus palabras que aun siguen adorando a Jackson: se trata de unas madres que dejaron a sus hijos dormir en casa de un hombre 30 años mayor.

En entrevistas personales, James Safechuck y Wade Robson coinciden en que Michael Jackson les embauco a ellos y a sus familias para que permaneciera con ellos en el rancho Neverland, donde había sistema de alarma para impedir que fueran descubiertos ( aspecto que Macaulay Culkin aclaro en el juicio de 2003). Ambos exponen que sentian una fuerte conexión afectiva e incluso sexual con Michael, pero que no eran conscientes por entonces de que aquello que parecía una relación sentimental era pura perversión y depravación.

Durante la segunda parte de Leaving Neverland , Safechuck y Robson intentan explicar porque se han desdicho de su postura inicial y han terminado por denunciar lo que vivieron, pues Robson declaro bajo juramento como la inocencia de Michael. Además, analizan como la sombra del Rey del Pop ha influido en sus vidas y las de sus familias.

El documental da por hecho la veracidad de todo lo que narra, y ahonda como el miedo a denunciar unos abusos sexuales en la infancia desemboca en el engaño y el trauma al hacerse adultos. Robson y Safechuck afirman que haberse convertido en padres les abrio los ojos a la realidad.

El documental intenta simplemente dar cabida a los testimonios asepticamente y alejarse del amarillismo, intentando aportar pruebas como un anillo, cartas, faxes, vídeos caseros, regalos…, muestra de la devocion que Michael sentia por los niños hasta que se sintieron “reemplazados” por otros favoritos. Todo ello sin profundizar en las contradicciones de los testimonios de James Safechuc y Wade Robson.
( Robson le explicó a Oprah que en el momento en el que testificó como defensor de Jackson en 2005 ni siquiera tenía conocimiento de que lo que él había vivido era una situación de abuso, mientras Safechuck, por su parte, contó que durante mucho tiempo se odió a sí mismo sin saber por qué).

Pareciera que Leaving Neverland solo pretende manchar aun mas la maltrecha imagen de Jackson, aunque las presuntas victimas no han cobrado nada a cambio.

Se ha formado un gran revuelo sobre Michael Jackson, con su familia y el State boicoteando el documental y demandando a HBO, encargada de grabar el evento Michael Jackson in Concert in Bucharest: The Dangerous Tour (1992), cuando firmo en contrato que la compañía no podría, de ahí en adelante, “hacer comentarios despectivos con respecto al artista o cualquiera de sus representantes, agentes o prácticas comerciales, ni realizará ningún acto que pueda dañar, desacreditar o hacer que la reputación o imagen pública del intérprete quede perjudicada”.

Tambien algunas radios y Los Simpson han vetado a Jackson. ¿ Hay que “amar al artista y odiar al individuo”? Esa es la cuestion, como vemos en los creditos, donde Robson quema la chaqueta de Thriller.

Bien es verdad que el visionado de Leaving Neverland es desagradable y repulsivo, y que podria haber continuacion con Gavin Arvizo y Jordan Chandler, el primer niño en acusar al cantante en 1993.Estemos ante el retrato de un monstruo o ante una invencion, puede que este documental ayude a mas victimas a hablar de su situacion.

Hasta la proxima cinefilos😘

“Beautiful boy” y “El gordo y el flaco”.

Que tal cinefilos? Vamos con la critica de “Beautiful Boy: siempre serás mi hijo”, dirigida por Felix van Groeningen, cuenta la historia real de David y Nic Sheff, adaptando dos libros de memorias: “Tweak: Growing Up on Methamphetamines”, escrita por Nic sobre su propia lucha para conseguir dejar de las drogas. y “Beautiful boy”, escrita por David desde la perspectiva del padre que lucha por salvar a su hijo adicto.

La narración de la película va alternando ambos puntos de vista, a veces centrandose en el personaje de Timothee Chalamet,y otras otorgando mas protagonismo al padre interpretado por Steve Carrell, con el punto de inflexión del momento en que la relación parternofilial se deteriora por las drogas.

En la línea de la reciente “El regreso de Ben” de Julia Roberts, el infierno de la drogadicción – tan recurrente en el cine que tendría su propio subgénero, que engloba películas como “Réquiem for a dream” de Aronofsky- se refleja aquí desde la lucha de una familia rota por salir de la adicción, pues vemos como la drogadicción afecta a todo el entorno y el futuro de Nic, hasta el punto de resentirse los vínculos familiares con cada recaida.

