Nuevo mes, nueva aventura…Luces, cámara y…acción!☺

Hola,hola! Bueno, no tenía blog hasta ahora por falta de tiempo, y siempre dije que me haría uno dedicado al cine, algunas series y la lectura📖🎥🎬(sobre moda me da pereza jeje,  y los que me sigáis ya en ig conoceréis de sobra mi faceta de crítica😁) cuando los estudios lo permitieran; asique aquí estoy con el comienzo del mes cinéfilo por excelencia, el de los Oscar:)🎥. Espero que os gusten mis recomendaciones en este, mi rincón cinéfilo. 
En los próximos posts os hablaré de pelis como múltiple(que toca hoy) y las protagonistas de la carrera hacia los oscar, libros como la trilogía del baztán o series como riverdale (basada en los cómics de archie, he leido buenísimaas críticas sobre ella) o taboo , con un magnífico tom hardy.
Feliz miércoles y hasta el próximo post☺😘

“Spiderhead”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Spiderhead”, thriller de ciencia ficción dirigido por Joseph Kosinski (Top gun: Maverick, Oblivion) para Netflix, con Miles Teller y Chris Hemsworth en el reparto. El guión es de Rhett Reese y Paul Wernickin, basado rn un relato corto de George Saunders publicado en The New Yorker, la fotografía es de Claudio Miranda y la música de Joseph Trapanese.

Girando en torno a la manipulación de la mente humana mediante drogas experimentales, la trama narra la historia de dos presos (Miles Teller y Jurnee Smollett) que son vigilados y conejillos de indias de los juegos mentales del visionario doctor Steve Abnesti (Chris Hemsworth) y sus cuestionables métodos.

Spiderhead

Las investigaciones en humanos del loco científico nos recordarán a títulos como La isla del doctor Moreau a Parque Jurásico, pero son las personas-en este caso, presos- el objeto de un centro de investigación mucho más agradable que la cárcel. A raíz del experimentos, los reclusos sufrirán una montaña rusa de emociones con alteraciones químicas de su cambio de ánimo y voluntad, pasando de la atracción irresistible hacia otra persona (N-40) al dolor y malestar de la agonidrina. Todo se llevará cada vez más al límite, hasta ser una cuestión de supervivencia.

Chris Hemsworth
Spiderhead

Spiderhead

Con una manipulación y dilema moral que nos lleva a  La naranja mecánica (1971) o el futuro no tan distinción de  Black mirror, la película encuentra su gracia entre la ciencia ficción con científico loco, con sus toques de humor (gracias a los guionistas de “Deadpool”) y romance, intentando encajar aceptablemente varias películas en una. Es por ello que la idea podría haber dado más y mejor de sí.

Con una interesante y delirante premisa, terrible y cómica a la vez, el tono ligero pero impactante (sobre todo en ciertas escenas a mitad de metraje) de la película va de la mano de cierto arco de evolución de los imprevisibles y excéntricos personajes, hasta llegar al golpe de efecto de un final abrupto tras muchos giros y piruetas de guión (con verdaderos momentos de violencia y angustia que dan a la película la calificación “R”, con poca acción).

Kosinski filosofa con cantos como la culpa y la redención, pero sin demasiado simbolismo en este batiburrillo de ideas, Teller y Hemsworth están en su salsa y despliegan carisma sin tomarse en serio ni a ellos mismos, intentando solventar con ello la ligera falta de potencial de una narrativa con altibajos.

Transcurriendo casi toda la trama en el único escenario de un edificio de hormigón algo retro y ochentero, como la música de e Supertramp y Roxy Music suena de fondo, se nos ofrece un visionado agradable y grato, pero irregular más allá de pasarlo bien.

60%

“Garra”

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Garra”, tragicomedia deportiva dirigida para Netflix por por el norteamericano Jeremiah Zagar («We the animals«). Adam Sandler se pone serio y protagoniza, con acierto y acompañado de numerosos cameos y caras conocidas del mundo del baloncesto, esta historia de superación sobre un entrenadir en horas bajas que descubrirá a un prometedor jugador español muy prometedor y luchará para llevarle en la NBA. El guión es de Taylor Materne y Will Fetters, la fotografía de Zak Mulligan y la música de Dan Deacon.



Adam Sandler, tras el éxito en 2019 de «Diamantes en bruto«, encarna a Stanley, un fracasado cazatalentos del baloncesto en este relato de perdedores y outsiders que intentan redimirse. Su personaje intenta encontrar y pulir un revulsivo para la plantilla de los Philadelphia 76ers, viajando por todo el mundo ante la falta de éxito y apoyo del club el apoyo suficiente de los dueños del club hasta encontrar la joya y talento natural que es el joven de 22 años Bo Cruz (Juancho Hernangómez).

A nivel personal y familiar,Stanley y Bo sufrirán sangre,sudor y lágrimas también en su relación pupilo- mentor, hasta cumplir el típico sueño americano en algo que hemos visto tantas veces (“The way back” y “Space Jam” también tienen algo de esto como telón de fondo).

Con una trama que engancha y resulta solvente en conjunto, aunque algo predecible, la película también gustará a los menos dans del baloncesto, con escenas muy evocadoras para empatizar con los protagonistas y un mensaje de superación.

Combinando humor,emotividad y el cariño especial a los perdedores, es muy interesante el nexo a lo “Rocky” de los personajes de Adam Sandler y Juancho, en una trama sencilla pero emocionante.

Aunque sea una historia realista , cabe destacar la imágenes que “Garra” ofrece de de España, pues es en Mallorca donde Stanley descubrirá al talentoso Bo, quien vive en un pobre bloque de pisos con su madre e hija y unas vecinas insoportables.

Con el gancho de ver en pantalla a  Felipe Reyes, José Manuel Calderón, Willy Hernangómez o el seleccionador Scariolo, buen ritmo y banda sonora, resulta bastante recomendable este acierto de Netflix.

“Jurassic World 3:Dominion”

¿Qué tal,ciéfilos? Tras la “Jurassic World: fallen kingdom” de J.A. Bayona, hoy os traigo crítica de  Jurassic World 3 Dominion, punto y final a la trilogía de la popular franquicia de dinosaurios. Escrita y dirigida por Colin Trevorrow ( quien vuelve a a saga y coescribe el guión junto a Emily Carmichael), Chris Pratt y Bryce Dallas Howard repiten como Owen Grady y Claire Dearing, acompañados de unos Jeff GoldblumLaura Dern y Sam Neil que deleitarán a los fans más nostálgicos. La música es de Michael Giacchino y la fotografía de John Schwartzman.

Jurassic World Dominion

Con casi 2h30 de duración, la película arranca varios años después de la destrucción de la isla Nublar, con los dinosaurios campando a sus anchas y coexistiendo con los humanos por todo el planeta, hasta que se presentan serios problemas para la supervivencia.

Con muchos guiños al fan service, un aceptable uso del CGI y mucha acción para transmitir esa atmósfera de aventura , el exceso de Cliffhungers y una historia anodina lastran el cierre de la trilogía,por más dinosaurios carnívoros que veamos y que haya un buen planteamiento inicial y mucho carisma del reparto. Un poco oportunidad perdida.

Jurassic World Dominion

Bajo mi punto de vista, la historia saca poco partido y jugo al dilema moral de la coexistencia entre los seres humanos y dinosaurios, con su mensaje animalista y ecologista. No se profundiza demasiado en nada y se alarga y resulta todo algo repetitivo y lento con tan poco desarrollo narrativo, y se echa de menos más aparición e impacto de la famosa banda sonora en escenas clave,para dar más emoción.

Michael Crichton

Si sois adeptos al mundo creado por Spielberg, disfrutareis Jurassic World 3 Dominion si vais con la única pretensión de ver un blockbuster veraniego y os dejáis llevar por la variedad de la fauna de dinosaurios y el cariño al reencuentro con los personajes de hace casi 30 años.

Jurassic World: Dominion

En definida, buena dirección pero un guión que solo gustará a los más incondicionales que vibraron con las anteriores entregas de Jurassic Park.