Quiza la historia de la película, con un ritmo intimista y pausado que llega al corazón del espectador- en parte gracias a la complicidad entre Chalamet y Carrell- no sea nada nuevo en el cine y se intente abarcar demasiado desarrollando el arco emocional de dos protagonistas, pero ” Beautiful boy” cala hondo.

Si bien la película tendria mas fuerza si solo se centrase en David o Nic, hay escenas muy potentes que dejan con un nudo en el estomago, como aquella en la que David le pide a Nic que se haga un test de drogas y ya sabemos que va a pasar, o cada vez que David recibe una llamada sobre su hijo.

El duo Carrell-Chalamet es un acierto seguro al mostrar una magnifica quimica, y sin duda sus interpretaciones son el punto fuerte de la película. Ademas, están acompañados por secundarios que también cumplen en su papel, como Maura Tierney y Amy Ryan como la nueva pareja del padre de Nic y la madre de este.

“Beautiful boy” funciona como drama familiar en el subgénero de la adicción a las drogas, pero podría haber tenido mucha mas fuerza dramatica pese a su emotividad y lo duro de su temática, que hace de ella una pelicula devastadora de estas que no te deja tras su visionado. A través de los distintos flashbacks, nos sentimos participes de la historia adentrándonos en el pasado, presente y futuro de Nic, aunque la estructura narrativa de la película no nos haga perder la atención en la trama, sino envolvernos aun mas en ella.

En conclusión, Beautiful Boy: siempre serás mi hijo es un demoledor drama no solo sobre la adiccion a las drogas, sino tambien sobre la fuerza de las relaciones paterno-filiales, con padre e hijo unidos ante la adversidad. Se le podría haber sacado algo mas de partido a una propuesta que se quedo a las puertas de los Oscar, pero la película cumple sin duda su cometido de emocionar, si bien su mensaje sobre la drogadicción me parece algo difuso ante la cuestión de si el amor y apoyo familiar es suficiente para escapar de la adicción.

A continuación, vamos con “El gordo y el flaco”, película de Jon S. Baird protagonizada por Steve Coogan y John C. Reilly, biopic del icónico duo humorístico que formaron Stan Laurel y Oliver Hardy, que nos muestra que ocurria tras las bambalinas en el ocaso de la unión de los humoristas.

Con un uso inteligente del humor y las increíbles caracterizaciones e interpretaciones de los dos actores protagonistas, que se mimetizan con los personajes, estos se redimen aquí del desastre de la reciente “Holmes y Watson”, ofreciéndonos unas interpretaciones sensibles y honestas.

Jon S. Baird director de `Filth, el sucio’- consigue tocarnos la fibra contándonos todo aquello que hay detras de las carcajadas de unos artistas que ya solo con su mimica lograban hacer reir. .‘El Gordo y el Flaco’ , gracias al guion de Jeff Pope, va mas alla del biopic y logra emocionar con los altibajos en la relacion de do artistas tan icónicos.

‘El Gordo y el Flaco’ se centra en la etapa en que el dúo estuvo separado por diversas circunstancias= abordando el alcoholismo o la vida sentimental de Laurel y Hardy=, para después reunirse y recuperar el éxito que les brindaban sus ingeniosos gags embarcándose en una gira por el Reino Unido.

El duo hacia comedia hasta en los momentos dificiles, y eran comicos que utilizaban el humor en cualquier ocasión ,mas alla del mero entretenimiento para el publico.

El protagonismo de Hardy en los shows se apoyaba en los guiones de Laurel, asique ambos colaboraron por igual en el exito que alcanzaron. Pero la lucha de Laurel y Hardy no era entre el uno y el otro, sino mantenese en el estrella frente a la aparición de competidores como “Abbot y Costello’.

Bien os puede dar ternura y nostalgia ver al bonachon de Stan y al socarron Ollie en la gran pantalla y rememorar sus tradicionales sketches, con la emotividad añadida de dedicar la película a la memoria de Lois Laurel, la hija de Stan fallecida en 2017. de la película.

Hasta la proxima cinefilos!😘