«Mr Wain»: arte, amor,gatos y electricidad ¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de  Mr Wain (La vida electrizante de Louis Wain),vibrante película escrita y dirigida por Will Sharpe y protagonizada por unos entregados Benedict Cumberbatch y Claire Foy. Una opción bastante recomendable para los menos adeptos a los blockbusters veraniegos en cartelera. Esta especie de biopic del excéntrico ilustrador, famoso por sus dibujos de gatos, resulta entrañable y hada las delicias de amantes del arte y de los felinos.Eléctrica y con los altibajos de esa montaña rusa que fue la vida del artista, esta historia real ofrece un cúmulo de emociones en el corazón corazón del espectador. Pasando del colorido de la fotografía de Erik Wilson a la escala de grises de los sinsabores de la vida de Wain (su labio leporino,enfermedades e inadaptación social), es muy acertado el todo de este drama biográfico para acercarnos a la mente del genio.La trama nos sitúa en la Inglaterra de 1888, con Louis Wain intentando difundie sus inventos en los medios para sostener a su familia (madre y cinco hermanas pequeñas) y encontrando el amor y la creatividad en la institutriz Emily Richardson y su adorable gato Peter.En cuanto al reparto, Benedict Cumberbatch (“The Imitation Game (Descifrando Enigma)”) demuestra una vez más que no tiene límites interpretativos en un personaje lleno de matices, con una más que solvente l Claire Foy (“The Crown”) a su lado. Resultará muy fácil empatizar con este bicho raro amante del arte y de la ciencia. También tenemos cameos de Nick Cave y Taika Waititi y a Olivia Colman como narradora.Su mascota y el amor harán que  Wain libere su creatividad y se despoje de traumas familiares y mentales del pasado y canalice su talento e imaginación explorando y reflejando la belleza belleza del mundo que le rodea, como si de una bomba a punto de estallar se tratara: es muy curioso cómo la obra del artista se relaciona con su estado vital y mental, disputa incluida por los derechos de autory viaje a América incluidos. Con la teoría de la electricidad como hilo conductor de la película,Will Sharpe ha logrado plasmar con éxito la potencia del mundo interior de Wain y sus realistas felinos, retratos y paisajes.Con un ritmo tan vibrantd como la vida de Wain y una gran puesta en escena, con toda la amalgama de la paleta de colores, con un esquizofrénico clímax visto en la primera escena y uso de voz en off tipo documental, estamos ante una película muy cuidada en lo narrativo y artístico.Entre la filosofía y el amor a los gatos, Mr Wain es un canto a la belleza del arte y todo lo que este puede transmitir. Un producto muy recomendable y acertado, alejado de la biografía al uso, y todo un deleite por lo visual y el reparto. Sin duda, merece un visionado.

Nota:8

“En un muelle de Normandía “

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de ‘ En un muelle de Normandía’, película de denuncia y crítica social dirigida y coescrita junto a Hélène Devink por el escritor Emmanuel Carrère (‘Retour á Kotelnich’ (2003) y ‘La moustache’ (2005) y protagonizada por Juliette Binoche.




Basada en la exitosa novela ‘El muelle de Ouistreham’, la película nos narra la historia de una limpiadora del muelle de Ouistreham que se une a sus compañeras para denunciar la precariedad laboral, una situación tan cotidiana como universal.


Siguiendo la vertiente social de cineastas como Ken Loach, Stephen Frears o los hermanos Dardenne, la propuesta es muy comprometida con su mensaje y se sustenta en el conflicto interno de la protagonista como infiltrada, con la sororidad de las mujeres trabajadoras y la particular mirada de su director.

En cuanto al reparto, tenemos a una entregada Binoche que lo dice todo con la sutileza de sus gestos y miradas, con el resto de los actores haciendo un trabajo solvente y ofreciendo personajes verosímiles y realistas.

Con un final ambiguo como broche de arrère concluye la película con un doble epílogo marcado por la ambigüedad y mucha humanidad y honestidad en su última escena, es imposible no mencionar el aspecto moral de este tipo de cine. En definitiva, ‘En un muelle de Normandía’ no trata de ofrecer una respuesta clara y definitiva en su denuncia, pero sí es muy buen reflejo de la experiencia vital de una mujer que busca encontrarse a sí misma entrd la incertidumbre y el desarraigo laboral. A veces, estremecedora y transparente como la vida misma.

«Top Gun: Maverick»: El blockbuster del verano.

¿Qué tal,cinéfilos? Tras mucho retraso por la pandemia,por fin llegó “Top Gun:Maverick”, esperada secuela de la película de 1986 de Tony Scott, con muchas expectativas, puesta de largo en Cannes fuera de concurso y un Tom Cruise dispuesto a arrasar en taquilla retomando el papel de aviador (aquí con algunos cambios en sus compañeros de reparto, con John Hamm, Miles Teller con in buen arco de personaje y Jennifer Connelly como Penny Benjamin, el interés romántico y algo desaprovechada).

En mi opinión, creo que la película da la nostalgia y adrenalina que se le pide, con su dosis de acción y buena música, y estoy segura de que convencerá incluso a los menos fans de la anterior (la cual no me gustó demasiado) con una buena puesta en escena y mejor trama. La dirección corre a cargo de Josepg Kosinski, el guión ws de  Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Singer y Christopher McQuarrie,la fotografía de Claudio Miranda y la música de Harold Faltermeyer, Hans Zimmer.

Tras más de tres décadas al servicio de la Armada, la historia arranca con Pete «Mavericks» Mitchel (Tom Cruise) en la cúspide de su carrera y disponiéndose a entrenar a un grupo de graduados de Top Gun para una misión especializada, entre ellos, el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller). Cruise se supera en su papel y heroicidad, com bastante química y dinámica con el resto del reparto y se luce en las escenas de acción sin doble ni pantalla verde, y las más de dos horas en el aire se pasarán en un suspiro.

Sin pantalla verde de por medio, podemos decir que, actualmente, el cine tiene la posibilidad de rodar planos asombrosos. Top Gun: Maverick (Top Gun 2) aprovecha hasta el último de sus recursos, y de sus posibilidades, para rodar escenas realmente icónicas para Maverick. Nos deja un sabor nostálgico a la primera película, pero sin duda el momento ideal para esta secuela es ahora.

Como acostumbramos en las películas del protagonista, Kosinski cuida bastante la cinematografía y el montaje y acierta con creces en la factura técnica, rendiendo además un sentido tributo a Tony Scott. También se nota en este apartado la producción de Christopher McQuarrie.

Además de no ser necesario haber visto su predecesora ( si acaso,esto emociona algo más) y pedir a gritos del visionado en pantalla grande, se trata de una experiencia totalmente emocionante e inmersiva incluso para los menos adeptos de la acción s

«La historia de mi mujer»: el naufragio del amor (BTeam Pictures)

¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “La historia de mi mujer”, última película de la húngara Ildikó Enyedi (En cuerpo y alma), basada en la novela homónima de Milán Füst. Se trata de una coproducción de Hungría, Alemania, Italia y Francia, presentada en la Sección Oficial del pasado Festival de Cannes.

Protagonizada por Lea Seydoux (Lizzy)Gijs Naber (Capitán Jakob Störr) y Louis Garrel ,con fotografía de Marcell Rév y música de Adam Balazs, se trata de un irregular drama romántico de casi 3 horas de metraje.

En la Europa de los años 20, narra la historia de como el matrimonio entre el solitario capitán de barco Jacob y la moderna Lizzy ( a quien desposa tras una apuesta de casarse con la primera mujer que entre en una cafetería, alejada ella de la tradición de la ciudad neerlandesa de Jacob, Arnhem. ) se verá enturbiado por la sospecha de la traición del triángulo amoroso ( con Louis Garrel como el tercero en discordia). Tras experimentar una atracción mutua e instantánea, la poca palabra y el carácter variable de Lizzy harán desconfiar a Jacob de la fidelidad de su esposa al entrar en escena el bohemio Dedin (Louis Garrel), provocando un terremoto emocional y los estragos de los celos y la soledad.

Con la trama estructurada en 7 episodios, veremos como la diferencia de caracteres y aspiraciones vitales hará la relación cada vez más tóxica tras la pasión inicial. Jacob presenciará como, en sus largas ausencias, la elegancia y exquisitez del impasible y vividor Dedin (Louis Garrel) conquistan a su mujer…aunque, en un principio,todo le parezca producto de su imaginación. Todos los diálogos se centran en la inseguridad de Jacob ante una Lizzy que quiere hacer su vida más allá del matrimonio,entrando y saliendo de todo tipo de locales, siendo él tan cuadriculado , patriarcal y tradicional, incapaz de abrirse a los nuevos tiempos y dejar de temer por la actitud de su mujer: todo se traducirá en una turbia espiral donde ella provocará lo más malsano y peligroso de una relación tóxica.

Con respeto al reparto, Léa Seydoux está magnética, fascinante y sensual en sus miradas y caminar,  con Gijs Naber y un Louis Garrel opacados a su lado entre tanta luz de la fotografía de Marcell Rév, un aspecto milimétricamente cuidado con bellísimas escenas de atardeceres, mares, puentes y preciosos lugares, como los cafés de esa Europa de entreguerras…y el misterio de música de Adam Balaz para una historia de amor y celos más fría de lo que esperaba.

Sin poder entrar en si adapta bien la novela homónima, la película es una áspera sucesión de secuencias donde es difícil empatizar con los protagonistas e interesarnos por ellos durante el extenso metraje. Pese a la acertada recreación de la época y el buen hacer de Seydoux, el producto final peca de recrearse innecesariamente y ser irregular y autocomplaciente, demasiado frío. Pese a ello, vemos a una actriz entregada y un mensaje feminista plenamente actual, lo más destacable y a reivindicar en una película que se hará cuesta arriba si no entramos entramos en ella. Nota:6.

“Chip y Chop: los guardianes rescatadores”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de Chip y Chop: los guardianes rescatadores , el esperpéntico y delirante regreso de las ardillas más famosas de Disney, estrenado recientemente en la plataforma Disney+.


Llena de humor,sátira y guiños a la nostalgia mezclando todo tipo de personajes ( al más puro estilo “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”
y en la línea de títulos como  “Ready Player One” o “Free Guy “, la película dirigida por Akiva Schaffer hará las delicias de grandes y pequeños: el guión de Dan Gregor y Doug Mand aúna con gran acierto humanos, dibujos animados, muppets y casi todo personaje salido de productos con licencia Disney . Frenético el ritmo de referencias y cameos en este mash-up (Sonic,Meryl Streep, Vin Diesel …).

La historia arranca con nuestras ardillas separadas por el ego tras convertirse en estrellas del show. Con Chip trabajando vendiendo seguros y Chop con la “cirugía 3D”, deberán reunirse y ponerse manos a la obra para rescatar a su antiguo compañero de reparto Monterey Jack de las garras decla Banda del Valle del mafioso Sweet Pete..todo ello con la ayuda de la policía.

Pese a que la película es simpáticas y ligera, subyace en su mensaje una crítica feroz hacia el propio estudio de animación y sus prácticas en en mercado audiovisual, con yn tono burlón y mordaz a la calidad de los dibujos.

Todas las piezas del puzzle enfaban en este divertido homenaje ,que supone un cierto aire fresco y todo un tributo a Disney, Pixar, superhéroes y canales de dibujos animados.



LO MEJOR: Su mordaz sentido del humor

LO PEOR: El ritmo no deja pillar todas las referencias a tiempo en un único visionado.

“Madeleine Collins”¿Qué tal,cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Madeleine Collins”,thriller dramático francés dirigido y escrito por Antoine Barraud y protagonizsdo por  Virginie Efira (Benedetta), Quim Gutiérrez (Ventajas de viajar en tren) y Jacqueline Bisset (Ricas y famosas).   La fotografía es de Gordon Spooner y la música de Romain Trouillet.

La trama nos narra la historia de Judith, una mujer de mediana edad que vive una acomodada doble vida: en Francia tiene a su marido Melvil (Bruno Salomone) y dos hijos, y en Suiza mantiene una relación a Abdel (Quim Gutiérrez) y su hija pequeña. Esta traductora de prestigio usará sus mentiras para escalae posiciones sociales y prestigio en su trabajo, siempre viajando sin que su marido advierta las ausencias supuestamente laborales.

Con una inmensa Virginie Efira como absoluta reina de la función, más que un triángulo amoroso lleno de engaño y seducción, las incómodas situaciones donde se ve envuelta la protagonista podrían dar pie a un incómodo debate sobre la moralidad…poniendo ella a sus pies un mundo de hombres, todo ello con mucho suspense para conocer la motivacion de Judith para actuar así.

Jugando con el misterio y las identidades de la protagonista, presenciamos la caída en un bucle destructivo de quien tanto parecía llevar una vida plácida y anodina con un marido ajeno a todo. Si bien el guión tiene un ritmo algo irregular, es muy interesante El enfoque de una protagonista femenina catalizando situaciones históricamente masculinas. Algo pretenciosa en sus sorpresas y giros, planteando el enigma de Judith desde el principio, Efira se muestra magnética en su doble cara…llena de carisma y expresividad dramática en todos los matices del arco del personaje. A su lado están un correcto Quim Gutiérrez y un discreto Bruno Salomone, con una Jacqueline Bisset que se come la pantalla pantalla en sus pocas escenas.

Con un tono clásico a Hitchcock (sin su maestría)y una oscura fotografía entre tinieblas y tonos grises , la premisa es original y tiene mucho suspense, empatizando con Judith descontrolada y al borde del colapso por su propio juego. Sorprendente a veces, con pilotos automoción en otra, y creíble a la vez que inverosímil,disfrutaremos más de la pelicula si hacemos un ejercicio de confianza con lo que vemos en pantalla. En definitiva,Madeleine Collins es una aceptable película de suspense y vidas paralelas.

“Red Rocket”

¿Qué tal, cinéfilos? Hoy os traigo crítica de “Red rocket”, una políticamente incorrecto retrato de la América profunda de la mani del director Sean Baker (“Tangerine”, “The Florida Project”) que llega casi un año después de su presentación en Cannes. Una pena que, más allá de cierta expectación por lo nuevo del director, haya pasado sin pena ni gloria para público y taquilla.

La trama, que da a Estados Unidos donde más duele,cuenta como el desagradable, carismático y fracasado actor porno Mikey (Simon Rex) vuelve a Texas city para intentar apartarse del éxito y arreglarlo con su todavía mujer.



Gamberro, graciosillo y algo repulsivo,Mikey no sabe el rumbo a tomar ni parar de tener la última palabra y liar a los demás. A veces es divertido y simpático, y otras veces le odiamos: ello es porque Baker disecciona con bisturí como adolescentes y obreros engañados ven roto su sueño americano y viven vidas vacías y carentes de sentido ante la decepción de la cruda realidad.

Respecto al reparto,Simon Rex está en su salsa utilizando toda su gestualidad y verborrea en la vida de un tipo que graba sus masturbaciones para pagar el alquiler y mantener al hijo de su novia, para luego mostrarse vulnerable e intentar redimirse.

En este caso, lo que parece una “feel good movie”no es más que el reflejo de un caradura que se lleva a todos por delante para volver a la cima. Aunque veamos todo desde el punto de vista de Mikey, es muy difícil empatizar con él y creer que ya no ese golfo caradura tan criticado que no aprende de sus errores.


Pese a que la dirección de Sean Baker vuelve a ser fresca y magistral, con esos ángulos ciegos y movimientos de cámara tan personales, la historia que nos cuenta no está tan a la altura para mí. La vida de una oveja negra descarriada como Mikey, ambiciosa por combatir el rechazo social y lograr su sueño sin salir de la zona de confort , creo que necesitaría algo más de matices y profundidad en su tono agridulce y tragicómico.

En definitiva, “Red Rocket ” me parece un simplemente aceptable producto independiente con bastante tela que cortar pese a faltarle algo más de mala baba con la América profunda.